martedì 30 giugno 2015


ICA Institute of Contemporary Art
The Mall - London
1/7/2015 - 6/9/2015

Isa Genzken is one of the most important and influential artists of the last forty years. Since the early 1970s, Genzken has developed an extraordinary practice as evidenced through museum shows such as her recent retrospective at MoMA, New York. Increasingly ambitious displays of the artist’s work have tended toward a focus on large-scale sculptures, installations and impressive wall mounted panel works. Lesser known are her paintings.
Having experimented with a variety of different materials and art forms, to include assemblage and photography, film and video, Genzken also produced two prominent series of paintings spanning the late 80s and early 90s. This included her MLR (More Light Research) works from the early nineties, and the Basic Research paintings produced between 1989-1991. The latter have rarely been shown in isolation, or in the context of a freestanding painting show.
The Basic Research paintings are compelling in that they invite scrutiny from the micro to macro, revealing themselves as close-up impressions of urban architecture, to aerial views of alien landscapes. These works are sometimes compared to the abstract paintings of Gerhard Richter, due to Genzken’s relationship with the artist at that time. By contrast, Genzken’s approach to abstract painting is emboldened through a more straightforward and direct approach, using a limited palette that rarely strays from a range of dark hues such as dark green or brown.

Image: Isa Genzken, Basic Research, 1989. Courtesy the artist and Galerie Buchholz, Berlin/Cologne.


a cura di Lorenzo Mingardi con Sandro Gravili, Andrea Pastorello
IUAV Archivio Progetti, Sala espositiva
Cotonificio, Dorsoduro 2196 - Venezia
25/6/2015 - 17/7/2015

Giancarlo De Carlo (1919-2005) ha lavorato sul tema dell’abitare - dalla casa privata alla residenza collettiva - seguendo una linea di ricerca riconoscibile sin dal suo esordio professionale, avvenuto negli anni Cinquanta con i progetti elaborati per il Piano INA-Casa. La mostra, allestita con i materiali conservati presso l’Archivio Progetti dell’Università Iuav di Venezia, illustra la continuità con cui De Carlo si è accostato alla ricerca sulla residenza. Gli esiti sono complessi architettonici pensati come sistemi di connessione tra le parti, da intendere non come oggetti finiti e identificabili in un sistema chiuso, ma come vere e proprie similitudini del tessuto della città storica, che si definisce nel tempo per addizioni successive.Nei progetti esposti, ogni volume è pensato come il centro di una rete di relazioni, e si sviluppa come in un processo narrativo che l’architetto sceglie di seguire nelle sue infinite possibilità di espansione.
Nei lavori di De Carlo, il principio insediativo non si traduce nella ricerca della singola figura armoniosa, ma valorizza, sotto l’effetto di una forza centrifuga che esso stesso genera, gli spazi tra gli edifici, concepiti, così, come catalizzatori di vita sociale. Ne risulta una visione plurima e sfaccettata della realtà che l’architetto ha scelto, per tutta la sua vita, di rappresentare senza attenuarne l’inestricabile complessità. Attraverso l’arco cronologico di venti anni (1949-1969), la mostra testimonia come la critica ai principi dogmatici del Moderno, sia presente nella produzione di De Carlo ben prima che questi entrasse a far parte del dibattito culturale internazionale. Le relazioni che l’architetto instaura oltre i confini italiani attraverso gli incontri del gruppo del Team X e in tante altre occasioni a partire dal CIAM di Otterlo del 1959 non innescano nella elaborazione di De Carlo un nuovo metodo progettuale, ma ne acuiscono semmai la direzione e ne ampliano la scala. Nella mostra sono esposti disegni originali, materiali fotografici e documenti dell’archivio Giancarlo De Carlo, conservato presso l’Archivio Progetti. Saranno altresì presentate stampe gentilmente riprodotte grazie alla collaborazione dell’Archivio Fotografico della Triennale di Milano.


The Lens and Screen Arts
edited by Adam Bell and Charles H. Traub
University of California Press
May 2015

The ubiquity of digital images has profoundly changed the responsibilities and capabilities of anyone and everyone who uses them. Thanks to a range of innovations, from the convergence of moving and still image in the latest DSLR cameras to the growing potential of interactive and online photographic work, the lens and screen have emerged as central tools for many artists. Vision Anew brings together a diverse selection of texts by practitioners, critics, and scholars to explore the evolving nature of the lens-based arts.
Presenting essays on photography and the moving image alongside engaging interviews with artists and filmmakers, Vision Anew offers an inspired assessment of the medium’s ongoing importance in the digital era. Contributors include Ai Weiwei, Gerry Badger, David Campany, Lev Manovich, Christian Marclay, László Moholy-Nagy, Walter Murch, Trevor Paglen, Pipilotti Rist, Shelly Silver, Rebecca Solnit, and Alec Soth, among others. This vital collection is essential reading for artists, educators, scholars, critics, and curators, and anyone who is passionate about the lens-based arts.

Adam Bell is a photographer and writer. Coeditor of The Education of a Photographer, he has written for numerous publications, including Afterimage, The Brooklyn Rail, The Art Book Review,FOAM Magazine, photo-eye, and Paper Journal. He is currently on staff and faculty in the MFA Photography, Video, and Related Media Department, School of Visual Arts.

Charles H. Traub is chair of the MFA Photography, Video, and Related Media Department, School of Visual Arts, and president of the Aaron Siskind Foundation. His many books include Dolce Via: Italy in the 80s, The Education of a Photographer, and In the Realm of the Circuit, and his writings have been published in Connoisseur, Fortune, Newsweek, Aperture, U.S. News & World Report, Afterimage, Popular Photography, American Photographer, and The New Yorker.


Art, Space, Politics
edited by Emily Eliza Scott and Kirsten J Swenson
University of California Press
June 2015

From Francis Alÿs and Ursula Biemann to Vivan Sundaram, Allora & Calzadilla, and the Center for Urban Pedagogy, some of the most compelling artists today are engaging with the politics of land use, including the growth of the global economy, climate change, sustainability, Occupy movements, and the privatization of public space. Their work pivots around a set of evolving questions: In what ways is land, formed over the course of geological time, also contemporary and formed by the conditions of the present? How might art contribute to the expansion of spatial and environmental justice? Editors Emily Eliza Scott and Kirsten Swenson bring together a range of international voices and artworks to illuminate this critical mass of practices. One of the first comprehensive treatments of land use in contemporary art, Critical Landscapes skillfully surveys the stakes and concerns of recent land-based practices, outlining the art historical contexts, methodological strategies, and geopolitical phenomena. This cross-disciplinary collection is destined to be an essential reference not only within the fields of art and art history, but also across those of cultural geography, architecture and urban planning, environmental history, and landscape studies.

Emily Eliza Scott is a postdoctoral fellow at the Institute for the History and Theory of Architecture at the Swiss Federal Institute of Technology (ETH Zürich), and founding member of the art collectives the Los Angeles Urban Rangers and World of Matter. She also served as a National Park Service ranger from 1994 to 2005. She is a contributor to Ends of the Earth: Art of the Land to 1974 and Geohumanities: Art, History, and Text at the Edge of Place, and has published articles in American Art, Art Journal, Cultural Geographies, and Third Text.

Kirsten Swenson is Assistant Professor of Art History at University of Massachusetts, Lowell. She is the author of Irrational Judgments: Eva Hesse, Sol LeWitt, and the 1960s and has written numerous articles for Art in America, Art Journal, and American Art.


lunedì 29 giugno 2015


commissaire: Christine Van Assche
Centre Pompidou Place Georges Pompidou - Paris
24/6/2015 - 18/9/2015

L’intensité de l’œuvre de Mona Hatoum tient à la perte de repères qu’elle suscite chez le spectateur. Elle le laisse se frayer un chemin dans cet univers instable, celui d’un monde mû par ses contradictions, des histoires aux temporalités diverses, caractérisé par ses tensions. Mona Hatoum place souvent le spectateur au cœur même de l’œuvre et l’engage dans un dialogue, le mettant parfois même à l’épreuve.
Née en 1952 à Beyrouth de parents d’origine palestinienne, Mona Hatoum quitte le pays pour un court séjour à Londres, en 1975, au moment où la guerre éclate ; ne pouvant rentrer elle y entreprend dès lors des études d’art. De nationalité britannique, l’artiste est moins liée à la scène artistique libanaise qu’à une scène d’artistes internationaux ayant vécu cette situation d’exil, de déracinement, d’éloignement de leur contexte familial ou de confrontation à une situation géopolitique hostile.
Le Centre Pompidou a montré une grande fidélité à l’œuvre de Mona Hatoum. Ainsi, il y a 20 ans, déjà, le Centre Pompidou lui consacrait une toute première exposition muséale et a acquis par ailleurs des œuvres présentées par la suite au musée, notamment dans le cadre de l’exposition « Elles@centrepompidou ».
Aujourd’hui dans la plus vaste galerie d’exposition du Centre Pompidou, Christine Van Assche, la commissaire fait dialoguer les œuvres performatives et vidéo des années 1980 qui ont tant compté dans l’histoire de la performance, avec les sculptures, les œuvres sur papier, les installations, les détournements d’objets et des photographies produites de 1977 à 2015.
La plus récente de ses œuvres est une installation spectaculaire créée pour l’exposition au Centre Pompidou : « Map (clear) ». Tout au long de l’exposition sont présentées des cartes géographiques, comme autant de visions que Mona Hatoum a du monde actuel, depuis la carte de Palestine — « Present Tense », aux cartes du monde — « Hot Spot », « Projection », « Map (clear) », aux cartes de trajectoires — « Routes ». Ces œuvres laissent percevoir un monde instable, impermanent, aux frontières mouvantes, aux contours imprécis.
L’artiste s’érige comme une figure incontournable de la scène artistique internationale actuelle. Quelques œuvres sont ainsi devenues des icônes de l’art engagé et global : « Roadworks », « Measures of Distance », « Over my Dead Body », « Light Sentence 15 », AVRIL « Socle du Monde », « Corps étranger », « Present Tense », « Home », « Hot Spot », « Impenetrable », « Undercurrend (red) ».

L’exposition sera présentée à la Tate Modern du 4 mai au 21 août 2016 et au Kiasma d’Helsinki du 7 octobre 2016 au 26 février 2017.

Image: Mona Hatoum, Hot Spot, 2013
© Courtesy of the artist — © Photo Courtesy of the artist & Galerie Max Hetzler, Berlin / Paris — Photo © Jörg von Bruchhausen


Ierimonti Gallery
via G. Modena 15 - Milano
23/6/2015 - 7/7/2015

Ierimonti Gallery NY riapre la storica sede milanese della galleria in occasione di una mostraevento enogastronomica realizzata abbracciando il tema di EXPO 2015: “Nutrire il pianeta, energia per la vita”.
Secondo un rapporto delle Nazioni Unite, anche se il nostro pianeta ospita circa 30.000 varietà di piante commestibili, sono solo 30 le colture che rappresentano il 95% della produzione agricola per l'alimentazione umana. L'avvento dell'agricoltura intensiva e delle monoculture, che prevedono l'utilizzo di dosi massicce di fertilizzanti chimici, pesticidi e semi OGM, ha favorito la scomparsa di numerose specie vegetali, senza però dare una risposta soddisfacente alla crescente domanda di cibo di un mondo che, si stima, nel 2050 sarà popolato da 9 miliardi di abitanti.
Lucy & Jorge Orta sono una coppia di artisti con una spiccata sensibilità verso le tematiche sociali ed ambientali che coinvolgono il mondo contemporaneo, come migrazione, emergenza idrica, emergenza abitativa, lotta all'inquinamento e preservazione delle specie animali e vegetali che abitano il nostro pianeta. Con il progetto “SEEDBANK”, ci trasportano in una virtuale banca dei semi: una serie di dettagliati acquerelli ci illustrano l'aspetto di semi, pollini e tuberi, mentre le sculture in vetro di Murano, realizzate con la collaborazione degli artigiani di Berengo Studio, riproducono fedelmente l'aspetto di semi di piante in via d'estinzione, evidenziando le qualità scultoree di questi minuscoli organismi, dettagli che l'occhio umano non potrebbe cogliere nei semi a dimensione naturale. “SEEDBANK” è una celebrazione della natura e delle sue meraviglie, una riflessione sull'importanza della salvaguardia della biodiversità e sulla saggezza e la fantasia necessarie a questo scopo.


Postmedia Books (30 giugno 2015)

Philip Johnson (Cleveland 1906 - New Canaan 2005) è stato per più di mezzo secolo una figura centrale della cultura architettonica americana. Con il libro International Style (1932) e le mostre al MoMA: Modern Architecture - International Exhibition (1932) e Deconstructivist Architecture (1988) ha contribuito allo sviluppo del dibattito teorico e della ricerca progettuale a livello internazionale. Questo libro si occupa dell'attività di Johnson come architetto di musei senza, tuttavia, trascurare l'essenza della sua visione progettuale. La sua concezione del museo, che anticipa alcune scelte rappresentative della contemporaneità, è riassumibile in alcuni punti cardine: un organismo dalle contenute dimensioni, impostato spazialmente su un vuoto centrale - il cuore dell'organismo - circondato o attraversato da percorsi a sbalzo o sospesi che determinano la visione dinamica delle opere esposte da parte del visitatore. I musei progettati da Johnson sono una ventina, cui bisogna aggiungere alcune case di collezionisti a partire dalla Glass House - la sua casa a New Canaan, ora casa/museo - concepita per padiglioni, tra i quali spiccano, per restare in tema, la Painting Gallery e la Sculpture Gallery.

Michele Costanzo (nato ad Ancona nel 1939) risiede a Roma dove lavora e insegna presso la Facoltà di Architettura Università Sapienza. Ha collaborato con numerose riviste di architettura a carattere nazionale e internazionale. Attualmente fa parte della redazione della rivista "Rassegna di Architettura e Urbanistica". Tra le pubblicazioni: MVRDV. Opere e progetti 1991-2006, Skira, Milano 2006; Museo fuori dal museo. Nuovi luoghi e nuovi spazi per l'arte contemporanea, FrancoAngeli, Milano 2007; Costantino Dardi. Architetture in forma di parole, Quodlibet, Macerata 2008; Leonardo Ricci e l'idea di spazio comunitario, Quodlibet, Macerata 2010; Il tempo del disimpegno, Quodlibet, Macerata 2011.


Il Pastore di Arturo Martini. Storie di restauto
a cura di Maria Catalano e Lauda D'Agostino
Gangemi (22 giugno 2015)
Collana: Interventi d'arte sull'arte

Con la pubblicazione del testo, la Fondazione Paola Droghetti onlus ribadisce quello che è il principale scopo della sua attività: dare un contributo sistemico e costante alla salvaguardia del patrimonio artistico nazionale e condividere la diffusione della auspicata cultura della conservazione d'arte che rappresenta il suo fine istituzionale. Per il 12° anno consecutivo la Fondazione ha bandito un concorso per due borse di studio annuali presso l'Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro che, come negli anni precedenti, sono state assegnate a giovani diplomati dello stesso Istituto per il restauro conservativo di un capolavoro del nostro patrimonio artistico. Questa volta si tratta di un'opera della Galleria d'Arte Moderna (GAM) a Roma: Il Pastore di Arturo Martini, capolavoro della collezione capitolina e della scultura italiana del 900, un'opera tra le più suggestive della maturità dell'artista. Lo stato di conservazione della scultura, la propria condizione strutturale e morfologica, costituita di una materia, di una tecnica esecutiva e di una concezione artistica intrinsecamente fragili, hanno richiesto un accurato e delicato lavoro di restauro eseguito presso i laboratori dell'Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro (ISCR).


domenica 28 giugno 2015


via Sant'Agnese 19R - Genova
2 luglio 2015, 17,30 - 19,30

A conclusione della personale di Beppe Dellepiane, “Pagine da ‘Carta santa’ e altri lavori”, Entr’acte propone per giovedì 2 luglio, a partire dalle 17,30, un’apertura straordinaria, rivolta in particolare a quanti non abbiano potuto visitarla in precedenza.
Nell’occasione verrà presentato il primo numero di a-quattro, foglio aperiodico di Entr’acte, con cinque nuovi componimenti poetici dell’artista.


The Metropolitan Museum of Art
1000 Fifth Avenue at 82nd Street - New York
29/6/2015 - 4/10/2015

Throughout his career, the celebrated American painter John Singer Sargent (1856–1925) created exceptional portraits of artists, writers, actors, dancers, and musicians, many of whom were his close friends. As a group, these portraits—many of which were not commissioned—are often highly charged, intimate, witty, idiosyncratic, and more experimental than his formal portraiture. Brilliant works of art and penetrating character studies, they are also records of relationships, influences, aspirations, and allegiances.
Sargent: Portraits of Artists and Friends brings together about ninety of the artist's paintings and drawings of members of his impressive artistic circle. The individuals seen through Sargent's eyes represent a range of leading figures in the creative arts of the time such as artists Claude Monet and Auguste Rodin, writers Robert Louis Stevenson and Henry James, and the actor Ellen Terry, among others. The exhibition features some of Sargent's most celebrated full-length portraits (Dr. Pozzi at Home, Hammer Museum), his dazzling subject paintings created in the Italian countryside (Group with Parasols, The Middleton Family Collection), and brilliant watercolors (In the Generalife, The Metropolitan Museum of Art) alongside lesser-known portrait sketches of his intimate friends (Vernon Lee, 1881, Tate). The exhibition explores the friendships between Sargent and his artistic sitters, as well as the significance of these relationships to his life and art.

Image: John Singer Sargent (American, 1856–1925). The Fountain, Villa Torlonia, Frascati, Italy, 1907. Oil on canvas; 28 1/8 x 22 1/4 in. (71.4 x 56.5 cm). The Art Institute of Chicago, Friends of American Art Collection


piazza Leopardi 15 - Recanati
29/6/2015 - 31/7/2015

In occasione del compleanno di Giacomo Leopardi, IDILL’IO è lieta di presentare il suo tredicesimo appuntamento.
Nello spazio di Pio Monti a Recanati si presentano opere di Emilio Prini e H.H.Lim, entrambe come omaggio al Poeta. Il progetto espositivo si concentra sul concetto di sguardo, tema assai caro a Giacomo Leopardi che, nei suoi scritti lo declina variamente.
Come sottolinea il titolo, “Mirare Giacomo Leopardi”, la mostra raccoglie in sé le diverse sfumature di senso del termine mirare, con le sue complessità e ambiguità che comunque si risolvono nell’ammirazione degli artisti verso il Poeta.

Nel suo testo di presentazione Nikla Cingolani scrive: “L’opera dal titolo Standard di Emilio Prini, spinge verso un processo di significazione dell’oggetto, rappresentato non come una semplice “cosa”, ma come modello riproducibile di codici comuni e condivisi, in cui si riconosce il procedere del tempo che torna nella sua irrevocabile finitezza.[…]
L’arco della vita e il suo evolvere si condensa nell’opera di H. H. Lim, dove epoche di civiltà sovrapposte mostrano un’umanità costantemente in pericolo e sotto tiro dall’oppressore futuro e dall’uomo stesso. L’inquietudine di affrontare sfide improrogabili costringe a star con l’arco teso in rapporto di solidarietà. Questo è lo standard leopardiano per resistere al male del mondo”.


Great Exhibitions in the Margins
Ashgate (June 28, 2015)

Beyond the great exhibitions, expositions universelles and world fairs in London, Paris or Chicago, numerous smaller, yet ambitious exhibitions took place in provincial cities and towns across the world. Focusing on the period between 1840 and 1940, this volume takes a novel look at the exhibitionary cultures of this period and examines the motivations, scope, and impact of lesser-known exhibitions in, for example, Australia, Japan, Brazil, as well as a number of European countries. The individual case studies included explore the role of these exhibitions in the global exhibitionary network and consider their 'marginality' related to their location and omission by academic research so far. The chapters also highlight a number of important issues from regional or national identities, the role of modernisation and tradition, to the relationship between capital cities and provincial towns present in these exhibitions. They also address the key topic of colonial exhibitions as well as the displays of arts and design in the context of the so-called marginal fairs. Cultures of International Exhibitions 1840-1940: Great Exhibitions in the Margins therefore opens up new angles in the way the global phenomenon of a great exhibition can be examined through the prism of the regional, and will make a vital contribution to those interested in exhibition studies and related fields.


Prestel (June 25, 2015)

This illuminating new book tells the story of Doug Aitken's Station to Station project, a nomadic happening that crossed North America by train and continues to explore creativity in the modern landscape. Doug Aitken's Station to Station project is a high speed road trip through modern creativity. Over a 23-day period, the project crossed North America by train presenting a series of cultural interventions and site-specific happenings that took place in ten cities between New York and San Francisco. The train, designed as a moving, kinetic light sculpture, was at the center of it all, housing the constantly changing group of creative individuals and broadcasting experiences to a global audience. Over one hundred unique projects took place during the journey, created by today's leading contributors in contemporary art, music, literature, and culture. This volume presents the ideas that emerged from Station to Station. Stunning full-color illustrations and multiple conversations with Aitken onboard the train document the journey from East to West. In addition to 150 images, this book includes an introduction by Dean Kuipers and interviews with Beck, Bice Curiger, Scott Dadich, Dan Deacon, Olafur Eliasson, Urs Fischer, Liz Glynn, Carsten Höller, Thurston Moore, Giorgio Moroder, Ed Ruscha, Lawrence Weiner, and many more.


Palazzo Ducale - Sala Liguria
piazza Matteotti 9 - Genova
26 giugno – 5 luglio 2015

Motivo portante della X Biennale, è quello di EXPO2015 Milano: “Nutrire il pianeta, energia per la vita”.
Il progetto della Biennale propone l’interpretazione, in maniera molto originale ed innovativa, dei diversi aspetti del concetto di nutrizione anche attraverso la partecipazione dell’artista Walter Di Giusto, del gruppo teatrale Gi-CAP e dell’associazione di promozione sociale A.TRE, con i quali si pone l’accento sulla conoscenza degli usi e delle tradizioni del passato come unico e autentico strumento sul quale fondare lo sviluppo del futuro.

sabato 27 giugno 2015


Promenade des Arts - Nice
12.06.215 - 29.09.2015

Le Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain de Nice poursuit son exploration de l'art américain et de l'art de l'assemblage en présentant une exposition sur l'artiste américain Keith Sonnier du 12 juin au 29 novembre 2015, intitulée « Light Works ». Né en 1941 en Louisiane, Keith Sonnier débute sa carrière au milieu des années 1960 et emploie très tôt le néon. Il partage avec eux la volonté d'une sculpture anti-illusionniste et s'érige contre la froideur des sculptures minimales. Sonnier utilise principalement des matériaux souples (tissus, rubans, voilages et grilles métalliques) et crée des néons aux formes courbes, inspirés de sa terre natale et de ses voyages. Ses ouvres illuminées se révèlent d'emblée plus narratives et plus expressives que celles de ses contemporains à l'instar de Richard Serra, Dan Flavin ou encore Sol LeWitt. Ses sculptures, toujours joyeuses, aériennes et mouvantes, explorent les effets de la lumière sur les matériaux, l'espace et l'observateur lui-même.
L'ouvre de Sonnier a fait l'objet de nombreuses expositions en France et à l'étranger dont récemment « When Attitudes Become Form » à la Fondation Prada à Venise, « Dynamo » au Grand-Palais (Paris) et « Neon - Who's afraid of red, yellow and blue ? » à la Maison Rouge (Paris) et au MACRO (Rome).
Sur environ 1 500 m², l'exposition réunit près d'une trentaine d'ouvres représentatives de la carrière de l'artiste des années 1960 à aujourd'hui, provenant de collections privées européennes et américaines, ainsi que de l'atelier de l'artiste. Chaque espace est à la fois indépendant et complémentaire ; le lien entre chacun se fait par l'intermédiaire des passerelles, également investies par l'artiste. La lumière agit comme un fil conducteur dans le parcours : le néon comme outil de calligraphie, la métamorphose totémique de la sculpture par l'intégration de l'objet ou encore les recherches sur le reflet et ses conséquences sur les éléments environnants, sont autant de pistes proposées dans l'exposition. « Light Works » est une belle manière d'illustrer 2015, déclarée Année de la lumière en France par l'Organisation internationale des Nations Unies (ONU).
Une oeuvre a été spécialement conçue pour l'exposition sur la thématique de la Promenade des Anglais, commande qui s'inscrit dans le cadre de la manifestation « PromenadeS des Anglais » coordonnée par Monsieur Jean-Jacques Aillagon, ancien Ministre de la Culture et de la Communication. Sonnier, inspiré par la cité azuréenne, réalise in situ l'ouvre Passage Azur qui se présente sous la forme d'une coupole astrale enveloppant le visiteur comme une invitation à la découverte lumineuse.

Image: Keith Sonnier, Dis-Play II, 1970.


Ingegni leonardeschi nell'arte contemporanea
GAMC Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea Lorenzo Viani
Palazzo delle Muse, piazza Mazzini 22 - Viareggio
28/6/2015 - 11/10/2015

Si inaugura domenica 28 giugno alle ore 17,00 presso la GAMC - Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea “Lorenzo Viani” di Viareggio (ingresso libero) l’esposizione di arte contemporanea Leo Ex Machina, con la partecipazione di oltre cento artisti internazionali chiamati a ideare, muovendosi tra funzionalità e immaginazione, nuove “macchine leonardesche” ispirate al mito e alla contemporaneità di Leonardo Da Vinci.
Il tema della “macchina” si è più volte intersecato con l’arte contemporanea, dai Futuristi a Duchamp, da Fluxus alla Net Art. L’iniziativa, curata dall’associazione culturale BAU di Viareggio in collaborazione con la GAMC, si inserisce in questa prospettiva, coniugando il genio leonardesco con problematiche attuali. L’esposizione coincide con la pubblicazione e presentazione in anteprima del numero Dodici della singolare rivista d’autore BAU Contenitore di Cultura Contemporanea, con art direction di Gumdesign che cura anche il progetto grafico della mostra.
In aggiunta ai lavori di BAU Dodici, Leo Ex Machina include opere a tema leonardesco di numerosi artisti storici, per la prima volta esposti in Versilia, provenienti dal Museo Ideale “Leonardo Da Vinci” di Vinci e dalla Collezione Carlo Palli di Prato. Tra questi, figurano alcuni protagonisti di primo piano della ricerca letteraria, artistica e performativa degli ultimi decenni in ambito di Poesia Visiva, Arte Concettuale, Body Art, ecc., da Joseph Beuys a Eugenio Miccini, da Hermann Nitsch a Orlan, da Nam June Paik a Stelarc. Un percorso che coniuga in modo sorprendente arte e tecnologia, visionari marchingegni e curiosità storiche.
Alcuni autori di BAU Dodici animeranno l’inaugurazione con originali performance, azioni poetiche e video proiezioni. Interverranno inoltre la dott.ssa Alessandra Belluomini Pucci (Responsabile GAMC), lo storico dell’arte Alessandro Vezzosi (direttore del Museo Ideale “Leonardo Da Vinci”), il collezionista Carlo Palli e la dott.ssa Laura Monaldi (saggista, critico d’arte e archivista della Collezione Palli).

Performance e azioni poetiche: Paolo Albani, Ingegneria fantastica | Leonardo Bossio, No Army | Antonino Bove con Ida Terracciano, La borsa di Mnemosine | Jakob De Chirico, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Pablo Picasso, figli di Leonardo da Vinci, emigrati ad Amboise | ForA, P.O.M.A. | Kiki Franceschi, Hollow Men (Omaggio a T.S. Eliot) | I Santini Del Prete, I Santini Del Prete sub machina | Roberto Rossini, Sandroing - azione estetico rituale | Giacomo Verde, Dimostrazione del Marchingegno Elettronico EPAD.

Video proiezioni: Maurizio Cesarini, The White Shadow | Glauco Di Sacco, Simmetrie infrante | Danilo Sergiampietri, Una macchina che non fa un tubo | Emiliano Zucchini, Capturing Memories.

Gli autori di BAU Dodici: Andrea Abati | Demostenes Agrafiotis | Paolo Albani | Silvia Ancillotti | Carlo Anzilotti | Fernando Andolcetti | Anna Banana & Miles Long-Alexander | Vittore Baroni | Pier Roberto Bassi | Massimo Biagi Miradario | Leonardo Bossio | Antonino Bove | Luca Brocchini | Giancarlo Cardini | Maurizio Cesarini | Carl T. Chew | Codefra (Claudio Cosma - Paolo della Bella - Aldo Frangioni) | Mario Commone | Walter Conti | Laura Correggioli | Nando Crippa | Gian Luca Cupisti | Andrea Dami | Jakob De Chirico | Adolfina De Stefani | Gabriele Dini | Glauco Di Sacco | Tamara Donati | Graziano Dovichi | Laura V.d.B. Facchini | Fernanda Fedi | Giovanni Fontana | Lorenzo Fontanelli | ForA | Franco Fossi | Kiki Franceschi | Carlo Galli | Beatrice Gallori | Delio Gennai | Massimo Giacon | Gino Gini | Andrea Granchi | Caterina Gualco | Riccardo Guarneri | Gumdesign (Laura Fiaschi, Gabriele Pardi) | Bruno Larini | Alessio Larocchi | Luigi Lazzerini | Jean-Jacques Lebel | Gianluca Lerici (Prof. Bad Trip) | Dario Longo | Alessandro Ludovico | Kasey MacMahon | Gustavo Maestre | Ruggero Maggi | Manuela Mancioppi | Guglielmo Manenti | Paolo Masi | Martina Mazzotta | Lorenzo Menguzzato (Lome) | Anastasia Mina | Laura Monaldi | Musicmaster | Susanne Neumann | Virginia Panichi | Luca Maria Patella | Cheryl Penn | Lamberto Pignotti | Guido Peruz | Alessandro Poli | Giorgio Poli | Roberto Rossini | Massimo Salvoni | Sarenco | Giandomenico Semeraro | Danilo Sergiampietri | Clarissa Spirit | Enrico Sturani | Ida Terracciano | Andrea Tich | Ptrzia (TicTac) | Vittorio Tolu | Caterina Tosoni | Sergio Traquandi | Tommaso Vassalle | Ben Vautier | Massimo Veracini | Giacomo Verde | Ben Zawalich | Emiliano Zucchini.

Museo Ideale Leonardo Da Vinci (Vinci): Marco Bagnoli | Joseph Beuys | Chen Ching-Yuan | Riccardo Dalisi | Pietro Grossi | Franco Guerzoni | Agnese Sabato e Alessandro Vezzosi | Edoardo Sanguineti e Marco Nereo Rotelli.

Collezione Carlo Palli (Prato): Anna Banana | Mirella Bentivoglio | John Giorno | Nam June Paik | Jiři Kolář | Eugenio Miccini | Larry Miller | Hermann Nitsch | Luciano Ori | Orlan | Ben Patterson | Pavel Schmidt | Daniel Spoerri | Stelarc | Ben Vautier.

Grafica: Gumdesign


Un secolo di jazz
Il Saggiatore (25 giugno 2015)
Collana: La cultura

Per Claudio Sessa raccontare "le età del jazz" è una vera e propria missione. "Improvviso singolare" amplia l'esplorazione iniziata con "Le età del jazz. I contemporanei", la prima approfondita ricognizione della sfaccettata scena dei nostri giorni. Ora Sessa ci accompagna tra le stagioni, i protagonisti, i capolavori e le innovazioni di un intero secolo di jazz. Per sua natura inclusiva e pluridimensionale, questa musica tende a sfuggire a ogni classificazione. Ma la forza e l'originalità del jazz risiedono proprio nella sua capacità di trasformazione e di sintesi: individualismo e ricerca collettiva, tradizioni e sperimentazioni, spontaneità e dimensione industriale convivono in un'arte sempre alle soglie del paradosso. Per questa duttilità il jazz rappresenta forse la metafora artistica più precisa e sofisticata della società in cui oggi siamo immersi: fondendo il pensiero musicale africano e quello europeo in terra americana, è diventato un linguaggio universale e ha modificato l'immaginario sonoro di tutto il pianeta. In questo libro Sessa rievoca i tanti sviluppi che il jazz ha vissuto nella sua storia - dallo stile New Orleans all'impetuosa scena newyorkese, dallo Swing al bebop, dal cool al free, fino alle avanguardie più recenti - aggiungendo alla ricostruzione storica e all'interpretazione critica la guida all'ascolto di quasi duecento brani emblematici di questo percorso. Prefazione di Franco D'andrea.


Estetica e fenomenologia dell'iperrealismo
Quodlibet (24 giugno 2015)
Collana: Quodlibet studio. Teoria delle arti e cultura visuale

Sembra viva! Quanto volte lo abbiamo detto o pensato, restando a bocca aperta - sorpresi o impauriti - di fronte a un'immagine talmente simile al vero da venir presa per un essere umano in carne e ossa. Quante volte ci è capitato di ingannarci, di renderci conto dell'errore e di scherzarci un po' su, senza però riuscire a mettere del tutto a tacere quel dubbio che continua a tormentarci: e se fosse viva davvero? Se quella statua tutt'a un tratto iniziasse a muoversi e a parlare? Questo libro affronta la questione dell'animazione dell'inanimato dal punto di vista dell'estetica, concentrandosi sul tema dell'iperrealismo e su un materiale particolare come la cera, da sempre impiegata per realizzare figure indistinguibili dai modelli reali. Prendendo spunto dal fatidico incontro tra un giovane Edmund Husserl, futuro padre della fenomenologia, e una misteriosa donna che lo invita a raggiungerla in cima alle scale di un museo delle cere, il volume ripercorre le sorti del sogno (o se si preferisce dell'incubo) del duplicato, del sostituto e della trasformazione di un'immagine in un corpo vivo, dal mito di Pigmalione ai cyborg, fino alle più recenti tecniche di animazione digitale. Costringendo l'osservatore a dubitare della possibilità di aggrapparsi a una pur minima differenza tra apparenza e realtà, l'iperrealismo insinua il sospetto che l'immagine non sia soltanto un'immagine, una cosa, un mero oggetto, ma che con essa in certo modo ne vada della vita stessa del modello.


Galleria d'arte il Basilisco
piazza della Maddalena 7 - Genova
19/6/2015 - 22/7/2015

Echi degli antichi carnets des voyages cui gli esploratori del passato affidavano i propri racconti nei 30 acquerelli di Angelo Ibba, ispirati al tema del viaggio, e nella sua nuova collezione di francobolli in esposizione da venerdì 19 giugno alla Galleria d’arte Il Basilisco di piazza della Maddalena 7. Alle ore 18.30, infatti, inaugurerà Geografie improbabili, la sua personale, che si protrarrà fino al 22 luglio.
Appunti di viaggio, impressioni e ricette, raccontati per immagini, attraverso improbabili documenti, scatole di fiammiferi che si aprono come scrigni, passaporti venuti da tempi e mondi lontani che ci trasportano in spazi immaginari restituendoci il sapore delle avventure vissute da bambini. Per l’occasione un itinerario nel mondo dei viaggi coinvolgerà anche L’Amico ritrovato, la libreria indipendente di Via Luccoli.
Viaggi e miraggi attraverso l’universo di questo artista - cartografo dell’immaginario - e nel suo fantastico mondo capovolto. “Egli emette francobolli unici e quindi rarissimi. Traccia le forme del suo universo disegnandone i planisferi, i porti, gli skyline delle citta, le navi che collegano, come un cartografo dei tempi eroici delle scoperte geografiche.” FRANCESCO LANGELLA
Dopo alcuni anni, la galleria d’arte Il Basilisco, dedica nuovamente una personale ad Angelo Ibba, dove l'artista genovese esplora ancora una volta il suo mondo unico e magico per farcene dono. Le sue Geografie improbabili sono mosse dall'avventura, quella con cui tutti abbiamo un legame, in bilico tra mappe del tesoro e compiti a casa, carnet di viaggio e atlanti illustrati. Tutto questo scaturisce, ancora una volta, da sapienti mani "artigiane" capaci di trasformare l'artigianato in maestria. Maître assoluto del suo universo, Angelo Ibba si lancia alla scoperta del mondo, restituendoci le emozioni dei grandi esploratori del passato. I suoi acquerelli e i collage evocano le impressioni visive e le suggestioni affidate ai taccuini di viaggio dai giovani artisti e aristocratici impegnati nel Grand Tour e, soprattutto, quel mondo fantastico cui Jules Verne ha dedicato i suoi viaggi straordinari.
Per tutta la durata della mostra sarà anche disponibile una nuova serie di canovacci, a tiratura limitata, su disegno originale dell’artista.

Angelo Ibba è nato a Genova, dove abita e lavora. Ha realizzato diverse illustrazioni per periodici, copertine di libri e manuali scolastici e ha collaborato con Maxilienl (Edifa Junesse), rivista francese per ragazzi. Dal 1995 partecipa come illustratore alle edizioni Klutz di Palo Alto. Insieme a Omar Aluan ha realizzato il volume “Oltre l’Orizzonte” (Fatatrac, 2002), ottenendo il Premio Nazionale di Letteratura per Ragazzi (Belle, 2003). Dal 1990 partecipa a collettive in giro per la Liguria e l’Italia. Le sue personali: Saluti da… (Genova, 1998); Itinerari di Carta (Genova, 2003) e Appunti (Genova, 2009).


Museo de Bellas Artes de Bilbao
Museo Plaza 2 - Bilbao
09.06.2015 - 14.09.2015

William Tucker (El Cairo, 1935) fue uno de los pioneros en Europa del movimiento minimal y actualmente es uno de los escultores más reconocidos internacionalmente. Su obra presenta una vuelta a la escultura figurativa desde una interpretación personal basada en la simplicidad orgánica e interesada por cuestiones de masa y escala. Ha desarrollado también una importante labor docente en el campo de la historia del arte y en 1974 publicó The language of sculpture, que ha quedado como un manual de referencia en los estudios sobre escultura contemporánea.
Instituciones relevantes como la Whitechapel Gallery (1965), la Tate Gallery (1971 y 1987), la Serpentine Gallery (1973), el Arts Council of Great Britain (1973) o la Tate Liverpool (2001) han presentado exposiciones dedicadas a Tucker. En 2010 recibió el prestigioso premio Lifetime Achievement otorgado por el International Sculpture Center.
Esta exposición, la primera de Tucker que se organiza en nuestro país, reúne con el patrocinio de BBK más de cien piezas fechadas entre mediados de la década de los ochenta y comienzos de este siglo, seleccionadas por el catedrático Kosme de Barañano, comisario de la muestra: 12 esculturas de gran tamaño, 12 de tamaño medio y 24 maquetas para sus grandes piezas en espacios abiertos que contextualizan temáticamente toda su producción. Además, se muestran 57 grandes dibujos realizados también a lo largo de los últimos treinta años de su carrera artística que ayudarán a comprender el proceso creativo de sus piezas. Tucker tiene presencia en la escultura pública de Bilbao con el bronce de 3,5 toneladas de peso y 3 metros de altura titulado Maia (1997), situado desde 2002 en el paseo de Abandoibarra.
A pesar de la aparente abstracción de sus obras, Tucker repasa los temas clásicos de la mitología y de la historia del arte –cabezas humanas o animales, torsos, pies…– y culmina una visión que enfatiza la energía de la materia escultórica, en una secuencia emprendida por otros escultores del siglo XX como Auguste Rodin (París, 1840-Meudon, 1917) o Medardo Rosso (Turín, 1858-Milán, 1928).

William Tucker
De padres británicos, William Tucker nace en El Cairo en 1935, pero con dos años se traslada a Inglaterra. Estudia Historia en la Universidad de Oxford entre 1955 y 1958, y tras ver en Londres en 1957 la exposición Sculpture 1850 to 1950 decide seguir su vocación de escultor.
En años siguientes cursa estudios de Bellas Artes en la St. Martin's School of Art, también en Londres, en donde tiene como profesores a los influyentes escultures Eduardo Paolozzi y Anthony Caro. En 1961 recibe la prestigiosa beca Lord Sainsbury Scholarship y en 1965 la Peter Stuyvesant Travel Bursary. Años más tarde ejerce la docencia en St. Martin's y en el Goldsmiths College de Londres y en 1968 es elegido Gregory Fellow in Sculpture en la Universidad de Leeds, donde comienza a impartir una serie de conferencias sobre escultura que más tarde serán recopiladas en el libro The language of sculpture (1974).
En 1972 Tucker representa a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia con esculturas abstractas, que son como grandes trazos de metal, con las que expresa su rechazo a los valores narrativos de la escultura figurativa y comienza a interrogarse sobre la esencia misma de la escultura.
Al año siguiente es el primer artista que expone de forma individual en la Serpentine Gallery de Londres, creada poco antes como kunsthalle para el arte contemporáneo por el Arts Council of Great Britain, institución que en 1975 le encarga el comisariado de la muestra The Condition of Sculpture, en la Hayward Gallery de Londres. Para esta exposición Tucker seleccionó obras de escultores que, en sintonía con sus propios intereses artísticos, primaban lo geométrico sobre lo orgánico y usaban nuevos materiales industriales, como la fibra de vidrio o el plástico, ajenos a los clásicos de esta disciplina.
En 1978 se instala en Nueva York para ejercer la docencia en la Universidad de Columbia, donde permanece hasta 1982, y en la New York Studio School. En 1981 recibe la beca Guggenheim Fellowship for Sculpture y se adentra en un nuevo campo de realización de la escultura, basado en los principios originarios de este arte: la verticalidad y el modelado. Tucker, que había sido uno de los pioneros del movimiento minimal en Gran Bretaña, representa en este momento la vuelta a la escultura figurativa con una visión propia que simplifica volúmenes de cualidades orgánicas. En 1986 obtiene la nacionalidad americana y recibe una beca del National Endowment for the Arts.
En 2010, el International Sculpture Center de Estados Unidos le otorgó el prestigioso premio Lifetime Achievement. En la actualidad se pueden encontrar esculturas de Tucker en las colecciones más importantes del mundo, como las de la Tate Gallery de Londres, el Guggenheim y el MoMA de Nueva York, el Nasher Sculpture Center de Dallas, el Museum of Fine Arts de Houston y la Art Gallery of New South Wales de Sydney, entre otras.

La exposición
Esta exposición presenta un recorrido, que no sigue un orden estrictamente cronológico, por los últimos treinta años del trabajo de Tucker, desde 1985 hasta el presente. Reúne esculturas y dibujos para mostrar al espectador dos formas de abordar el modelado y de expresar el sentido escultórico de toda superficie. Es la primera retrospectiva del artista en nuestro país y la primera vez que se exponen tantos dibujos junto a sus esculturas, precisamente para que el espectador pueda comprender mejor las claves intelectuales y formales de la obra de Tucker.
No es la primera vez, sin embargo, que la obra de Tucker se expone en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Participó ya en 1962, junto a la de artistas como Anthony Caro, John Latham, Brian Wall y Philipp King, en una muestra organizada por el Arts Council of Great Britain titulada Joven escultura inglesa. En aquel momento Tucker exploraba las posibilidades de la fibra de vidrio y daba prioridad a la línea sobre la masa, a la geometría sobre lo orgánico. Pero a partir de comienzos de la década de los ochenta, y después de haberse consolidado como uno de los minimalistas de la New British Generation, comienza a interesarse por el volumen, por la masa sólida, y por el modelado a mano del yeso con el fin de explorar formas vitales fragmentarias: cabezas de hombres o caballos, manos, pies, danzantes o torsos.
Es precisamente esa etapa la que muestra esta exposición titulada Tucker. Masa y figura, que recoge el interés primordial del escultor por el volumen, es decir, la vuelta a una escultura figurativa que hunde sus raíces en el arte prehistórico, a la que Tucker aporta una nueva visión simplificando las formas para buscar su esencia.
La muestra comienza con tres grandes piezas de hace una década entre las que se incluye The Cave (2005) –situada en la Gran Vía de Bilbao, junto a la sede de BBK–, con una clara referencia a la novela La caverna de José Saramago, protagonizada por un alfarero.
Ya en el museo, Night (2004), que evoca La Noche de Miguel Ángel en la capilla de los Médicis de la basílica de San Lorenzo, en Florencia; y The Void (2005), relacionada con la obra de Giacometti Manos sosteniendo el vacío. Son bronces de manos que, como torsos, constituyen un fragmento de la anatomía humana en obra autónoma. Se relacionan estrechamente con la historia de la escultura occidental y con creaciones emblemáticas de Miguel Ángel o Auguste Rodin. Como fondo de esta primera visión aparece el bronce Ouranos de 1985.
El recorrido continúa con la cabeza Homage to Rodin (Bibi) (1999), tema que repite a mayor escala en piezas como The Hero at Evening (2000) o Emperor (2002). Varias de estas cabezas aumentadas y fundidas en bronce o realizadas en hormigón se han convertido en monumentos para espacios públicos.
Tras este primer acercamiento a manos y cabezas se crea una cesura temporal que conduce a tres masas verticales colocadas sin peana sobre el suelo y que representan las fuerzas telúricas que simbolizan la vida y la muerte. Son las tres obras de 1985 con denominaciones de dioses clásicos: Tethys, Kronos y Rhea. Tucker usa nombres extraídos de la mitología griega para definir estas formas primordiales antes de que el mito las hubiera caracterizado con atributos determinados para definir fuerzas generales como el océano, el tiempo o la tierra.
Más adelante se han colocado tres grandes piezas muy recientes que aún no han sido fundidas en bronce. Son tres yesos con diferente textura y coloratura: Chimera (2008), inspirada en un yeso de Brancusi, Odalisque (2008) y Day (2012). La visión de estas tres esculturas de taller puede ofrecer al espectador pistas sobre la manera de trabajar de Tucker, la dificultad de modelar a gran escala y el reto posterior de fundir estas piezas.
Siguiendo la secuencia temporal se presentan cuatro cabezas de 1998 –Our Leader, Good Soldier, Persecutor y Sleeping Musician–, diversas cabezas de caballo de 1986 tituladas genéricamente Horse, así como tres modelos para Boston –Greek Horse, Chinese Horse y Day– de apenas 10 centímetros, que sirven para analizar el sentido de la escala del artista.
Continúa la muestra con la maqueta de Maia, fechada en 1997, escultura que realizó para el paseo de Abandoibarra de Bilbao ese mismo año, y que representa un torso femenino que surge de la tierra, densa y primitiva, para evocar la potencial fecundidad, idea presente también en Eve (1991) o en Demeter (1998). Finalmente, se han instalado dos peanas con maquetas de trabajo empleadas por el artista entre 1991 y 2011.
En todo el recorrido se exhiben grandes dibujos a lápiz, carboncillo, tinta o tiza negra, y monotipos (estampas producidas de manera única) que sirven a Tucker como investigación paralela a su escultura. El artista dibuja de pie frente a un papel clavado a la pared, lo que da un resultado similar al de un relieve frontal en el que se recoge la energía de su creador.
En todas estas obras Tucker, siguiendo un camino que inició Rodin, huye de la escultura que tiene como fin monumentalizar la figura humana y hacer de la representación de un tema su razón de ser. Su obra, además, supone un repaso a la historia de la mitología y a los temas de la historia del arte. Las esculturas de Tucker son volúmenes enigmáticos que el espectador tiene que desvelar a partir de indicios más o menos reconocibles o del conocimiento de referencias literarias o a la historia del arte.
Son presencias físicas, masas en las que el modelado en yeso o arcilla de las manos del escultor traza gestos incompletos que conforman una superficie con la ambigüedad deliberada del non finito. Todas parecen abstractas, aunque una mirada más atenta revela que son cabezas, torsos o manos con una cualidad monumental y un perfil cambiante que obligan al espectador a moverse a su alrededor y relacionarse no sólo visualmente sino también corporalmente con ellas. Como resume Kosme de Barañano en unas líneas del ensayo que ha escrito para el catálogo de la exposición, las esculturas de William Tucker "son masas primordiales al borde de la figuración, como grandes meteoritos caídos sobre la tierra".


a cura di Alessandro Schiavetti
Fondazione Hermann Geiger
piazza Guerrazzi 32 - Cecina
27/6/2015 - 20/9/2015

Jean Tinguely, uno dei più grandi e influenti maestri dell’arte del Novecento, torna in Italia con una mostra a lui dedicata, promossa e realizzata dalla Fondazione Culturale Hermann Geiger di Cecina (LI) con il patrocinio dall’Ambasciata di Svizzera in Italia, dal 27 giugno al 20 settembre.
La mostra Jean Tinguely. I Filosofi, curata da Alessandro Schiavetti, espone nove sculture cinetiche realizzate da Tinguely nel 1988. Queste opere sono un omaggio ai pensatori che hanno formato e rivoluzionato il pensiero politico dell’artista spingendolo ad abbandonare il marxismo degli anni giovanili. Le sculture Martin Heidegger, Henri Bergson, Jacob Burckhardt, Friedrich Engels, Pjotr Kropotkin, Wedekind, Ludwig Wittgenstein, Jean-Jacques Rousseau e Wackernagel provengono dal Museum Tinguely di Basilea, prestigiosa istituzione inaugurata nel 1996 e interamente dedicata all’artista svizzero.
In mostra saranno esposte anche cinque coloratissime sedie in legno, vetro colorato e pietre, realizzate da Niki de Saint Phalle, che fu moglie, collaboratrice e fonte d’ispirazione di Tinguely.

Jean Tinguely (Friburgo, 1925 – Berna, 1991) trascorse gli anni giovanili e completò la sua formazione artistica a Basilea, città alla quale rimase sempre legato. Si trasferì a Parigi nel 1953, dove cominciò a realizzare opere cinetiche sperimentali: sculture in filo di ferro saldato attivate da manovelle o rilievi di forme geometriche in movimento mosse da motori elettrici, che l’artista chiamò “méta-mécaniques” e che espose nelle gallerie d’avanguardia della Parigi degli anni Cinquanta come Arnaud, Denise René e Iris Clert. Realizzò rilievi sonori, dove grande attenzione era rivolta al rumore prodotto dai meccanismi in movimento, e i “méta-matics”, macchine in grado di creare dipinti e disegni. L’attenzione rivolta al movimento lo avvicinò alla produzione degli artisti cinetici come Vasarely, Calder, Soto e Munari. L’impiego di materiali meccanici, di scarto o di derivazione industriale, e l’urgenza anarchica di mettere in discussione il dominio delle macchine e della tecnologia lo legarono alla poetica del Nouveau Réalisme.
Le macchine di Tinguely diventarono complessi meccanismi costituiti da ruote, parti meccaniche e cinghie che movimentavano rottami di ferro e, all’occorrenza, qualsiasi altro materiale di recupero. Con originalità assoluta fu anche uno dei primi artisti a inserire nei propri lavori nuove sostanze “non materiali” o indefinite (suono, luce, odore, fumo, fuoco ed esplosioni), con l’obiettivo di rappresentare anche l’immateriale dell’arte, vicino in questo alla poetica dell’amico Yves Klein.
Alcune sue sculture raggiunsero complessità e dimensioni impressionanti, come Eurêka (1964) che supera i 10 m di lunghezza e gli 8 m di altezza, o il rilievo Méta-Harmonie IV – Fatamorgana (1985) lungo oltre 12 m. Progetti spettacolari sono state le sue sculture autodistruttrici, come Homage to New York (1960), Étude pour une fin du monde n. 2 (Las Vegas, 1962) o La Vittoria (Milano, 1970).
Il 13 luglio 1971 Tinguely sposò l’artista francese Niki de Saint Phalle (Neuilly-sur-Seine, 1930 – La Jolla, 2002): negli anni la coppia collaborò a diversi progetti come Hon-Elle per il Moderna Museet di Stoccolma, Le Paradis fantastique per il padiglione francese all’Esposizione universale di Montréal del 1967, Le Cyclop di Milly-la-Forêt, la fontana Stravinskij presso il Centre George Pompidou a Parigi; per la moglie, Tinguely ha curato anche gli aspetti tecnici del Giardino dei Tarocchi di Capalbio, in Toscana.

La serie in mostra alla Fondazione Geiger è stata presentata per la prima volta in occasione della grande retrospettiva dedicata all’artista organizzata al Centre Georges Pompidou di Parigi dal dicembre 1988 al marzo 1989. Tinguely impose l’ingresso gratuito per i bambini, che riteneva fossero il pubblico ideale per le sue opere, libere, immediate, divertenti, dissacranti. Fuori dalla mostra, presentò una ventina di lavori recenti, che potevano essere visti anche senza acquistare il biglietto: tra queste opere figuravano anche alcuni dei Filosofi appena realizzati. I ritratti dei Filosofi giocano con le convenzioni, non celebrano i pensatori mitizzandone l’immagine come in un monumento, ma traspongono attraverso l’assemblaggio di rottami in movimento l’idea della loro filosofia così come Tinguely l’ha intesa.
La mostra Jean Tinguely. I Filosofi avrà carattere interattivo e sarà possibile attivare le varie macchine, per cogliere la complessità e l’originalità dei movimenti e percepire la suggestione dei suoni prodotti. La ricerca attorno al movimento infatti è stata il segno caratterizzante la produzione artistica di Tinguely fin dagli anni giovanili: “Tutto si muove. L’immobilità non esiste… Non fate resistenza alle metamorfosi. Vivete nel tempo” scrisse nel manifesto Per la statica (Düsseldorf, 1959).

Immagine: Invito

venerdì 26 giugno 2015


Essai sur l'oeuvre d'André Malraux au cinéma
Editions Hermann (22 avril 2015)

Dans cette histoire que littérature et cinéma ont longtemps partagée (en France plus qu'ailleurs), l'oeuvre de Malraux fait figure à la fois de comble et d'hapax. Sa filmographie n'égale pas celles de Guitry, de Cocteau ou de Duras, mais le réalisateur de Sierra de Teruel a pour lui d'avoir exploré toutes les dimensions du 7e art : l'essai théorique (en particulier touchant l'adaptation), les ressorts d'une politique cinématographique et audiovisuelle, l'invention de «scénarios dans un fauteuil» rédigés sans perspective de réalisation, ou encore le genre du film d'art qu'il défendit en contribuant aux documentaires tirés de ses propres essais... A ce titre. Malraux est un auteur total. Cet essai s'attache à examiner chacun de ces plans, à en observer les croisements opérés entre le temps des oeuvres littéraires et le temps des films, à proposer, autrement dit, une entrelecture propre à renouveler l'image que nous nous faisons de ce domaine d'étude aujourd'hui délaissé.


Une histoire des scénarios non réalisés de La Condition humaine
Seuil (19 février 2015)

Les projets de films restés irréalisés sont-ils voués à ne subsister qu'à titre d'anecdotes dans les biographies des réalisateurs ? Le premier, ce livre s'intéresse à des oeuvres cinématographiques qui n'ont existé que sous forme de scénarios. Ceux auxquels a donné naissance La Condition humaine sont des cas exceptionnels. En raison du texte concerné (dont on a loué les qualités cinématographiques), mais surtout par le nombre de tentatives accumulées et le prestige des scénaristes et réalisateurs engagés : Malraux lui-même, en collaboration avec Eisenstein, James Agee, Han Suyin et Fred Zinnemann, Laurence Hauben et Costa-Gavras ou encore Michaël Cimino. L'étude de ces adaptations ne se réduit pas ici à la confrontation entre un texte-source et le film qui en est tiré. Elle s'attache à montrer l'incroyable quotient d'"adaptabilité" que recèle un roman comme La Condition humaine, c'est-à-dire son aptitude à engendrer sans cesse de nouveaux possibles scénaristiques. A la croisée de l'histoire littéraire et cinématographique, de la poétique des oeuvres et de la critique génétique, cette étude, où un récit allègre s'entrelace à l'analyse théorique, montre que des scénarios "désoeuvrés" peuvent retrouver la valeur potentielle qui était la leur à un stade ou à un autre d'un processus d'adaptation resté inabouti.


L'immaginario del mare tra meraviglia e paura
Mu.Ma Galata Museo del Mare
calata De Mari 1 (Darsena, Porto Antico) - Genova
26/6/2015 - 8/1/2016

Dal 27 giugno 2015 all'8 gennaio 2016, lungo il percorso espositivo del Galata Museo del Mare, è allestita la mostra "Mare Monstrum. L'immaginario del mare tra meraviglia e paura". La mostra è inclusa nel biglietto d'ingresso del Museo ed è visitabile tutti i giorni dalle 10 alle 19.30 (ultimo ingresso ore 18).
Il progetto, promosso dal Mu.MA e curato da Franca Acerenza, Federico Boni, Pierangelo Campodonico, Giancarlo Costa, Paola Marelli, Elio Micco e Valeria Salaris, tratta i vari aspetti mostruosi del mare grazie agli apporti e alla collaborazione di Biblioteche e Musei genovesi in qualità di prestatori di opere, libri e reperti.
La mostra è allestita tra il 1° e il 2° piano del Galata e si articola in tre aree tematiche: l'orrore nel mare (tutto ciò che di mostruoso abita il mare); l'orrore del mare (il mare stesso come elemento pericoloso e terrificante); l'orrore dal mare (le meraviglie e gli orrori che vengono dal mare). Sviluppata in sei sale, Mare Monstrum esplora l'orrore e la meraviglia legati all'ambiente del mare così come sono stati immaginati e rappresentati in diverse epoche, culture e società.
Il percorso guida i visitatori attraverso un viaggio nell'affascinante e il misterioso, tra meraviglia e terrore, incanto e orrore; un itinerario che si snoda tra creature degli abissi e navi fantasma, resoconti di viaggi nell'ignoto, gorghi paurosi e oceani spettrali, tecnologie per la navigazione infestate dai fantasmi, onde digitali solcate dai nuovi pirati informatici, finte sirene esibite nei circhi e nei freak shows, mummie maledette, per arrivare ai fantasmi degli schiavi e alle orde dei morti viventi.
Il tutto visto e osservato attraverso le lenti spesso deformanti della cultura "alta" e di quella "pop", delle arti e della letteratura, del cinema e dei fumetti, in un caleidoscopio dove a capolavori dell'arte e dell'artigianato si affiancano oggetti della nostra vita quotidiana.

giovedì 25 giugno 2015


Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri
Ex Seccatoi del Tabacco e Palazzo Vitelli a Sant'Egidio - Città di Castello
Convegno Internazionale venerdì 26 - sabato 27 giugno 2015
Esposizione sabato 27 giugno - domenica 18 ottobre 2015

La Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri di Città di Castello per il Centenario della nascita del Maestro Alberto Burri organizza una serie di manifestazioni artistiche e culturali. Tra esse, curata direttamente dal Presidente Bruno Corà, l’evento Au rendez-vous des amis, un Convegno Internazionale -Esposizione che vede la partecipazione diretta di artisti attivi in Europa sui grandi temi dell’arte contemporanea, quali il sacro, il mercato, la questione etica, i mezzi di comunicazione, la natura, la scienza, i nuovi scenari dei contesti sociali, la storia, il museo, ecc.), e contemporaneamente una mostra esemplare del lavoro degli stessi artisti invitati.

Au rendez-vous des amis è fissato per il 26 e 27 giugno 2015 e vede la partecipazione esclusiva di nove direttori di musei o istituzioni internazionali di arte contemporanea in Europa e di sessantatre artisti. Il titolo è ispirato al dipinto di Max Ernst del 1922 (Museum Ludwig, Koeln) e fa seguito al primo incontro-mostra, con il medesimo titolo e dedicato solo agli artisti attivi in Italia, avvenuto al Centro per l'Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato nel 1998, a cura dello stesso Bruno Corà.
Il Convegno-Mostra Internazionale Au rendez-vous des amis prevede, nel primo giorno, la formazione di 9 tavoli di discussione con uno studioso di arte contemporanea che coordinerà e modererà la discussione tra gli artisti. Nel secondo giorno, in assise plenaria, i nove ‘coordinatori scientifici’ relazioneranno sinteticamente sulla discussione avvenuta il giorno precedente e sulle possibili conclusioni raggiunte in ogni tavolo. In questa circostanza è previsto un ulteriore dibattito da parte di tutti i convenuti. La mostra delle opere degli artisti partecipanti sarà allestita negli ambienti del rinascimentale Palazzo Vitelli a Sant’Egidio di Città di Castello e inaugurata alla conclusione dei lavori del Convegno Internazionale, per rimanere aperta fino al 18 ottobre 2015.
Au rendez-vous des amis vuole essere un primo confronto europeo delle opinioni di artisti internazionali su alcuni temi centrali dell’arte odierna. Con esso si vuole sottolineare l’attitudine degli artisti, in differenti epoche come documentato da quadri e fotografie, a incontrarsi per discutere e confrontarsi anche con la parola oltreché con le opere. Con questa iniziativa si vuole rinnovare tale attitudine in un momento in cui numerosi problemi investono l’individualità artistica e il dibattito sembra demandato solo a mezzi virtuali.
Saranno presenti i direttori: Gabriella Belli (Fondazione Musei Civici di Venezia, Italia), Laurent Busine (Musée des Arts Contemporains de Grand-Hornu, Belgio), Jean De Loisy (Palais de Tokyo, Paris, Francia), Rudi Fuchs (già Stedelijk Museum Amsterdam, Olanda), Enver Hadžiomerspahić (Ars Aevi Museum of Contemporary Art, Sarajevo, Bosnia-Herzegovina), Lorand Hegyi (Musée d'art Moderne de Saint-Etienne, Francia), Magdalena Juříková (Galerie hlavniho mesta Prahy, Praga, Repubblica Ceca), Werner Meyer (Kunsthalle Göppingen, Germania), Denys Zacharopoulos (Macedonian Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, Grecia).
Saranno presenti gli artisti: Marco Bagnoli, Stephan Balkenhol, Gianfranco Baruchello, Bizhan Bassiri, Jean-Pierre Bertrand, Gianni Caravaggio, Lawrence Carroll, Enrico Castellani, Giuliana Cunèaz, Richard Deacon, Silvie Defraoui, Auke de Vries, Antonio Dias, Braco Dimitrijević, Bruna Esposito, Marco Gastini, Eugenio Giliberti, Giorgio Griffa, Jusuf Hadžifejzović, Abel Herrero, Shirazeh Houshiary, Paolo Icaro, Emilio Isgrò, Jan Jedlička, Magdalena Jetelová, Joseph Kosuth, Jannis Kounellis, Christiane Löhr, Sergio Lombardo, Luigi Mainolfi, Masbedo, Eliseo Mattiacci, Vittorio Messina, Maurizio Mochetti, Carmengloria Morales, Hidetoshi Nagasawa, Hermann Nitsch, Nunzio, Mimmo Paladino, Nakis Panayotidis, Claudio Parmiggiani, Paola Pezzi, Michelangelo Pistoletto, Lucio Pozzi, Luisa Protti, Renato Ranaldi, Franco Rasma, Giovanni Rizzoli, Bernhard Rüdiger, Remo Salvadori, Felix Schramm, Helmut Schweizer, Martin Schwenk, Anita Sieff, Santiago Sierra, Nedko Solakov, Giuseppe Spagnulo, Ettore Spalletti, Giuseppe Stampone, Marco Tirelli, Grazia Toderi, Costas Tsoclis, Alexandros Tzannis, Felice Varini, Eduard Winklhofer, Gilberto Zorio.
Il pubblico può iscriversi ai lavori del Convegno Internazionale on-line e potrà assistere ai lavori dei tavoli di discussione. E’ prevista la traduzione simultanea in due lingue. Gli atti integrali del Convegno Internazionale saranno pubblicati congiuntamente al catalogo dell’Esposizione Au rendez-vous des amis e presentati nel mese di ottobre 2015.

La mostra Au rendez-vous des amis sarà allestita a Palazzo Vitelli a Sant’Egidio a Città di Castello e la preview alla stampa e ai partecipanti al Convegno Internazionale è prevista per la sera di venerdì 26 giugno. L'apertura ufficiale è prevista per la sera di sabato 27 giugno e la chiusura avverrà il 18 ottobre 2015.

Immagine: Au rendez-vous des amis


Subculture in Germany in the 1980s
curated by Mathilde Weh
Haus der Kunst
Prinzregentenstraße 1 - Munich
26.06.2015 - 11.10.15

Geniale Dilletanten" [Genial Dilletantes], the deliberately misspelled title of the concert held in Berlin's Tempodrom in 1981, has become a synonym for a brief era of artistic upheaval in Germany. The intense cultural activity of this period developed particularly in and around art schools and was marked by cross-genre experimentation and the use of new electronic equipment; musical craftsmanship was frequently spurned. The emergence of new record labels, magazines, galleries and clubs, as well as the plethora of independently produced records, tapes and concerts, illustrate the growth of self-organisation and the do-it-yourself spirit of this period. By adopting German rather than English as the language for song lyrics and band names, the protagonists of this new scene set themselves apart from the mainstream, giving credence to the movement's claim to be representing a radical new departure. Its vociferous protest and targeted provocation also brought Germany's alternative artistic scene international acclaim and recognition.
To illustrate the extraordinary innovative spectrum of this subculture the exhibition presents the work of seven bands, in addition to various artists, filmmakers and designers from the most stimulating cities and regions in West and East Germany. The bands profiled in the show include the "Einstürzende Neubauten" [Collapsing New Buildings], a project that explored the boundaries between music and noise using instruments made from scrap metal and everyday objects; "Die Tödliche Doris" [The Deadly Doris], which experimented with various artistic forms such as music, film, photography, object art and painting; "Der Plan" [The Plan], which emerged from an art gallery and performed in surreal costumes, singing ironic, sarcastic lyrics; and the band "Freiwillige Selbstkontrolle (F.S.K)" [Voluntary Self-Control], founded by contributors to the underground magazine "Mode & Verzweiflung" [Fashion & Despair], which focused in particular on moments of cultural disparity and rejected the idea of authenticity. One of F.S.K.'s best-known slogans was "Disco today, revolution tomorrow, an outing to the country the day after tomorrow. This is what we call voluntary self-control" (1980). Also included in the exhibition is the band "Palais Schaumburg" [Schaumburg Palace], whose music gained its particular character from the combination of synthesizers and sampling devices accompanied by trumpet and bizarre, atonally recited vocals. In addition, in defiance of difficult circumstances, various East Berlin artists and musicians were engaged in the avant-garde band project "Ornament und Verbrechen" [Ornament and Crime], which was influenced by jazz, industrial and electronic music. Finally, the West German duo "Deutsch Amerikanische Freundschaft (D.A.F.)" [German-American Friendship] combined provocative texts with hard drumbeats, coupled with synthesizer sounds and a stage show caught between ecstatic frenzy and tumult.
The extensive exhibition presents the protagonists and venues of artistic milieus in different German cities, offering insight into a broad variety of networks as well as exploring simultaneous developments in art, film, fashion and design. Incorporating an interview film produced especially for the exhibition, a rich array of video and photographic material, audio samples, magazines, posters and other artefacts documenting the scene, this most comprehensive presentation to date of German subculture in the 1980s will also be accompanied by a wide-ranging programme of events that includes concerts and symposia.
The films shown in the exhibition were made by Yana Yo, Helge Leiberg, Brigitte Bühler & Dieter Hormel, Norbert Meissner, Christoph Doering, Ramona Welsh, Reinhard Bock, and Knut Hoffmeister.

"Genial Dilletanten" was conceived as a Goethe-Institut touring exhibition and has been considerably expanded for its presentation at the Haus der Kunst. The exhibition has been curated by Mathilde Weh, deputy director of the department of visual arts at the Goethe-Institut.

Image: Gudrun Gut, Bettina Köster, Beate Bartel, Berlin, 1980, photo Wolfgang Burat


Prefazione di Enzo Restagno
Archinto (18 giugno 2015)
Collana: Lettere

Questa selezione delle lettere del poeta praghese documenta gli esordi della relazione con Merline fino al compimento del suo capolavoro della maturità: le "Elegie duinesi". Lo stato passionale che insorge dopo l'incontro con Mme Klossowski contrasta con la passività che Rilke cerca in quegli anni; ma egli sceglie di associare l'amica alla personale ricerca di uno "spazio interiore" capace di aprirlo agli "influssi" delle forze che parlano attraverso di lui senza appartenergli. Merline diviene così la compagna di quell'avventura iniziata al castello di Berg e conclusasi nella torre di Muzot dove, con violenza pressoché distruttiva, quegli stessi "influssi" porteranno alla conclusione delle grandi "Elegie".  


Castelvecchi (10 giugno 2015)
Collana: Ritratti

Henry S. Salt, raffinato biografo inglese guidato da un profondo animo thoreauviano, concepì quest'opera sulla vita di Thoreau a pochi anni dalla morte del grande poeta-naturalista, quando ancora la popolarità dell'autore di Walden non aveva varcato i confini che separavano la sua Concord, Massachusetts, dal resto del pianeta. E se oggi Thoreau può essere giustamente considerato una delle figure più importanti e rappresentative del pensiero americano dell'Ottocento, lo si deve anche a Salt e a questo libro, puntuale raffigurazione di uno spirito libero, fervente antischiavista, trascendentalista critico, animalista e vegetariano nell'accezione primitiva eppure modernissima dei termini. Salt ricostruisce ogni aspetto della vita terrena di Thoreau - ambiente, famiglia, isolamento, dubbi, esperimenti, insuccessi e fortune - difendendolo dalle ingiuste accuse di molti contemporanei e allo stesso tempo non mancando di evidenziarne difetti e debolezze. Un ritratto di un'onestà rara e lucida, talmente lucida da azzardare la previsione - impensabile nel 1896 - che "il genio di Thoreau finirà per essere considerato almeno pari a quello di Emerson".