RUINS IN REVERSE - TATE MODERN

RUINS IN REVERSE
curated by Flavia Frigeri and Sharon Lerner
Tate Modern
Project Space - Level 1
Millbank - London
1 March–24 June 2013

Ruins in Reverse is the result of a curatorial collaboration between Tate Modern in London and the Museo de Arte de Lima – MALI in Peru. The exhibition questions the distinction between historical monuments and abandoned urban ruins. Presented in Tate Modern’s Project Space, it brings together works by six international artists: Rä di Martino, Pablo Hare, José Carlos Martinat, Haroon Mirza, Eliana Otta and Amalia Pica.
Borrowing its title from an idea found in Robert Smithson’s 1967 essay A Tour of the Monuments of Passaic, Ruins in Reverse draws attention to a subtly nuanced contemporary archaeology in which the tenuous line between reality and fiction is blurred. Tangible historical monuments are overwhelmed by the fictions they promote, while ordinary objects and signs gain a significance that makes them monumental.
Jose Carlos Martinat will create two special commissions for Ruins in Reverse, which will explore the idea of the discarded urban ruin and the signs and graffiti of London and Lima. The first commission will be on display at Tate Modern, consisting of assembled resin skins peeled from Lima’s city walls, while the second commission will take place in Lima with new material drawing on his London experience.
In her series of photographs No More Stars (Star Wars) 2010, Rä di Martino’s plays the part of an archaeologist uncovering the contemporary detritus of the cinematic industry. She photographs the abandoned Star Wars movie sets in the deserts of North Africa, which now appear like a strange archaeological site or an unofficial monument to Hollywood’s glorious past. Capturing these once emblematic backdrops, her images reveal how they have become part of the landscape after years of being buffeted by sand and the elements.
The works on display include Pablo Hare’s Monuments series 2005–2012, a sequence of photographs documenting the proliferation of new public statuary in Peru. Intended to embody the spirit of a place, these statues often fail to relate to their surroundings, such as a giant dinosaur on a remote hillside. Amalia Pica’s video work On Education 2008 also addresses public monuments in her work, by confronting the ubiquity of equestrian statuary through the lens of Jean Jacques Rousseau’s treatise An Education.
Eliana Otta’s Archaeology as Fiction 2010 presents a survey of the decline of the Peruvian record industry since its 1960s and 70s heyday, and the concurrent construction boom taking place in Lima. Her work uses photographs, vinyl records, cassettes and CDs to explore this urban transformation. Haroon Mirza addresses similar issues through his sound installation Cross section of a revolution 2011. This work combines tangible fragments of technological waste, such as record turntables and computer keyboards, with intangible fragments of the fast-paced, ever-changing Internet era.

Image: Rä di Martino, No More Stars (Star Wars) 33°59’39 N 7°50’34 E Chot El-Gharsa, Tunisia 03 September 2010, © the artist and Monitor, Rome  

SCOTT BERG: MAX PERKINS, L'EDITOR DEI GENI - ELLIOT 2013

SCOTT BERG

MAX PERKINS
L'editor dei geni
Elliot, 23/1/2013
collana "Antidoti"

Maxwell Perkins era un uomo d’altri tempi, una persona dai modi raffinati, estremamente elegante e garbata. Ma nel corso della sua carriera è diventato famoso soprattutto come colui che diceva a gente come Ernest Hemingway, Francis Scott Fitzgerald, Thomas Wolfe e molti altri “dove” e “cosa” dovevano tagliare dei loro libri. Nei suoi anni alla Scribner, lo storico marchio editoriale americano, questo mite personaggio ha saputo “riscrivere” la storia della letteratura. Fu lui a scovare Fitzgerald, che prima di incontrare Perkins era un totale sconosciuto con problemi di alcol, e ad aiutarlo nella stesura di tutti i suoi lavori, incluso Il grande Gatsby. Nel 1924 Fitzgerald gli ricambiò il favore presentandogli un altro giovane di belle speranze, uno che aveva il pallino della pesca e delle corride, un altro sconosciuto di nome Ernest Hemingway. Tra i due nacque un intenso e prolifico rapporto, un’amicizia che avrebbe dato vita a capolavori come Fiesta, Addio alle armi, Per chi suona la campana. Hemingway dedicherà Il vecchio e il mare al suo editor che, pur avendo lavorato a lungo sul libro, non giunse a veder pubblicata l’opera. E infine Thomas Wolfe, un “ragazzo piuttosto disorganizzato” per il quale Perkins intraprese una storica sfida con la vecchia guardia di Scribner, che in Wolfe vedeva solo una fonte di problemi. Perkins è stato l’uomo che ha inventato il senso moderno del ruolo di “editor”, un professionista, cioè, che interviene nell’idea, nella costruzione, nella struttura e nella stesura di un’opera. 

W.G. SEBALD: SOGGIORNO IN UNA CASA DI CAMPAGNA - ADELPHI 2012

W.G. SEBALD

SOGGIORNO IN UNA CASA DI CAMPAGNA

Adelphi, 10/10/2012

collana "Biblioteca Adelphi" 

Nel 1966, in procinto di lasciare la Svizzera per Manchester, Sebald mette in valigia i libri di tre scrittori destinati a segnare per sempre la rotta dei suoi incessanti viaggi letterari. Per questo, più di trent'anni dopo, sente di dover rendere a Gottfried Keller, Johann Peter Hebel e Robert Walser un personale tributo, assecondando ancora una volta "quello strano disturbo del comportamento che costringe a trasformare tutti i sentimenti in parole scritte e che, pur mirando alla vita, riesce sempre con sorprendente precisione a mancare il centro". In realtà, nel seguire in queste "note marginali d'una certa ampiezza" le tracce dei suoi autori prediletti - cui negli anni si sono aggiunti Rousseau e Mörike -, Sebald indaga le derive compulsive della scrittura, che finiscono per rendere chi ne è colpito il più inguaribile tra i "malati di pensiero". Ne riconosciamo gli effetti sul filosofo francese il quale, pur ravvisando "nell'uomo pensante un animale degenerato", arriva a prendere appunti persino sulle carte da gioco; su Walser, che conduce una silenziosa battaglia contro la folle grandiosità del suo tempo e compone in una grafia sempre più minuta, ai limiti del visibile, i leggendari "microgrammi"; e così su Keller, Hebel, Mòrike, la cui arte assomiglia al tentativo di esorcizzare, quasi fosse una maledizione, "il nero garbuglio che minaccia di prendere il sopravvento".

RICORDO DI GIAN LUPO OSTI - PALAZZO DUCAKLE, GENOVA 4/3/2013

RICORDO DI GIAN LUPO OSTI
Villa Bombrini
via Ludovico Muratori 5 - Genova Cornigliano
Palazzo Ducale - Sala del Minor Consiglio
piazza Matteotti 9 - Genova
lunedì 4 marzo 2013, ore 11,oo e ore 17,00

Lunedì 4 marzo, dalle ore 11.00, il Comune di Genova, Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura e la Fondazione Ansaldo ricordano con una serie di iniziative la figura di Gian Lupo Osti.
Alle ore 11, presso Villa Bombrini a Cornigliano, si svolgerà la cerimonia per il sessantesimo anniversario dell’entrata in funzione dello Stabilimento Oscar Sinigaglia. Sarà piantata una quercia, ibrido americano europeo, e scoperta una targa in memoria del Generale George Marshall, padre del piano di ricostruzione europeo (Erp). Grazie agli aiuti del piano Marshall, alla cui finalizzazione a favore dell’industria pubblica italiana lavorò Osti, fu ricostruito lo Stabilimento Oscar Sinigaglia. Partecipa il vice sindaco di Genova Stefano Bernini.
Alle ore 17 a Palazzo Ducale, nella Sala del Minor Consiglio, preceduto dal saluto del Sindaco, si svolgerà un incontro dal titolo "Tra industria, cultura e natura".
Interverranno Ruggero Ranieri, Giampaolo Gandolfo, Paola Profumo e alcuni amici genovesi dell’industriale umbro: Eugenio Carmi, Claudio Bertieri, Popi Fedeli. Gli interventi saranno preceduti da brevi filmati tratti da interviste a Gian Lupo Osti.
Nel Foyer della Sala del Minor Consiglio sarà allestita una mostra in ricordo di Gian Lupo Osti. 

TIZIANO - SCUDERIE DEL QUIRINALE, ROMA

TIZIANO
a cura di Giovanni C. F. Villa
Scuderie del Quirinale
via XXIV maggio 16 - Roma
dal 4/3/2013 al 16/6/2013

Il Concerto e la Bella di Palazzo Pitti, la Flora degli Uffizi, la Pala Gozzi di Ancona, la Danae di Capodimonte, il Carlo V con il cane e l'Autoritratto del Prado o lo Scorticamento di Marsia di Kromeriz sono solo alcune delle opere più conosciute di Tiziano (Pieve di Cadore 1485 circa - Venezia 1576) che saranno esposte alle Scuderie del Quirinale. Una mostra concepita per concludere idealmente l'ampio progetto di rilettura della pittura veneziana e di riflessione sul ruolo cardine che essa avuto nel rinnovamento della cultura italiana ed europea. Un percorso che le Scuderie del Quirinale hanno sviluppato analizzando l'opera dei protagonisti della rivoluzione pittorica moderna - da Antonello da Messina a Giovanni Bellini, da Lorenzo Lotto a Tintoretto - di cui Tiziano è testimonianza finale e altissima quale artista europeo per eccellenza.
Visitando la mostra sarà possibile ripercorrere i tratti salienti dell'inarrestabile ascesa del grande artista italiano: dagli esordi veneziani in seno alle botteghe di Giovanni Bellini e Giorgione all'autonomia acquisita con le grandi tele per i dogi, gli Este e i Della Rovere fino ad arrivare alle committenze imperiali di Carlo V e poi del figlio Filippo II. Decennio per decennio, l'intera carriera di Tiziano sarà rappresentata al massimo livello sottolineando il magistrale senso del colore e l'evoluzione di una pennellata capace di travalicare i limiti dell'immaginario pittorico. Attraverso confronti iconografici - tra i molti, emblematico, quello tra la Crocifissione della chiesa dei domenicani di Ancona, il Crocifisso dell'Escorial di Madrid e il frammento di Crocifissione oggi alla Pinacoteca Nazionale di Bologna - il pubblico potrà percepire direttamente la novità d'impostazione e la grammatica compositiva del Maestro, in una mostra attenta a narrarne non solo la fondamentale dimensione di pittore religioso ma anche la complessa attività di ritrattista della nobiltà del tempo. Una mostra ideata - grazie al sostegno e ai prestiti delle massime istituzioni museali italiane e straniere - per far comprendere al grande pubblico l'eccezionalità di un Tiziano capace di accordare "la grandezza e terribilità di Michel Agnolo, la piacevolezza e venustà di Raffaello, et il colorito proprio della Natura", secondo l'immagine del poligrafo contemporaneo Ludovico Dolce, suo grande estimatore.
Ad accompagnare il percorso espositivo, gli esiti dell'ampia campagna di analisi scientifiche che ha interessato gran parte della produzione dell'artista. Compiuta dal Centro di Ateneo di Arti Visive dell'Università degli Studi di Bergamo, la campagna ha offerto risultati di assoluto rilievo per riuscire a definire i rapporti tra opere autografe e opere di bottega e per documentare compiutamente l'evoluzione tecnica di Tiziano, a partire dai suoi anni di formazione.

Il catalogo scientifico è edito da Silvana Editoriale con i contributi di alcuni fra gli studiosi più riconosciuti del grande maestro veneto.

Immagine: Tiziano Vecellio, Flora, 1517 ca. Firenze, Galleria degli Uffizi © Ministero per i Beni e le Attività Culturali 

CHRISTIAN BOLTANSKI: MOVED - KUNSTMUSEUM WOLFSBURG

CHRISTIAN BOLTANSKI
MOVED
Kunstmuseum Wolfsburg
Höllerplatz 1 - Wolfsburg
3/3/2013 al 21/7/2013

Memory and transience are Christian Boltanski’s (born 1944 in Paris) major themes. Like no other artist in the international context, he has worked for decades on the connection between life and death—the disappearance of the individual and the desperate human endeavors against forgetting and being forgotten. Death increasingly appears at the center of Boltanski’s oeuvre, broaching in the process the theme of his own person and the time he still has to live. The large installation he developed especially for the Kunstmuseum Wolfsburg, along with the accompanying pieces, goes to the heart of this subject, which is still a taboo in our society, granting it a quiet urgency and dignity. The exhibition Moved is focused on an outsized installation entitled Spirit(s) that incorporates mechanical motion. In this piece, Boltanski precedes from his monumental installations Personnes from 2010 in the Grand Palais in Paris and Chance in the French Pavilion at the 2011 Venice Biennale. The exhibition Moved in the Kunstmuseum Wolfsburg is the most extensive show of Christian Boltanski’s works in Northern Germany in 20 years.
The museum’s collection features the 1994 work Menschlich (Human), which the artist himself regards as his “decisive” piece. In this central archive of the Boltanskian cosmos, the artist assembled 1200 photographs from his portrait installations dating from 1970 to 1994: persons of all ages, genders, backgrounds, religions, social statuses and nationalities, but also offenders and victims. The pictures are taken for example from found photo albums and police archives and appear as if they come from another time due to their age and origins. It is uncertain who among these people are still alive. But one of them is definitely still alive: Christian Boltanski, who included himself in this sea of formerly known and now largely anonymous individuals.
The artist has now taken 190 of these portraits from the Menschlich (Human) archive, which is likewise a part of the Wolfsburg exhibition, printed them on transparent, large-format pieces of fabric and then reassembled them to form the new kinetic work entitled Spirit(s). The exhibition bears the suggestive title Moved and proceeds from some of Boltanski’s earlier projects, for example Menschlich (Human), Sachlich (Factual), Örtlich (On-site) and Sterblich (Mortal). The oversized pieces of cloth with portraits in the piece conceived for the Kunstmuseum hang from the ceiling at regular intervals but at different heights, so that in the process they fill the entire volume of the space. Some of them move in place in the gentle air draft of the space, others hover on a transport mechanism hanging between them. In this way, the physiognomies overlap for several moments thanks to the cloth’s high degree of transparency, only to immediately vanish again. The fleetingness of the faces reproduced on the sheer material all the more awakens the need to want to “recognize” each and every one of these people, to find out something about their fate. Some of the faces seem to be robustly printed while others appear very faded as a result of the repeated reproduction process. The human being dies two deaths according to Boltanski, the physical and then the immaterial death when the image and the memory of the individual fades. It is a very normal process that the artist depicts serenely in the face of the fact that faces are now stored for a much longer period of time through new communications media like the Internet. The artist entitled this installation Spirit(s), thus combining the notion that our face is a puzzle of the preceding dead. ”And because our spirit comes from our ancestors, I am sure all the dead who existed before us under different conditions are still in us.” (CB)
The other works in the exhibition likewise revolve around this theme, whereby Boltanski concentrates on the disappearance of his own person to a large extent. In the slide projection Entre Temps (2003) it concerns portrait photographs that show the artist himself at various ages—a lifetime that the viewer perceives in fast motion. The installation Dernière seconde / Last Second mercilessly counts down the seconds of his life up to the present. At his death the counter will stop. In these “moving” pieces he undertakes the attempt to record the flow of (a life)time. The Kunstmuseum’s Japan Garden, which opened in 2007, has also been integrated into the exhibition. Following a Japanese tradition, Boltanski has distributed numerous rods with little bells that softly chime in the wind and correspond to the movement of the fabrics inside the museum.
Boltanski radicalizes broaching the theme of his own death in a unique art project in which he “puts his own life on the line” in a figural sense in order, as he says, “to become accustomed to dying.” He entered into a bet with the collector Dan Walsh: the professional gambler did not pay him a fixed price for a piece but rather an annuity for life. The work would indeed have been paid up after eight years. If Boltanski dies before, the collector has made a good deal, if not, the artist. The work consists of four cameras that film Boltanski’s Paris studio live. The images will be transmitted to the South Australian island of Tasmania, where Dan Walsh archives “the last years of the artist”. For Boltanski, however, it does not make a difference whether he dies in three, in five or even in eight years; in this game he is always a winner.
Aside from the photo portraits and the bet with Dan Walsh, Boltanski has also been assembling a further archive: he collects heartbeats. In the meanwhile he has captured the heartbeats of circa 60,000 persons from around the world on sound storage devices. The archive entitled “Heartbeat for Eternity” is located on the Japanese island of Teshima.
Particularly with a view to new social networks and also in regard to the discussion dealing with a post-human age, in which it does not matter whether a living individual or a machine stands behind the speaking face, Boltanski’s fundamental questioning of the core elements of human existence, life and death, have a shattering effect and, unlike some of his other artist colleagues, he addresses it with minimal gestures, effortlessly, naturally and serenely. And unlike religions that want to provide answers, Christian Boltanski modestly takes a back seat by asking questions—questions that in fact are already answered by looking at the artist’s life and work.
The great hall of the Kunstmuseum Wolfsburg has frequently made oversized exhibition projects possible. These include such unique shows as Olafur Eliasson, Your Lighthouse (2004), Douglas Gordon, Between Darkness and Light (2007) and James Turrell, The Wolfsburg Project (2009).

Image: Christian Boltanski, Entre temps, 2003, Projection dimensions variable, Exhibition: La vie possible, Kunstmuseum Liechtenstein, 2009, Photo: Stefan Altenburger, © VG Bild-Kunst, Bonn 2013  

ALEXANDRE KOJÈVE: DIARIO DEL FILOSOFO - ARAGNO 2013

ALEXANDRE KOJÈVE
DIARIO DEL FILOSOFO
a cura di Marco Filoni
traduzione di Chiara Zonghetti
Aragno, 2013
collana "Biblioteca Aragno"

Qui pubblicato per la prima volta in anteprima internazionale, il Diario raccoglie appunti e annotazioni del giovane Kojève a partire dal 1917 sino al 1923. Pensieri, progetti di scritti futuri, riflessioni a venire, ma anche momenti di vita vissuta, consegnati a quattro taccuini manoscritti, redatti in russo, poi ritrovati fra le carte del filosofo e rimasti finora inediti.

Ogni posa ha il suo corredo di orpelli e ornamenti. Quella giovanile assunta da Alexandre Kojève, geniale interprete della filosofia del Novecento, ha la forma del diario. Frugale in apparenza, eppure ambizioso nella sostanza: «Quanto vi troverete scritto ha poco a che spartire con la realtà quotidiana e l’epoca, e quasi nulla con la mia vita – per questo l’ho chiamato Diario del filosofo». Qui pubblicato per la prima volta in anteprima internazionale, il Diario raccoglie appunti e annotazioni del giovane Kojève a partire dal 1917 sino al 1923. Pensieri, progetti di scritti futuri, riflessioni a venire, ma anche momenti di vita vissuta, consegnati a quattro taccuini manoscritti, redatti in russo, poi ritrovati fra le carte del filosofo e rimasti finora inediti. Una «decorosa opera d’artigianato», come lo stesso Kojève definì queste pagine chiacchierando con lo zio Vasilij Kandinskij. E di fatto si presentano proprio come un lavoro artigianale, conservato con cura: per noi uno strumento prezioso che ci permette di scoprire qualcosa di più sull’artigiano che l’ha composto. Possiamo attingervi alcuni dati biografici del filosofo, nonché i presupposti della sua riflessione futura. Ma, soprattutto, queste pagine ci aprono la porta dell’officina giovanile di Kojève, un mirabolante laboratorio di idee che qui, insieme ai suoi strumenti, scorgiamo con grande e curiosa chiarezza.

Alexandre Kojève (Mosca 1902-Bruxelles 1968) è stato uno dei filosofi più importanti del Novecento. Fra le sue opere tradotte in italiano: Introduzione alla lettura di Hegel (1996), Il silenzio della tirannide (2004), Introduzione al Sistema del Sapere. Il Concetto e il Tempo (2005), Kandinsky (2005), L’Ateismo (2008), Sulla tirannide (con Leo Strauss, 2010), La nozione di autorità (2011).