JOAQUIN TORRES-GARCÍA: THE ARCADIAN MODERN - MOMA, NEW YORK

JOAQUIN TORRES-GARCÍA
THE ARCADIAN MODERN
The Museum of Modern Art MoMA
11 West 53 Street - New York
20/10/2015 - 15/2/2016

With Joaquín Torres-García: The Arcadian Modern, The Museum of Modern Art presents the first major U.S. retrospective devoted to the artist in 45 years. The exhibition spans the first half of the 20th century, surveying Joaquín Torres-García’s (Uruguay, 1874–1949) remarkable achievements in painting, sculpture, fresco, drawing, and collage through some 190 works.
Joaquín Torres-García: The Arcadian Modern stresses the radical individuality of an artist who eluded classification. A central figure in the history of modernism in the Americas and a key protagonist in the transatlantic cultural exchanges that have informed it, Torres-García has fascinated generations of artists on both sides of the Atlantic, but most notably in the Americas—including major North American artists from Barnett Newman to Louise Bourgeois, and countless Latin American artists. While assimilating and transforming the formal inventions of modern art, Torres-García stayed true to an understanding of time as a collision of different periods rather than a linear progression—a distinction that is particularly relevant to contemporary art.
The exhibition is a chronological display structured in a series of major chapters and embracing the artist’s entire oeuvre, from his early works in Barcelona at the end of the 19th century to his final works, made in Montevideo in 1949. Two key moments are emphasized: the period from 1923 to 1933, when Torres-García participated in various European early-modern avant-garde movements while establishing his own signature pictographic-constructivist style; and 1935 to 1943, when, having returned to Uruguay, he produced one of the most striking repertoires of synthetic abstraction.
Organized by Luis Pérez-Oramas, The Estrellita Brodsky Curator of Latin American Art, with Karen Grimson, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints, MoMA.
The exhibition’s richly illustrated catalogue presents Torres-García’s paintings, drawings, sculptures, and manuscripts, offering a full overview of his long and wide-ranging career. Essays by Luis Pérez-Oramas, Alexander Alberro, Sergio Chejfec, Estrella de Diego, and Geaninne Gutiérrez-Guimarães examine the artist’s entire oeuvre, and are accompanied by an illustrated chronology and an extensive bibliography.

SYMPOSIUM:
January 28, 2016, 1:00–5:00 p.m. Titus Theater 3 (The Celeste Bartos Theater)
Organized in conjunction with the exhibition Joaquín Torres-García: The Arcadian Modern, this symposium brings together artists and scholars to explore central works and key themes in the exhibition, including Torres-García's compelling appeal for a specifically Latin American form of modernity, and his influence on contemporary practice.

Image: Joaquín Torres-García (Uruguayan. 1874–1949). Hoy (Today). c. 1919. Collage and tempera on cardboard, 20 11/16 x 14 3/4" (52.5 x 37.5 cm). IVAM, Institut Valencià d'Art Modern, Generalitat. © Sucesión Joaquín Torres-García, Montevideo 2015. Photo credit: Juan García Rosell.

GIULIO TURCATO - GALLERIA SPAZIA, BOLOGNA

GIULIO TURCATO
Galleria Spazia
via dell'Inferno 5 - Bologna
14/11/2015 al 14/1/2016

In un momento in cui il frenetico andamento di mercato sembra aver dimenticato i valori essenziali dell’arte degli anni Cinquanta, mai come oggi sottostimati, la Galleria vuole riproporre l’interessante figura di Giulio Turcato che, nella sua assoluta originalità, ha scritto una pagina fondamentale della storia dell’Informale italiano.
In mostra una selezione di opere significative a partire dalla fine degli anni ’50 che vantano esposizioni di fama mondiale quali le Biennali di Venezia e di Tokyo, la Quadriennale di Roma ed il Palazzo delle Esposizioni.

Giulio Turcato (Mantova,1912 – Roma,1995) è stato uno fra i principali esponenti dell'astrattismo informale italiano. Dopo periodi a Palermo e Milano, nel 1942 espone la sua prima opera (una Maternità) alla Biennale di Venezia.
Arriva nel 1943 a Roma, dove frequenta l'Osteria Fratelli Menghi, noto punto di ritrovo per pittori, registi, sceneggiatori, scrittori e poeti tra gli anni '40 e '70. A Roma, assieme ad Emilio Vedova e Toti Scialoja, espone alla Galleria dello Zodiaco e alla Quadriennale di Roma.
Nel 1947 firma il manifesto "Forma 1"; nel 1948 partecipa alla Rassegna nazionale di arti figurative (V Quadriennale Nazionale d'Arte) di Roma. Intanto il suo astrattismo stava ormai trovando una dimensione unica ed originale. Con un percorso forse inverso a quello di Emilio Vedova, ormai proiettato verso la violenza del segno, Turcato andava "raffreddando" le sue creazioni, con colori che paiono sgorgare lentamente dalla tela, usando materiali quali la sabbia (a cui conferisce un caratteristico aspetto cangiante), ricorrendo al monocromo e all'uso della gommapiuma, con la quale confeziona gelide e affascinanti "Superfici lunari".
L'attività espositiva e la fortuna critica di Turcato hanno pochi eguali nell'arte italiana del '900: egli è presente alla Biennale anche nel 1954, 1956, 1958 (Sala personale e vincitore del Premio Nazionale), 1966 (Sala personale), 1968, 1972 (Sala personale), 1982, 1986, 1988, 1993 e ancora un'ultima volta nel 1995, portando a 15 le sue partecipazioni alla rassegna veneziana.
Nel 1953 vince un premio acquisto in occasione della prima edizione del Premio Spoleto. Nel 1955, nel corso di una delle numerose Quadriennali romane a cui fu invitato, la Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma acquistò un suo "Reticolo" per l'inserimento nelle collezioni permanenti. In altri anni vinse anche il primo premio e il premio della Presidenza del Consiglio.
Espone con personali in tutto il mondo, tra cui le rassegne Documenta di Kassel e la Biennale di San Paolo. Fra i musei, espone al MoMa di New York, al Padiglione d'Arte Contemporanea di Milano, alla Staatsgalerie Moderner Kunst di Monaco, al Musée de l’Athenée di Ginevra, il Philadelphia Museum of Art e molti altri.

  

STÉPHANE GUÉGAN: ANDRÉ MASSON. DE MARSEILLE À L'EXILE AMERICAIN - LIENART 2015

STÉPHANE GUÉGAN
ANDRÉ MASSON: DE MARSEILLE À L'EXILE AMERICAIN
Coédition LIENART (13 novembre 2015)
Collection : Monographies

Cet ouvrage, consacré à André Masson, rend hommage au journaliste américain Varian Fry, qui, en 1941 permit à de nombreux artistes et intellectuels de quitter l’Europe et le régime de Vichy pour les Etats-Unis. Sur le chemin de l’exil, André Masson rejoint à Marseille les surréalistes hébergés à la villa Air Bel. Par la suite, en route pour l’Amérique, il retrouve Claude Levi-Strauss, Wifredo Lam et André Breton lors d’une escale de trois semaines à La Martinique. Son exploration de l’île s’avéra être une expérience fondatrice. Antille, titre d’une peinture, d’un dessin et d’un poème, devient alors l’emblème d’une conscience aiguë des forces telluriques du monde, des hommes et de la nature. Arrivé à New Preston, Masson développe une œuvre libre, multiple, qui influencera Pollock et les expressionnistes américains. Surréaliste mais rétif à l’orthodoxie, il investit profondément l’univers mythique de La Martinique et des indiens d’Amérique. Il développe, au-delà de l’écriture automatique, une richesse graphique servie par un éventail de techniques ; encre, crayon, fusain, gouache, pastel ; toutes, lui permettent d’exprimer les forces cosmiques et érotiques d’un monde profondément tragique. Soixante oeuvres, provenant principalement des collections de la famille d’André Masson et du musée Cantini de Marseille sont associées pour montrer toute la richesse de cette période. La séquence commence avec Massacreet s’achève avec La Fable des origines. Nous suivons André Masson dans un exil où la nature devient allégorie de l’affrontement mortel des hommes ; seul, l’homme fait face au monde : quarante-quatre dessins et seize peintures nous le démontrent magistralement.

Conservateur au département des peintures du musée d’Orsay depuis juillet 2009, Stéphane Guégan est historien et critique d’art. Auteur de nombreux ouvrages sur Delacroix, Gauguin, Chassériau ou Ingres, auquel il a consacré plusieurs essais, il a publié, en 2012, Les Arts sous l’Occupation, véritable éphéméride qui raconte, jour après jour, la vie et les réalisations des créateurs français, toutes disciplines confondues, pendant la Seconde Guerre mondiale.

PASCALE MARTHINE TAYOU: ALBUM - DILECTA 2015

PASCALE MARTHINE TAYOU
ALBUM
Dilecta (16 novembre 2015)

«Le matériau, c’est tout ce que je trouve sur ma route et que je détourne en lui instillant une âme».
Pascale Marthine Tayou

Dans les expositions et les ateliers de Pascale Marthine Tayou prend place une foule d’œuvres, de matériaux, d’univers : dessins, images, installations, vidéos, assemblages, textes… L’artiste joue avec les objets du quotidien, recycle les rebuts et les matières premières, qu’elles proviennent d’Afrique ou d’Europe. Son travail témoigne d’une vie nomade. L’artiste explore ainsi les thèmes issus de ses voyages, de ses migrations : identité culturelle, économie, mondialisation, perméabilité des frontières…
Ce livre très coloré, qui s’apparente à un album où l’on retrouverait en tournant les pages le parfum de l’enfance de l’art, a pour projet de construire un récit en images, articulé depuis l’intérieur de chacune des œuvres majeures de Pascale Marthine Tayou. En tendant un fil d’une œuvre à l’autre, il révèle ainsi leur proximité – leur complicité – de même que leur intense force plastique et poétique. Proposant un voyage et une rêverie où s’articulent l’Occident et l’Afrique, Pacale Marthine Tayou se fait conteur. Tissés entre les images, s’égrainent les textes, les notes, les histoires de l’artiste sur ses créations.

LISETTA CARMI: LA LUCIDA VISIONE - MARTINI & rONCHETTI, GENOVA

LISETTA CARMI
LA LUCIDA VISIONE
Opere 1962 - 1971
Galleria Martini & Ronchetti
via Roma 9 - Genova

In occasione della Mostra Lisetta Carmi, il senso della vita, allestita a Palazzo Ducale nella Loggia degli Abati, la galleria Martini & Ronchetti rende omaggio alla fotografa genovese esponendo quaranta fotografie originali d'epoca, stampate direttamete dall'artista.
La mostra presenta piccoli gruppi tematici di fotografie realizzate tra il 1962 ed il 1971. Tra questi una serie di scatti realizzati ad Amsterdam nel 1966 nell'ambito dei Provo, movimento di spirito anarcoide e libertario che con la sua contestazione politica anticipava le battaglie contro il consumismo e si batteva per principi ecologici che si sarebbero poi affermati nel decennio successivo.
Un piccolo nucleo di immagini scattate nella metropolitana di Parigi nel 1965 documenta un lavoro realizzato in copia unica dall'artista: il libro d'artista Metropolitain che nello stesso anno si aggiudica un importante riconoscimento al Premio per la cultura nella fotografia a Fermo
La straordinaria sequenza di Ezra Pound nella sua casa di Sant'Ambrogio di Rapallo manifesta la sua capacità di cogliere in profondità i suoi soggetti. Accanto ai ritratti del poeta le immagini di Claudio Abbado, di Cathy Berberian e Judith Malina testimoniano del suo interesse per la musica e l'espressione artistica
Al centro della sua ricerca Lisetta Carmi pone l'essere umano: quando il suo orizzonte si allarga a paesi lontani dove uomini, donne e bambini vivono nella più assoluta povertà il suo sguardo restituisce loro dignità ed empatia. L'identica necessità di comprendere gli altri si ritrova nella serie scattata a Genova tra il 1965 ed i l 1969 all'interno della comunità dei travestiti. Da sei anni di condivisione della quotidianità emergono immagini intense e prive di preconcetti: forse più che la scabrosità dei soggetti fu proprio la mancanza di giudizio morale e l'affetto che traspare dalle riprese a dare scandalo quando il volume I travestiti fu pubblicato nel 1972
In occasione della mostra è stata edita una pubblicazione monografica con la riproduzione delle opere esposte. Lisetta Carmi ha dichiarato di aver sempre fotografato per capire: a testimonianza della profondità del suo approccio pubblichiamo in catalogo alcuni testi coevi - molti dei quali inediti - scritti dalla fotografa a commento delle sue immagini.

Immagine: Provo, Amsterdam 1966 cm24,2x17,9 Vintage

RACHEL WHITEREAD: LOOKING OUT - LUHRING AUGUSTINE, NEW YORK

RACHEL WHITEREAD
LOOKING OUT
Luhring Augustine
25 Knickerbocker Avenue - New York
19/9/2015 - 20/12/2015

Luhring Augustine is pleased to present Looking Out, an exhibition of early works on paper and recent sculpture by Rachel Whiteread. This marks the artist’s ninth exhibition since the gallery began representing her in 1991. The gallery will present a second exhibition with Whiteread entitled Looking In at our Chelsea space from November 7th through December 19th.
Rachel Whiteread is one of the preeminent artists of her generation. She is best known for casting the spaces inside and around objects, be they bathtubs and mattresses, architectural elements such as doors, floors and windows, or entire buildings. Whiteread uses materials such as resin, rubber, concrete and plaster to preserve each surface detail, and the resulting sculptures are remarkably faithful to their source molds, but also uncannily foreign in that they represent an inverse of the original object and require a constant reorientation of perception. Absence is made present, interior becomes exterior, and the invisible is rendered visible.
In foregrounding that which is unseen, Whiteread often focuses on the domestic and prosaic. Detached III is a concrete and steel sculpture cast from a prefabricated, wooden garden shed. It recalls previous monolithic works such as Ghost (1991) and House (1993) to the more recent The Gran Boathouse (2010), a cast of a local boathouse that sits on the water’s edge in Røykenviken, Norway. The latter represents the first in a series of “shy sculpture” – works cast from unassuming structures and situated in remote locations. Detached III continues in this vein with its humble origins, its modest proportions, and its quiet dignity. The title alludes to a shed’s status as a building that is separate, and more broadly, to an artist’s position as one who deliberately secludes herself from the world in order to reflect upon it.
Though regarded primarily as a sculptor, Whiteread has always maintained a vital drawing practice. The works here consist of several large-scale drawings from the 1990s, many of which reference specific projects. While such drawings are helpful to the artist in thinking through complicated installations, they are not considered studies, but works in their own right and are collectively referred to as a kind of diary. They have a wonderful sense of materiality and weight, due to particular media such as correction fluid, which has a chalky quality akin to plaster as seen in Book Corridors (1997), and varnish, which recalls the translucency of her resin and rubber works as seen in Untitled (Stairs) (1995). The consistent use of graph paper grounds the drawings even further, and reflects the balance and precision with which Whiteread approaches all of her work.

Rachel Whiteread (b. 1963) was born in London, England where she currently lives and works. She studied painting at Brighton Polytechnic and sculpture at the Slade School of Fine Art. Whiteread was the first woman to win the Turner Prize for her public sculpture House (1993) and represented Great Britain at the 47th Venice Biennale (1997). Important commissions include Holocaust Memorial (2000) in Vienna, Tree of Life (2011-2012) for the Whitechapel Gallery in London, and a new permanent sculpture for Governor’s Island in New York to debut in the spring of 2016. Her works are in several prestigious collections including the Museum of Modern Art, New York, the National Gallery of Art, Washington D.C., the Stedelijk van Abbemuseum, Eindhoven, the Tate, London and the Centre Pompidou, Paris. The first retrospective exhibition of Whiteread’s work is being organized jointly by the National Gallery of Art, Washington, DC, and Tate Britain, London and will open in the fall of 2017.

Image: Rachel Whiteread

GIUSEPPE SANTOMASO: LA MUSICA DEL COLORE - GALLERIA BLU, MILANO

GIUSEPPE SANTOMASO
LA MUSICA DEL COLORE
Galleria Blu
via Senato 18 - Milano
23/11/2015 - 12/2/2016

Torna alla Galleria Blu di Milano - a venticinque anni dalla scomparsa - Giuseppe Santomaso (1907-1990), artista che la galleria ha esposto fin dalla mostra “I pittori italiani al secondo Documenta di Kassel” del 1959, rappresentato in esclusiva fin dal 1969 e, successivamente, a partire dal 1984 fino alla morte. Quattro le personali a lui dedicate: “Le coordinate dell’immaginazione” (1987), “Le Strutture della memoria” (1990) e le due “Santomaso”, una nel 1971 e una nel 2000 (quest’ultima organizzata a dieci anni dalla morte).
Per venire alla mostra ecco un titolo che riassume la poetica di Santomaso – “La musica del colore” – che deriva direttamente dal pensiero dell’artista che lo utilizzò per una sua importante opera del 1987 che fu esposta alla Fritz Winter-Haus ad Ahlen nel 1993. Musica e colore, un connubio indissolubile nell’opera del maestro, la cui pittura vive di variazioni sonore di colore e di strutture a volte memori anche dell’architettura, ma sempre più spesso giocate su atmosfere e su ritmi che vivono di vibrazioni, di pause, di adagi e di allegri, di crescendo e di calando, nella ricerca di armonie che risolvono in bellezza ogni opera.
La rassegna documenta la ricerca condotta dall’artista veneziano attraverso capolavori dal ricco e internazionale curriculum espositivo come Tramonto sulla città industriale del 1955; Verso Matera del 1960 e Suite friulana n. 2 del 1963, per giungere agli anni Ottanta, dove particolare attenzione merita l’opera Contrappunto del 1984.

“Sulla superficie bianca della carta una forma si muove. Sosta un attimo, poi lentamente riprende il moto; cerca un punto, si capovolge, ruota ancora nervosamente, poi si arresta: quello è il “punto”. In quel breve percorso, in quello spazio limitato, un viaggio lunghissimo si compie, viaggio nel tempo, nella memoria, nel presente, dentro e fuori la coscienza. Una risonanza trova la sua eco, si accoppia come in un telemetro. Qualche cosa della vita è messo a fuoco”.

Nato a Venezia nel 1907, Santomaso si afferma nel secondo dopoguerra come uno dei maitres-à-penser del Fronte Nuovo delle Arti (1946). Ben presto, però, abbandonate le tematiche sociali e comincia a dipingere astratte tensioni e figurazioni emotive. Nel 1952 partecipa all’esperienza del Gruppo degli Otto (Afro, Birolli, Corpora, Moreni, Morlotti, Santomaso, Turcato, Vedova), detto anche degli astratto-concreti, secondo la definizione di Lionello Venturi. Nel 1954 vince il Premio Internazionale di Pittura alla Biennale di Venezia. Dopo la metà degli anni Cinquanta, si affranca completamente dal contenuto e dalla forma. La sua pittura, però, non risponde alle connotazioni drammatiche di quasi tutto l’informale, ma si sviluppa attorno ad una struttura sempre costituita, in quella ricerca di armonia ed equilibrio che caratterizza tutto il suo lavoro. Nel corso degli anni Sessanta Santomaso si libera dei pur sottili legami dell’informale per maturare una immagine fatta di emotività, di suggestioni spaziali e di vibrazioni luminose. Muore a Venezia nel 1990.

È prossima l'uscita del nuovo Catalogo Ragionato edito da Umberto Allemandi - in collaborazione con la Galleria Blu, Archivio Santomaso- e per opera di Nico Stringa, già curatore della mostra: “Giuseppe Santomaso e l'opzione astratta” che la Fondazione Cini di Venezia dedicò all’artista nel 2008.