WHEN WE SHARE MORE THAN EVER - MUSEUM FÜR KUNST UND GEWERBE, HAMBURG

WHEN WE SHARE MORE THAN EVER
Curators: Esther Ruelfs and Teresa Gruber
Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg
Steintorplatz - Hamburg
June 6–September 20, 2015

An exhibition within the 6th triennial of photography Hamburg.

More pictures are being taken and digitized than ever before—innumerable snapshots pile up on hard disks and in clouds, are shared via the Internet and commented on. But professional image databases and portals such as Facebook and Flickr only supersede older forms of archiving and transferring images and the associated interaction. In fact, photography has been a means of capturing, storing, and communicating visual impressions ever since its early days in the 19th century. The exhibition When We Share More Than Ever reflects on how images are shared and shows how today’s rampant exchange of digital photos links in with the history of the analogue medium.
In ten chapters, selected contexts are examined in which collecting and sharing images has played—and still plays—a role. More than 200 historical works from the MKG’s collection are set in counterpoint against twelve contemporary artistic projects. The present-day artists reflect in their works on the ways digital photography is used as well as on the mechanisms and implications of new media. They focus on the Internet as a new picture archive, with collections of images such as Apple Maps or photos on eBay, and on images such as those exchanged via mobile phones. Important aspects are the digital image collection as a research resource and inspiration for contemporary art, and the relevance of the classic analogue collection in relation to today’s often-invoked image overkill.
Conceived in archive format, the exhibition explores the archive’s possible forms and uses. The historical works were selected from the MKG’s holdings of some 75,000 photographs to show how different photographic practices have been assimilated over the years. Rather than being a collection of only art photography, the MKG archive reflects the everyday uses of the medium. It gathers together various photographic applications, whether the scientific photos taken at an institute for impulse physics, a fashion spread created by Terry Richardson for Sisley, or Max Scheler’s report on Liverpool’s club scene for Stern magazine.
The juxtaposition of historical and contemporary works illuminates how the use and function of photographic images have changed, and which aspects have remained the same despite the digital revolution. Furthermore the exhibition is dedicated to the broader question of how the function of a museum collection of photography is affected in the digital era, when vast digital image archives are only a mouse click away thanks to Google Image Search.

Invited artists: Laia Abril, Ai Weiwei, Regula Bochsler, Natalie Bookchin, Heman Chong, Aurélien Froment, David Horvitz, Trevor Paglen, Doug Rickard, Taryn Simon, Jens Sundheim, Penelope Umbrico

From the Photography and New Media Collection of the MKG: Fratelli Alinari, Hanns-Jörg Anders, Nobuyoshi Araki, Francis Bedford, Félix Bonfils, Adolphe Braun, Natascha A. Brunswick, Atelier d’Ora – Benda, Minya Diez-Dührkoop, Rudolf Dührkoop, Harold E. Edgerton, Tsuneo Enari, Andreas Feininger, Johann Hamann, Theodor und Oscar Hofmeister, Thomas Hoepker, Lotte Jacobi, Gertrude Käsebier, Kaku Kurita, Atelier Manassé, Hansi Müller-Schorp, Eadweard Muybridge, Arnold Newman, Terry Richardson, Max Scheler, Hildi Schmidt-Heins, Hiromi Tsuchida, Carl Strüwe, Léon Vidal, and more

Image: Doug Rickard, 95zLs, from the series “N.A.,” 2011–14. Courtesy Yossi Milo Gallery, New York. © Doug Rickard.

DROMOSPHERE - GALLERIA COLLICALIGREGGI, CATANIA

DROMOSPHERE
Galleria Collicaligreggi
via Indaco (via Raffineria) 23 - Catania
5/6/2015 al 25/9/2015

Galleria Collicaliggregi is pleased to announce Dromosphere, with works by Melanie Bonajo, Hugo Canoilas, Vasco Costa, Filipe Feijão and Viola Yesiltaç.
You will be walking on top of a new ground, 60 cm above the gallery floor. You will stay between animal and human perspective (looking towards the newly constructed floor – straight to keep balance) You slow down, you perform the act of relearning to walk.
Costa’s Dromosphere, that borrowed its name from Paul Virilio, is both the physical and conceptual ground for the exhibition. It evokes a certain pollution of time and space, the disappearance of the distances between places and the annihilation of space for the sake of time, the loss of touch with Earth.
With a similar idea of being disconnected to the natural, the work of Melanie Bonajo’s Night soil-fake paradise, attempts to recreate a new system of values or ethics in a symbiosis between the spiritual, the artistic and the political, critical to the socio-political environment we live in. The use of ayahuasca an Amazon natural medicine with psychedelic effects can be related to the use of LSD in the 60’s and the idea of an ultra sensitive body capable of remaking a new form of understanding the world free from its rational and socially built constraints.
Made in a very different time and space, Filipe Feijão has been for the last 10 years, building a staircase outside his house, where he displays found and made objects that change with the weather as time passes by. In a complex mixture between the erudite and the popular, the natural and organic evolution and the alchemic, Feijão’s works have remained invisible, like a secret service1 shared only with friends and visitors of his home. The great challenge of presenting this complex oeuvre has routes on the ideas of the space between studio and exhibition and in situ production and its reproduction.
In a similar act of restaging, a vernacular vest from a performance is displayed quasi like a religious artifact. The work was used as prop for Jeffrey, alter ego of Hugo Canoilas, for Sinhô Elias – a performance that tackled the “current situation”2. In a mixture between the poetic and the faux prophetic speeches, the brain and the stomach, and paying homage to Norbert Elias, the vest remains as an empowered object, the only remain of a performance. As object, the vest is composed with images and text over batik like abstract painting that continue the artists interest in the relation between language and images and its mutual interference.
In perfect harmony between form and meaning, the works of Viola Yesiltaç give a place for the viewer to dive into a meditative stage. The viewer, with it’s voracity for meaning, read the poetic and yet affirmative texts painted, releasing their bodies to another time and form of communication, that of a body with another. Dromosphere aims to be a receptacle for the projections of the visitors. Its real matter is the interconnection that it evokes towards the whole – the artistic, social and the political, at the contemporary moment.

HEINRICH WÖLFFLIN: CAPIRE L'OPERA D'ARTE - CASTELVECCHI 2015

HEINRICH WÖLFFLIN
CAPIRE L'OPERA D'ARTE
Castelvecchi (27 agosto 2015)
Collana: Etcetera

Se mai le opere d'arte devono essere spiegate, come possono esserlo a parole? Heinrich Wölfflin, uno dei più grandi studiosi d'arte moderni, prova a rispondere a questo interrogativo muovendo dall'assunto che così come si impara una lingua straniera, con i suoi vocaboli e la sua grammatica, occorre imparare a vedere e giudicare ogni stile secondo le sue strutture di senso e non secondo un canone particolare. Lo spettatore deve quindi avere l'opportuno "atteggiamento", per non rischiare di sovrimporre alle opere concetti e categorie estranee ed estrinseche. Uscito in origine nel 1921 per la collana "Biblioteca di Storia dell'Arte", questo testo ebbe grande risonanza e l'autore decise di ripubblicarlo nel 1940 con l'aggiunta di un poscritto, incluso nella presente edizione. Introdotto da Andrea Pinotti, "Capire l'opera d'arte" è un libro stimolante e formativo, che rappresenta un'efficace epitome del pensiero wölffliniano nei suoi lineamenti basilari.

OLTRE IL DIVISIONISMO - PACINI 2015

OLTRE IL DIVISIONISMO
Tecniche e materiali nell'atelier Benvenuti Grubicy
a cura di Mattia Patti
Pacini Editore (27 agosto 2015)
Collana: Arte moderna e contemporanea. Strumenti e ricerche

Il volume Oltre il Divisionismo. Tecniche e materiali nell’atelier Benvenuti-Grubicy, a cura di Mattia Patti, edito da Pacini, presenta i risultati del lavoro di studio sui materiali d’atelier e sui dipinti del Fondo Grubicy-Benvenuti alla Fondazione Livorno.
Il volume è articolato in tre sezioni dedicate a testi di carattere saggistico inerenti alla trattatistica usata dagli artisti, ai materiali d’atelier, alla conservazione, a case produttrici quali Lefranc e Calcaterra; alle tecniche di indagine utilizzate; all’analisi del metodo operativo di Grubicy e dei più interessanti casi studio attraverso quanto emerso dalle indagini archivistiche e scientifiche.

DI GAVI IN GAVI - 28-30/8/2015

DI GAVI IN GAVI
28-30 agosto 2015

Concerti, cabaret e appuntamenti gastronomici.
Il Premio La Buona Italia e i disegni di Emanuele Luzzati.

LA PERCEZIONE DEL FUTURO: LA COLLEZIONE PANZA A PERUGIA - GALLERIA NAZIONALE DELL'UMBRIA E PALAZZO DELLA PENNA, PERUGIA

LA PERCEZIONE DEL FUTURO
La collezione Panza a Perugia
Museo Civico di Palazzo della Penna
via Podiani 11 - Perugia
Galleria Nazionale dell'Umbria
corso Vannucci 19 - Perugia
19/6/2015 - 8/11/2015

L'esposizione é realizzata su progetto allestitivo dei curatori Giuseppina Panza, figlia del collezionista e direttrice dell'Archivio Panza di Biumo, e Fabio De Chirico, già Soprintendente per i beni storici, artistici ed etnoantropologici dell'Umbria. La mostra, allestita presso la Galleria Nazionale dell'Umbria e il Museo Civico di Palazzo della Penna, riunisce una novantina di opere e propone un percorso che riflette lo "spirito" della prestigiosa collezione.
In particolare in Galleria vi sarà esposta una selezione ragionata di 12 opere, esemplificative del collezionismo di Giuseppe Panza e di sua moglie Rosa Giovanna Magnifico che, tra il 1956 e il 2010, hanno raccolto oltre duemilacinquecento lavori firmati dai maggiori autori della scena americana ed europea del secondo Novecento. Tra questi nomi illustri, come Dan Flavin, Richard Long, Robert, Ryman, Ettore Spalletti, Stuart Arends, Lawrence Weiner, Richard Nonas, Joseph Kosuth, Phil Sims, Jan Dibbets.
La Collezione Panza é riconosciuta come una delle più importanti raccolte d'arte della nostra epoca e le sue opere vengono ammirate nei luoghi di maggior prestigio del mondo (Guggenheim, di New York, MOCA di Los Angeles, Albright Knox di Buffalo, SFMOMA di San Francisco, Hirshhorn di Washington, Cantonale di Lugano, Sassuolo e Varese).
Artisti in mostra:

Galleria Nazionale dell'Umbria
ALFONSO FRATTEGGIANI BIANCHI (Perugia, Umbria, Italia). Le sue opere sono uniche: pigmento puro e non tutti i pigmenti, ma solo alcuni, stesi su pietra serena con le dita. Fragilissime. Tutto è natura, tutto è naturale, non vi è alcuna contaminazione, nessuna gestualità che riveli la sua personalità. La porosità della pietra assorbe il colore del pigmento e lo trattiene. Col tempo, una parte del pigmento tende a cadere, e quello che resta è come un velo di colore.
RICHARD LONG (Bristol, UK). Scultore, pittore e fotografo inglese. Da sempre profondamente interessato al rapporto tra arte e natura, si è affermato tra i protagonisti della land art, realizzando opere incentrate sui concetti di spazio e tempo, in una costante relazione armonica con la natura e il paesaggio: segni lasciati dal suo camminare su un terreno; semplici sculture geometriche di materiali naturali, realizzate in situ o riproposte in ambienti espositivi. Le sue opere interagiscono con il paesaggio riorganizzandone lo spazio e i materiali (pietre, legno, zolle erbose, foglie, fango, ecc.) in nuove forme essenziali (cerchi, linee, brevi percorsi a zig-zag), a cominciare dai suoi primi lavori. Nel suo approccio con l'arte e con la natura, strumenti importanti, e allo stesso tempo di per sé opere d'arte, sono le sue fotografie, le sue mappe o i percorsi trascritti con parole, che registrano il suo operare in luoghi lontani. Le sue opere si trovano esposte nelle più importanti collezioni di arte contemporanea e nei maggiori musei del mondo.
PATRICIA MOISAN (Washington DC, USA). Le sue opere sono colore puro, pigmento mescolato a pittura e resine, su un telaio metallico sottilissimo. La superficie è spugnosa, la luce vi penetra in modo non uniforme. Il colore è qualcosa di definitivo, oltre al quale non si può andare; siamo nell’ambito del sublime, al punto massimo del percettibile e del conoscibile. La purezza è tale che ci si rende conto che tutti gli altri colori sono contaminati, non ci danno la sensazione di aver raggiunto il limite.
PHIL SIMS (Richmond, California, USA). Il colore dei lavori esposti avvolge il visitatore facendolo entrare fisicamente e mentalmente in questi frammenti di mondo. I colori ci arrivano in modo diretto, con una materialità data dalla quantità di strati di colore e dalla fisicità delle pennellate. Più spesse e visibili nei primi quadri, sempre più impercettibili, quasi scomparse, negli ultimi. Quando l’artista si ferma, l’opera è completa: la materia si è trasformata in idea.

Museo Civico di Palazzo della Penna
STUART ARENDS (Waterloo, Iowa, USA). Un artista grande, grande che fa dei cubi piccoli, piccoli e più sono piccoli, più sono grandi. Vive in mezzo al deserto del New Mexico, lontano dalla confusione e dalla gente, immerso nella natura selvaggia dove luce e spazio sono i suoi unici vicini. Ogni opera sia che sia su legno, cartone o acciaio, ha cinque facce dipinte e, spesso, ricoperte di cera. La loro bellezza sta nella composizione e nell’uso del colore.
ROBERT BARRY (New York, USA). È considerato uno dei pionieri dell’arte concettuale. La letteratura è fatta di parole e così pure tutte le informazioni che riceviamo: Barry le smaterializza facendole diventare prive di corpo, la loro funzione finisce e diventano rappresentazione di un gran numero di cose o di nessuna allo stesso tempo.
JAN DIBBETS (Weert, Olanda). È un grande osservatore della realtà. Usa la fotografia, senza prospettiva, rendendo la natura e la registrazione del tempo uniche protagoniste dei suoi lavori. Le immagini, depersonalizzate dalla macchina fotografica, diventano piatte e rappresentano ognuna un episodio distinto.
DAN FLAVIN (New York, USA). È un artista che ha lavorato in maniera magistrale con la luce. Ogni opera è un’esperienza differente a seconda di come le lampade fluorescenti di diversi colori, vengono affiancate o installate. Devono essere guardate in silenzio: sono arte religiosa, senza simboli, senza riti in diretto contatto con il soprannaturale. La sua arte è pura energia che può essere anche definita arte del subconscio.
RUTH ANN FREDENTHAL (Detroit, Michigan, USA). Le sue opere sembrano monocrome, sono un susseguirsi di strati di differenti colori. La stessa superficie è divisa in zone, ciascuna con una quantità di colore diversa dall’altra. Questo modo di riempire la tela, produce sul visitatore una strana sensazione: da ogni quadro esce una luce differente, in base all’angolazione. I colori sono freddi, di primo acchito non attraggono, ma più li si guarda più se ne resta affascinati.
HAMISH FULTON (Londra, UK). È uno dei pochi artisti europei della Collezione Panza. Grande amico di Richard Long, anche Fulton è amante della natura e degli spazi incontaminati che ci mostra attraverso grafiche e fotografie che raccontano i suoi itinerari. L’amore per la natura è un tema molto presente tra gli artisti di questa generazione. Un amore poi svanito e rappresentato nella distruzione della natura stessa. L’uomo non è più felice e non sa più godere delle bellezze che lo circondano.
RON GRIFFIN (Pomona, California, USA). Un artista che riproduce oggetti trovati nel deserto, dalle carte di caramelle, ai pacchetti di sigarette, alle cannucce, a pezzi di lettere volate via o buttate. Tutto quello che appartiene alla nostra esistenza, o meglio all’esistenza di qualcun altro, diventa un’opera. Il tempo, lo spazio, la vita, le passioni, divengono il soggetto dei suoi lavori, riprodotti quasi fedelmente in modo un po’ astratto, nascoste qualche volta sotto uno strato di lacca, come a salvaguardarle e far sì che non volino via un’altra volta.
DAVID GOERK (New Jersey, USA). La sua arte è costituita da oggetti piccoli, alcuni quasi invisibili, altri coloratissimi, minute sculture astratte che non hanno relazione con elementi della vita quotidiana. Sono discreti, non hanno bisogno di grandi spazi, ma hanno una componente emotiva molto forte.
JOSEPH KOSUTH (Toledo, Ohio, USA). È un artista concettuale che lavora con le parole. Nelle sue opere ci mostra la differenza tra l’oggetto, la sua definizione e la sua immagine, e la visualizzazione di questa operazione è l’opera d’arte. La fotografia delle pagine del vocabolario sono le definizioni più esatte per identificare le parole scritte. Il titolo “Art as idea as Idea”, asserisce la supremazia dell’idea sull’oggetto e il ruolo centrale che il linguaggio gioca nella produzione dell’opera d’arte.
TIMOTHY LITZAMNN (Victoria, Texas, USA). La componente fondamentale dei suoi lavori è lo studio delle possibilità espressive del colore. Non dipinge la superficie dei quadri ma il retro, il colore viene filtrato da uno strato di plexiglass molto sottile e il tutto viene racchiuso nei bordi dipinti con colori in netto contrasto con quelli dei quadri. Le sue superfici sono leggere, i colori vengono diluiti, si mescolano alla luce, perdono fisicità.
EMIL LUKAS (Pittsburg, Pennsylvania, USA). La sua arte dialoga con la natura, una natura manomessa dall’uomo e dal suo pensiero. Le sue opere spesso sembrano sporche, e il contrasto con il bianco del gesso, fa risaltare questa sensazione. Ogni opera è una scoperta. Sono fragili, delicate, vanno mosse con molta cautela ed è proprio questa fragilità che simboleggia quella del nostro mondo e della nostra vita.
GREGORY MAHONEY (Los Angeles, California, USA). Le sue sculture di ferro arrugginito sono il risultato di lunghe giornate passate nella Death Valley. Una zona desertica al confine con il Nevada. Mahoney è un contemplativo. Tutto quello che raccoglie è frutto dell’erosione del tempo, della luce, del vento, del mare che non c’è più. Un altro luogo esplorato, non lontano, è il deserto di sale, perfettamente bianco. In autunno con le piogge si riempie d’acqua che poi evapora con l’estate. Il sale, il blu del cielo e dell’acqua, il colore rossastro della terra, il ferro arrugginito, sono i materiali usati da Mahoney per omaggiare la grande bellezza della natura.
RICHARD NONAS (New York, USA). È uno scultore minimalista. Le sue opere sono principalmente delle barre di ferro così come escono dalle fonderie, il termine ultimo di un processo di riduzione, oltre al quale non è possibile andare. Nonas era un antropologo prima che un artista e per molti anni ha vissuto con i nativi americani studiandone i comportamenti. Alla base di tutti i suoi lavori vi è uno studio profondo che mira alla ricerca della natura primordiale dell’essere umano.
ROBERT RYMAN (Nashville, Tennessee, USA). È un pittore minimal. Un artista che trasmette tutta la sua tensione ed emozione attraverso l’uso del pennello. Il primo gesto è quello che condizionerà tutto quello che verrà dopo. L’arte di Ryman è la più realistica, nessuno riesce a esprimere in modo più diretto la nascita delle idee e le emozioni all’interno del nostro cervello.
JONATHAN SELIGER (New York, USA). Riproduce oggetti di vita quotidiana, usando la tela e qualche volta le t-shirt bianche impregnate di colle e poi dipinte. Un altro modo per far resuscitare ciò che viene usato e spesso buttato, come le scatole delle scarpe, i biglietti della tintorie, i contenitori del latte e delle aranciate, o quando riproduce in modo scherzoso ma quasi identico buste, sacchetti, cestini.
SEAN SHANAHAN (Dublino, Irlanda). La sua pittura è densa, compatta, il colore è come qualcosa che assorbe il visitatore e la luce. Non vi è emotività nei suoi quadri, ma si è attratti dalla forza dei colori così netti e pesanti. Le sue opere sono vera sostanza.
PETER SHELTON (Troy, Ohio, USA). È un artista che esplora la qualità intrinseca dei materiali. Crea delle forme vitali, spesso antropomorfe. Sono quasi tutte in vetro resina: la trasparenza di alcune crea una certa ambiguità riuscendo a donare a soggetti moderni una connotazione quasi rinascimentale.
ETTORE SPALLETTI (Cappelle sul Tavo, Abruzzo, Italia). Un artista super raffinato, dai colori rinascimentali che vanno dall’azzurro, al rosa, al bianco, al lilla, al grigio, con contorni in oro o in argento. Quando diventa scultore, la ricerca del materiale migliore e la sua esecuzione assolutamente perfetta, rendono queste opere delle vere icone. È un’arte spirituale: le opere sono quasi sospese in un’altra dimensione e noi con loro. La loro materia sembra non essere di questo mondo.
FRANCO VIMERCATI (Milano, Lombardia, Italia). Un uomo di grande cultura e sensibilità. Le sue immagini sono la negazione dello spettacolare dove il bianco e il nero della stampa vengono usati magistralmente. Riproduce con un iperrealismo solo gli oggetti della sua casa riuscendo a dare, attraverso l’obiettivo, un’anima a ogni piccola cosa, anche alla più modesta, facendola rinascere.
LAWRENCE WEINER (New York, USA). Usa solo parole, parole scritte una dietro l’altra, spesso senza un nesso, qualche volta riferite a happenings da lui filmati. Le parole hanno vari significati che cambiano a seconda di quelle che le accompagnano, senza legami acquistano una loro libertà. Weiner usa la parola per comporre piccole frasi senza un significato preciso, senza una funzione letteraria. Non esiste il reale senza un pensiero che lo preceda.

Catalogo Fabrizio Fabbri Editore//Pagine 208//Lingua Italiano e inglese//Prezzo Euro 35,00 

INGRID BERGMAN - MOMA, NEW YORK

INGRID BERGMAN
curated by Dave Kehr and Sophie Cavoulacos
The Museum of Modern Art - MoMA
11 West 53 Street 212 - New York
August 29–September 10, 2015

August 29 marks the 100th anniversary of Ingrid Bergman’s birth, an occasion MoMA will observe with a selection of films from her 50-year career—as chosen and, where possible, introduced by her children Pia Lindstrom, Roberto Rossellini, Jr., Isabella Rossellini, and Isotta Ingrid Rossellini.
The emotional transparency of Bergman’s performing style blended with her great natural beauty to create a different kind of movie star. When she arrived in America, in 1939, to star in a remake of her 1936 Swedish film Intermezzo, the producer David O. Selznick recognized in the 24-year-old a new freshness and accessibility—a radical break with the artificially elaborate notions of “glamor” that had been synonymous with female stars in Hollywood since the late silent era. In films like Casablanca (1942), Gaslight (1944) and Notorious (1946), Bergman seemed to speak directly to her public, cutting through melodramatic conventions.
Bergman’s search for authenticity eventually led to Italy, where she made five features with the pioneering Neorealist director Roberto Rossellini, a body of work now recognized as one of the foundations of modern cinema. After her relationship with Rossellini ended, Bergman continued to work with some of the medium’s most creative filmmakers. Her last theatrical film, Ingmar Bergman’s Autumn Sonata (1978), brought her back to her native Sweden.

Image: Stromboli. 1950. Italy/USA. Directed by Roberto Rossellini. Courtesy The Museum of Modern Art Film Stills Archive.