lunedì 11 aprile 2016

ISA GENZKEN: MAKE YOURSELF PRETTY - MARTIN GROPIUS BAU, BERLIN




ISA GENZKEN
MAKE YOURSELF PRETTY
Martin Gropius Bau
Niederkirchnerstraße 7 - Berlin
9/4/2016 - 26/6/2016

Isa Genzken (1948) is one of the most remarkable and radical artists of our time. The exhibition presents the broad spectrum of Genzken’s work, from her early films, drawings, ellipsoids and concrete sculptures to complex narrative collages and everyday items integrated into montages. The presentation highlights topics such as modernity, the human body, portraits, city culture and architecture. Genzken has earned international renown with her profound work. Her diverse works represent one of the most important contemporary stances of our time. Her oeuvre is now comprehensively on show in Berlin for the first time.
As an artist, Isa Genzken is prepared to risk it all in her quest for artistic regeneration. In her radical manner she develops diverse works, which are concerned with the topic of beauty in the sense of the essential and absolute.
Based on the category of sculpture, her work distinguishes itself through the constant and further development of imagery and unlimited use of media and materials. In the 1970s, she produced sculptures designed on the computer, and thereby referred back to American minimalism and conceptual art. Starting from the long, elegantly slender wooden sculptures, so-called “ellipsoids” and “hyperbolos,” one radical step followed another: sculptures made from bare plaster or concrete, collaged books, complex narrative assemblages of industrially produced materials and everyday items, various film formats, photography, paintings, architectural models and outdoor sculptures.
Her art is playful and sometimes brightly-coloured but anything other than superficial. With her feel for materials and their arrangements she creates pieces that make you think. Her power of innovation and her ideas are rich in autobiographical elements and subtle comments on society, and they serve as a point of reference and source of inspiration for generations of artists.
  

GALLERIE MILANESI TRA LE DUE GUERRE - FONDAZIONE STELLINE, MILANO




GALLERIE MILANESI TRA LE DUE GUERRE
a cura di Luigi Sansone
Fondazione Stelline
corso Magenta 61 - Milano
25/2/2016 - 22/5/2016

Dal 25 febbraio al 22 maggio 2016 alla Fondazione Stelline saranno esposti dipinti e sculture che riportano alla luce la vita culturale e la vivacità artistica delle gallerie milanesi nel ventennio successivo alla “Grande Guerra”. La mostra “Gallerie Milanesi tra le due guerre”, curata da Luigi Sansone, permette di riscoprire una Milano artistica di grande fermento e richiamo internazionale.
Il periodo storico-artistico preso in esame in questa mostra passa in rassegna l’attività delle principali gallerie milanesi che tra il 1919 e il 1939 diedero prova di grande vitalità culturale; presso le loro sedi infatti si tennero mostre di artisti che spaziavano dal tardo Ottocento al Futurismo, dal Gruppo Novecento all’Astrattismo, dall’Aeropittura al Chiarismo per giungere al movimento Corrente.
Nel periodo storico tra le due guerre Milano vive un momento di fervida attività culturale, con un forte riflusso della figurazione che seguiva la rivoluzionaria esperienza dei Futuristi. Storiche gallerie – come Pesaro, Bardi, Scopinich, Milano, Salvetti, Dedalo, Bottega di Poesia, Il Milione, Barbaroux, Micheli, Gussoni, Centrale e Mostre Temporanee – ospitavano artisti di diverse correnti: Balla, Carrà, Campigli, Casorati, de Chirico, de Pisis, Fontana, Funi, Guttuso, Kandinskij, Licini, Melotti, Prampolini, Rosai, Medardo Rosso, Savinio, Severini, Sironi, Usellini, Wildt e molti altri.
La mostra espone sapientemente dipinti, sculture e documenti facendo riscoprire ai visitatori una Milano artistica di grande richiamo internazionale, dove anche artisti come Kandinskij trovarono un terreno fertile per esprimersi.
Il percorso espositivo ricostruisce l’evolversi e il susseguirsi dell’arte italiana in tutti i suoi molteplici aspetti e offre visioni di cambiamento e proliferazione artistica a cui ancora oggi assistiamo. Vengono sottolineati momenti di primaria importanza del nostro passato, grazie ai quali si comprendono le radici artistiche e culturali delle eccellenze nazionali e internazionali.
Accompagna la mostra un esaustivo catalogo (Silvana editoriale) che raccoglie il saggio introduttivo del curatore della mostra, Luigi Sansone, oltre ai contributi critici di Elena Pontiggia e Nicoletta Colombo, e un’importante testimonianza di Gillo Dorfles. Il volume offre una ricca panoramica sulle opere in mostra, divise in sezioni, e una selezione di documenti, alcuni anche inediti.

PUBLISHING OF ARTISTIC PRACTICE - STERNBERG PRESS 2016




PUBLISHING OF ARTISTIC PRACTICE
edited by Annette Gilbert
Sternberg Press
March 2016

Texts by Hannes Bajohr, Paul Benzon, K. Antranik Cassem, Bernhard Cella, Annette Gilbert, Hanna Kuusela, Antoine Lefebvre, Matt Longabucco, Alessandro Ludovico, Lucas W. Melkane, Anne Moeglin-Delcroix, Aurélie Noury, Valentina Parisi, Michalis Pichler, Anna-Sophie Springer, Alexander Starre, Nick Thurston, Rachel Valinsky, Eva Weinmayr, Vadim Zakharov

What does it mean to publish today? In the face of a changing media landscape, institutional upheavals, and discursive shifts in the legal, artistic, and political fields, concepts of ownership, authorship, work, accessibility, and publicity are being renegotiated. The field of publishing not only stands at the intersection of these developments but is also introducing new ruptures. How the traditional publishing framework has been cast adrift, and which opportunities are surfacing in its stead, is discussed here by artists, publishers, and scholars through the examination of recent publishing concepts emerging from the experimental literature and art scene, where publishing is often part of an encompassing artistic practice. The number and diversity of projects among the artists, writers, and publishers concerned with these matters show that it is time to move the question of publishing from the margin to the center of aesthetic and academic discourse.

INA BLOM: THE AUTOBIOGREPHY OF VIDEO - STERNBERG PRESS 2016




INA BLOM
THE AUTOBIOGREPHY OF VIDEO
The Life and Times of a Memory Technology
Sternberg Press
April 2016

When artists first started to engage with the volatile and ephemeral forces of video technology, they were grappling with phenomena that seemed to undermine human concepts of control, design, and memory—a technical corollary to avant-garde ideas of undoing authorial mastery and entering new media reality.
In this innovative text, Ina Blom traces the autobiography of video as enacted in the field of early analog video art. She documents, among other things, the becoming of video through the framework of painting, its identification with biological life, its exploration of the outer limits of technical and mental time control, and its construction of new realms of labor and collaboration. This is a book about technology and social memory in the field of twentieth-century art.

This is a phosphorescently brilliant exploration of the birth and life of video. In the times when electronic media meant the flow of televisual signals, video became a uniquely glimmering force of idiosyncratic memory and the ordination of time. Blom’s focused beam of histories and ideas superlatively traces the crackling and flickering scanlines of this new reality as it came into being in art.
—Matthew Fuller, author and professor at the Centre for Cultural Studies, Goldsmiths, University of London

With this extraordinary study, early video has finally found its chronicler. Invaluable not only for its perspicacious genealogy of media-art practice, but for its inspired historiographic gambit, wherein both art and history are reimagined in light of contemporary media archaeology.
—Andrew V. Uroskie, author of Between the Black Box and the White Cube: Expanded Cinema and Postwar Art

JOHANNA BILLING: KEEPING TIME - MUSEO DI VILLA CROCE, GENOVA




JOHANNA BILLING
KEEPING TIME
a cura di Ilaria Bonacossa
Museo d'Arte contemporanea di Villa Croce
via Jacopo Ruffini 3 - Genova
11/4/2016 - 12/6/2016

Villa Croce presenta Keeping Time, la prima mostra personale di Johanna Billing in un museo italiano. Johanna Billing si è affermata sulla scena internazionale per la sua capacità di tessere insieme musica, movimento e ritmo in video sospesi tra il documentario e la fiction. Le sue ipnotizzanti video-installazioni, (installate in loop), mettono in scena sullo sfondo di ambientazioni quotidiane persone, spesso giovani, intente in semplici attività coreografiche per offrire interpretazioni stratificate della storia sociale e politica di determinati luoghi. I personaggi, interpretando liberamente se stessi, animano questi film performativi che mettono in discussione il ruolo autoriale del regista. Appropriandosi, attraverso un rigoroso linguaggio cinematografico, delle modalità produttive di workshop e di eventi live, l’artista in parte dirige i partecipanti e in parte attiva una serie di improvvisazioni corali su un canovaccio da lei scritto. Per rivelare aspetti pubblici e privati della società contemporanea Billing lavora sulla capacità della performance di indagare specifiche realtà culturali.
Keeping Time, concepita appositamente per gli spazi di Villa Croce, ripercorre gli ultimi quindici anni della carriera di Johanna Billing attraverso quattro film ambientati in luoghi diversi (Oslo, Norvegia; Pulheim, Germania; Roma; Iasi, Romania). Questi lavori illustrano come la sua ricerca artistica sia riescita a coniugare i mondi del cinema, della musica e della performance. I suoi film sono, infatti, il risultato di una produzione meticolosa, in cui al suono viene dato lo stesso valore che alle immagini, attraverso la messa a fuoco di gesti minimi e dettagli insignificanti che si sviluppano intorno all’azione principale. La musica ricopre quindi un ruolo fondamentale (in passato Billing ha lavorato come giornalista musicale, fondando nel 1998 l’etichetta discografica Make it Happen), trasformandosi nel mezzo di condivisione empatica della memoria emotiva. Nel suo preciso processo di post-produzione, che può durare fino a due anni, Johanna Billing riserva sempre un’importanza particolare al tempo e al suo scorrere costruendo i sui film attraverso il ritmo poetico dei movimenti.
Keeping Time (Tenere il Tempo) vuole evocare il ritmo che scandisce una performance musicale così come la possibilità di catturare lo scorrere del tempo attraverso le immagini. Sostituendo i dialoghi narrativi con il linguaggio corporeo e con la musica, i lavori dell’artista acquisiscono un potere seduttivo universale che le permette di reinterpretare intuitivamente i codici della comunicazione di massa. In occasione della mostra Johanna Billing pubblicherà, in sostituzione del catalogo, il nuovo vinile LP Pulheim Jam Session 2016; sul cui lato A sarà incisa la colonna sonora improvvisata dalla musicista svedese Edda Magnason, mentre il lato B riprodurrà i suoni di sottofondo del “backstage” del film. Il titolo di questo video nasce da un gioco di parole in cui la parola ‘jam’ evoca l’ingorgo stradale (traffic-jam) messo in scena dall’artista, così come la jam session di musica jazz improvvisata al pianoforte come concerto e colonna sonora del film. “Un traffic jam è in un certo senso lo spreco di tempo più tremendo a cui possiamo pensare e certamente non un evento a cui sceglieremmo di partecipare di proposito” scrive Johanna Billing “è stata una sfida riuscire a trasformarlo in qualcosa di completamente opposto – come una parata, forse, una sorta di silenzioso e inaspettato festival popolare”.

Johanna Billing, nata nel 1973 a Jönkoping in Svezia, ha frequentato l’International College of Arts, Crafts and Design di Stoccolma dove vive e lavora con video, film e performance dalla sua laurea conseguita nel 1999. Tra le sue recenti mostre personali ricordiamo: Pulheim Jam Session, Hollybush Gardens, Londra (2014); I’m Gonna Live Anyhow until I Die, The Mac, Belfast (2012); I’m Lost without your Rhythm, Modern Art Oxford; Moving In, Five films, Grazer Kunstverein, Graz (2010); Tiny Movements, ACCA, Melbourne; I’m lost without your rhythm, Camden Art Centre (2009); Taking Turns, Kemper Museum, Kansas City; This is How We Walk On The Moon, Malmö Konsthall, Malmö (2008); Forever Changes, Museum für Gegenwartskunst, Basel; Keep on Doing, Dundee Contemporary Arts, Dundee (2007). Ricordiamo anche la sua partecipazione alla Triennale di Auckland (2010), Documenta 12 (2007), Biennale di Singapore (2006), Biennale di Istanbul (2005), Biennale di Mosca (2005) e alla Biennale Internazionale d’Arte di Venezia (2003).

Filmografia
Pulheim Jam Session, 22’40’’ (loop), 2015
I’m Gonna Live Anyhow Until I Die, 16’29’’ (loop), 2012
I’m Lost Without Your Rhythm, 13’29’’ (loop), 2009
This Is How We Walk on the Moon, 27’20’’ (loop), 2007
Another Album, 28’12’’ (loop), 2006
Magical World, 6’12’’ (loop), 2005
Magic and Loss, 16’52’’ (loop), 2005
Look Out!, 5’20’’ (loop), 2003
You Don’t Love Me Yet, 7’43’’, 2003
Where She Is At, 7’35’’ (loop), 2001
What Else Do You Do?, 5’00’’, 2001
Missing Out, 3’14’’ (loop), 2001
Project for a Revolution, 3’14’’ (loop), 2000 Graduate Show, 3’20’’, 1999

Discografia
Pulheim Jam Session, LP: Apparent Extent, 2016
I’m Gonna Live Anyhow Until I Die, LP: Apparent Extent, 2013 (AE018)
I’m Lost Without Your Rhythm, LP: Apparent Extent, 2009 (AE008)
This Is How We Walk on the Moon, LP: Apparent Extent, 2008 (AE006)
Another Album, LP: Hollybush Gardens, 2007
Original Film Soundtracks, LP: Apparent Extent, 2007 (AE004)
You Don’t Love Me Yet, CD: Index, Fondazione di Arte Contemporanea Svedese/NIFCA, Nordic Institute for Contemporary Art, 2003

sabato 9 aprile 2016

JOHN LATHAM: THE SPRAY PAINTINGS - LISSON GALLERY, LONDON




JOHN LATHAM
THE SPRAY PAINTINGS
Lisson Gallery
52 Bell Street - London
1 April – 7 May 2016

“No one has seen any point in shooting a spray gun on a white surface, but to my question it held a dizzy promise.”
-- John Latham, 1968

A decade after his death, the visionary Conceptual artist John Latham (1921–2006) remains a vital force and influence. Coinciding with a trio of museum exhibitions that reveal his exceptional legacy, Lisson Gallery presents its seventh solo show of Latham’s work, focusing on an aspect of his practice that revolutionised the artist’s outlook: the spray painting.
Far more than just a medium, spray painting was a discovery that proved revelatory. Latham acquired a spray gun in 1954 from a local ironmonger shop and later that year executed his first piece with the device: a mural in the home of Clive Gregory and Anita Kohsen, two scientists whose concept of ‘psychophysical cosmology’ – a theory that aimed at unifying mind and matter – was to have a profound impact on the artist’s own philosophy. For Latham, the qualities of spray paint opened new approaches to form by breaking through the impasse contemporary painting had reached and allowing the convergence of art and science: “It destroys the picture plane in a legitimate way where contemporaries were at such pains to establish that plane,” he later explained. “It is both abstract and referential in ‘image’. It has a variable time-scale where the orthodox approach was very limited; it is anti-scale, where contemporaries were obsessed with the effect of large-scale presentations; it can be ‘read’ in several ways, as, a mathematics and as a memory trace.”
The exhibition begins with a very early spray painting work, the monochrome Sleep (1955), in which a heterogeneous range of marks suggests a reclining female. Combining emulsion with spray painting and blending paint with chance, the piece oscillates between abstraction and figuration, its fluid form conveying feelings and traces. One of Latham’s later works, a ‘roller’ painting made in the mid-’60s, will also be on show – a large, delicate work which features faint bands of colour set among areas of empty space. Executed on unprimed canvas and attached to rollers, it differs from conventional painting by exploring the question of time: the near-invisible tiny dots made by the gun hover on the verge of existence, suggesting “a coming into being” when they accumulate with others; and by rolling the canvas up and down, Latham was able to make painting a temporal exercise in a process analogous to memory, aimed at exemplifying the experience of past, present and future.
Moreover, spray painting made it possible for Latham to assign various time-signatures to his paintings, mechanically making the effect of time visible (through the direct correlation between how long the trigger was held and the mark made). This idea was carried to its logical conclusion in the instantaneous Noit (One second Drawing) series he made in 1970, each piece created according to a set of instructions and presented together with a “time/operator” stamp recording the exact date and time of their production. In doing so, Latham restated as economically possible his conception of ‘least event’, describing the drawings as “the primitive event from which one could derive a picture of the world event…. It is the temporal just as much as the spatial that gives the mark significance.”
The exhibition will also include works that draw from Latham’s 1966 Niddrie series, which the artist created as part of an APG project in Scotland, where he designated derelict ‘bings’ – shale heaps from the early oil industry located between Edinburgh and Glasgow – as artworks. This theme later resurfaced in the 1990s as part of a series of works, three of which will be on display at Lisson Gallery. These works adopt the spray painting technique, staining both mounted and unmounted canvas in red, the colour of shale.
On the eve of the closure of Flat Time House, Latham’s legacy is being celebrated in the exhibition ‘A Lesson in Sculpture with John Latham’ at the Henry Moore Institute which presents his work in conversation with sixteen sculptures by artists working across the twentieth and twenty-first centuries (24 March – 19 June); and the group shows ‘KALEIDOSCOPE: The Indivisible Present’ at Modern Art Oxford (6 February – 16 April) and ‘Conceptual Art in Britain: 1964-1979’ at Tate Britain (12 April – 29 August).

STUDIO AZZURRO: IMMAGINI SENSIBILI - PALAZZO REALE, MILANO




STUDIO AZZURRO
IMMAGINI SENSIBILI
Palazzo Reale
piazza Duomo 12 - Milano
08/04/2016 - 04/09/2016

Non una semplice mostra, ma un’esperienza polisensoriale che racconta i 35 anni di Studio Azzurro, da sempre un punto di riferimento nazionale e internazionale della creazione artistica legata alle nuove tecnologie.
La mostra Studio Azzurro. Immagini sensibili – ospitata a Palazzo Reale di Milano dal 9 aprile fino al 4 settembre 2016 – è promossa dal Comune di Milano-Cultura, prodotta e realizzata da Palazzo Reale e Studio Azzurro con la collaborazione di Arthemisia Group: un’esposizione fatta di suggestive e poetiche installazioni che hanno segnato la storia dell’arte contemporanea.
Decine di proiettori, monitor, touchscreen e sensori inglobati dall’”ambiente sensibile” con l’intento di rendere il visitatore attore protagonista mentre si muove all’interno di uno spazio che reagisce alla sua presenza e ai suoi gesti.
Sono moltissime le opere realizzate da Studio Azzurro dal 1982 a oggi, e ora Milano rende omaggio a questo straordinario laboratorio di ricerca, riproponendo una parte significativa dell’intenso lavoro che ha portato alla produzione di innumerevoli videoinstallazioni interattive e “ambienti sensibili”, di numerosi “musei di narrazione”, di film e spettacoli teatrali.

L’iniziativa fa parte del programma di Ritorni al futuro, il palinsesto culturale pensato per la primavera 2016 dal Comune di Milano che propone oltre cento appuntamenti tra mostre, concerti, spettacoli teatrali, proiezioni cinematografiche e incontri, con l’obiettivo di portare al centro della riflessione pubblica l’idea di futuro che abbiamo oggi, confrontandola con quelle che hanno abitato il pensiero creativo in altre stagioni della storia.