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TINTPORETTO - SCUDERIE DEL QUIRINALE, ROMA

2012-02-25T22:35:00.002-08:00

TINTORETTO
a cura di Vittorio Sgarbi
Commissario Generale: Giovanni Morello
Coordinamento scientifico: Giovanni C. F. Villa
Scuderie del Quirinale
via XXIV Maggio 16 - Roma
dal 24/2/2012 al 10/6/2012

Jacopo Robusti (o Canal) detto il Tintoretto(1519-1594) è l'unico tra i grandi interpreti della pittura italiana del Cinquecento a non aver avuto fino ad ora, in Italia, una mostra monografica significativa. Se si esclude quella tematica, dedicata ai Ritratti, tenuta a Venezia nel 1994, l'ultima mostra sul grande maestro veneto risale al 1937, anche per l'obiettiva impossibilità di spostare i grandi teleri veneziani.
La mostra delle Scuderie del Quirinale si inquadra in quell'ampio programma di rivisitazione degli artisti che hanno reso unica la storia artistica del nostro paese: da Botticelli ad Antonello da Messina, da Bellini a Caravaggio e, più recentemente, a Lorenzo Lotto e Filippino Lippi.
Il percorso espositivo si concentra sui tre temi principali della pittura di Tintoretto: quello religioso, quello mitologico e la ritrattistica. Un'esposizione rigorosamente monografica, dunque, suddivisa in sezioni di poche opere scelte e capolavori indiscussi, che si apre e conclude presentando i due autoritratti, il giovanile del Victoria & Albert Museum di Londra e il senile del Louvre di Parigi. Sebbene in competizione con Tiziano, infatti, anche i suoi contemporanei gli riconobbero un "perfettissimo giudizio nei ritratti" e dalle maggiori collezioni internazionali ne arriveranno a Roma dei più famosi.
In mostra anche lo spettacolare Miracolo dello schiavo dipinto nel 1548 per la Scuola Grande di San Marco, opera che lo imporrà prepotentemente come uno dei protagonisti della scena veneziana, per concludersi con la Deposizione al sepolcro (1594), del Monastero di San Giorgio Maggiore, forse l'ultima opera in cui è possibile riconoscere la mano del maestro. Nel percorso espositivo, inoltre, opere celebrate e famose: da quella che viene considerata una delle sue prime riconosciute, Gesù tra i dottori (1542), concessa dal Museo diocesano del Duomo di Milano, a celebri capolavori come la Madonna dei Tesorieri e il Trafugamento del corpo di San Marco, ambedue dalle Gallerie dell'Accademia, la Santa Maria Egiziaca e la Santa Maria Maddalena, della Scuola Grande di San Rocco, oltre un inedito e strepitoso confronto tra l'Ultima Cena della veneziana chiesa di San Trovaso e quella, di cinque anni più tarda, della chiesa di San Polo, a celebrare uno dei temi prediletti dalle Scuole del Sacramento.
Accanto ai grandi teleri di impatto drammatico e dalla stesura fulminea e densa di tensione, si presentano al visitatore le opere di soggetto storico o mitologico, di grande intensità emotiva come, per esempio, due dei 14 ottagoni, raffiguranti Apollo e Dafne e Deucalione e Pirra, ora nella Galleria Estense di Modena, realizzati nel 1541 per il soffitto di Casa Pisani o la splendida Susanna fra i vecchioni dal Kunsthistorisches di Vienna.
Grande novità della mostra è poi rappresentata dal commento, sotto forma di testi di sala, di Melania Mazzucco, la scrittrice che ha dedicato a Tintoretto e allo studio del suo ambiente numerosi romanzi e pagine indimenticabili. Il suo racconto accompagnerà, infatti, il visitatore passo dopo passo, sala dopo sala.
Una mostra volutamente raccolta, dunque, di circa 40 dipinti (cui si affiancherà una sezione dedicata all'ambiente artistico contemporaneo al maestro veneziano) tutti di altissima qualità, provenienti da musei e collezioni internazionali, capaci di fornire al grande pubblico un approccio sintetico e significativo al percorso artistico di Jacopo Tintoretto. Quel 'praticon di man' come ebbe a definirlo una volta per sempre il critico d'arte suo conterraneo Boschin 'ma senza per nulla intendere diminuirlo', come sottolineava a sua volta il grande Longhi che lo descriveva come 'di natura geniale, grande inventore di favole drammatiche da svolgersi entro coreografie di luci ed ombre vibranti... Uno spettacolo continuo.'

JOHN CHAMBERLAIN - GUGGENHEIM MUSEUM, NEW YORK

2012-02-25T22:34:00.000-08:00

JOHN CHAMBERLAIN
organized by Susan Davidson
Solomon R. Guggenheim Museum
1071 Fifth Avenue - New York
23/2/2012 - 13/5/2012

From February 24 to May 13, 2012, the Solomon R. Guggenheim Museum presents John Chamberlain: Choices, a comprehensive examination of the work of the late John Chamberlain and the first U.S retrospective since 1986. Comprising approximately one hundred works, John Chamberlain: Choices examines the artist’s development over a sixty-year career, exploring the shifts in scale, materials, and techniques informed by the assemblage process that was central to his working method. The exhibition presents works from Chamberlain’s earliest monochromatic iron sculptures and experiments in foam, Plexiglas, and paper, to his final large-scale foil pieces, which have never been shown in the United States. Chamberlain was first celebrated at the Guggenheim in a 1971 retrospective.
“One day something—some one thing—pops out at you, and you pick it up, and you take it over, and you put it somewhere else, and it fits. It’s just the right thing at the right moment. You can do the same thing with words or with metal,” Chamberlain has stated. Fit and choice have rightly become the guiding principles for Chamberlain’s work. His respect for the material’s inherent properties informs the multiplicity of his forms, the simplicity of his process, and the work’s complex underpinnings. The title of the Guggenheim’s exhibition pays tribute to the artist’s process of active selection, or choosing, that is fundamental to his practice.
Born in 1927 in Rochester, Indiana, Chamberlain (1927-2011) briefly studied painting at the Art Institute of Chicago (1951–52), and at the avant-garde Black Mountain College (1955–56), near Asheville, North Carolina, where he credited his time with teachers including poets Robert Creeley, Robert Duncan, and Charles Olson among the greatest influences on his work. He rose to prominence in the late 1950s with energetic, vibrant sculptures hewn from disused car parts, achieving a three-dimensional form of Abstract Expressionism that astounded critics and captured the imagination of fellow artists. An inveterate rebel, Chamberlain also violated the formalist prohibition deriding the use of color in sculpture. He chose to adapt uncommon, recycled materials in his work such as the slick, industrial palette of defunct auto bodies.
Chamberlain moved to New York in 1956, where he developed his particular method of assemblage, first using small found metal parts that quickly became larger welded versions of bent and twisted steel. Although he was originally influenced by the compilation methods of David Smith (who also relied on welding found metal parts), Chamberlain’s work soon showed a preference for voluminous and spatial masses. His astonishing, balanced sculptures stressed the deep volumes and eccentric folds that he managed to achieve by squeezing or compressing the metal and then welding the disparate elements into highly developed, collage-like compositions.
Equally conversant in a variety of materials, Chamberlain had not solely restricted his medium to automobile parts. For a seven-year period beginning in 1965, he returned to painting, using an enamel automobile finish to produce highly glossed, small-format square pictures; he ventured into writing and directing 16 mm films; and, fueled by his interest in science, he began an investigation into unusual materials such as urethane foam, aluminum foil, paper bags, and mineral-coated Plexiglas. Later, printmaking and photography (using a wide-angle camera attached at hip level) entered his artistic repertoire.
In addition to Abstract Expressionism, throughout his career, Chamberlain had been associated with both Minimalism and Pop. His works composed of “crushed automobile parts” in bright colors resonated with America’s fascination with consumer car culture, accordingly aligning him with the contemporary work of many Pop artists whose focus was on the object. On the other hand, for Donald Judd and his compatriots, Chamberlain’s sculptures embodied the neutral, redundant, and expressively structured tenants of Minimalism that sought to remove objectivity, inexpressiveness, and the referential. The attempts to place Chamberlain in such various, conflicting categories acknowledge the artist’s elusiveness and singularity. His tireless pursuit of discovery, his curiosity, and his intuitive process distinguished him as one of the most important American sculptors of our time.
Since returning in the mid-1970s to metal as his primary material, Chamberlain limited himself to specific parts of the automobile (fenders, bumpers, or the chassis, for example). He added color to––or in some techniques, subtracting color from––the found car parts by dripping, spraying, and patterning on top of existing hues to often-wild effect. This liberation and deep exploration of color reference Vincent van Gogh and Henri Matisse, two artists whose color sense he greatly admires. Beginning in the late 1980s, Chamberlain began using the discarded tops of custom vans, cutting them into long ribbons that he left unfurled, crumpled into undulating bands, or rolled into dense rosettes. The scale of his work increased dramatically at this time, aided in part by a significantly larger studio space in Sarasota, Florida, in 1980, and ultimately on Shelter Island, at the far end of Long Island, where he worked until the last days before his death in December 2011.
Over the last three decades, Chamberlain worked in varying ways within his basic artistic equation, but as his work matured, he moved toward more aggressive manipulations of form and color and away from crashed-car renown. Perhaps not intentionally, the deep folds of Chamberlain’s sculptures resemble Renaissance drapery studies that imply the underlying presence of a figure, or conversely, a void. His works throughout the 1990s and first years of the twenty-first century became increasingly volumetric, if not baroque, in their massing of form and vibrant color choice. However, in the last five years, the artist embarked on the production of a new body of work that demonstrates a decided return to earlier concerns. Among the largest works he ever made, these confidently monumental bonfires of metal, with their stacks of mostly horizontal and vertical crushed and rolled metal are drawn from a supply of 1940s and 1950s automobiles. The works’ elegant refinements and exponentially complex renderings exemplify his long-held artistic philosophy, “it’s all in the fit.”

Exhibition Installation
The exhibition encompasses John Chamberlain’s full range of sculptural production and is organized chronologically, spiraling up the Frank Lloyd Wright–designed rotunda. Relief sculptures and assemblages installed on the walls and on the ramps create opportunities to experience the work two-dimensionally as well as in the round. Doomsday Flotilla (1982), a seven-part work of painted and chromium-plated steel, is on view in the High Gallery, and SPHINXGRIN TWO (1986/2010), an aluminum arc reaching up to 16 feet, is installed on the rotunda floor and marks the first time a work from this series has been shown in the United States. C’ESTZESTY (2011), a nearly 20-foot-tall work of painted and chromium-plated steel and stainless steel will be placed along the Fifth Avenue facade of the museum, allowing passersby a view from the street. A foam sculpture carved to resemble and serve as a couch for visitors, which occupied the rotunda floor during the 1971 retrospective, will be re-installed on Rotunda Level 6.

Catalogue
John Chamberlain: Choices is accompanied by a fully illustrated, 248-page catalogue offering a rich and thorough examination of the artist’s work and career. In addition to an introductory essay by exhibition curator Susan Davidson that explores Chamberlain’s early career and underlying scientific approach to his art, the book features a historic overview of Chamberlain’s work by art critic and author Dave Hickey. An essay by art historian Adrian Kohn reviews the scholarly literature produced thus far on Chamberlain’s work and examines the ways in which language is used to describe the artist’s works. In a reflective piece about abstract sculpture, Conceptual artist Charles Ray considers Chamberlain’s influence on younger artists, and Donna De Salvo, Whitney Museum of American Art chief curator and deputy director for programs, considers the artist’s photography in relation to sculpture. Solomon R. Guggenheim Museum assistant curator Helen Hsu contributes the first in-depth chronology produced for the artist, including a complete exhibition history, and independent scholar Don Quaintance offers a lexicon providing background and context for Chamberlain’s witty and imaginative titles. The catalogue is available in hardcover ($65) and softcover ($45) editions at the Guggenheim Store or online at guggenheimstore.org, and is distributed to the trade by Artbook | D.A.P and Thames & Hudson.

FRANCA D'AGOSTINI: I MONDI COMUNQUE POSSIBILI - BOLLATI BORINGHIERI 2012

2012-02-25T22:32:00.002-08:00

FRANCA D'AGOSTINI
I MONDI COMUNQUE POSSIBILI
Logica per la filosofia e il ragionamento comune
Bollati Boringhieri, 23/2/2012
collana "Nuova didattica"

La logica, in un significato tradizionale ma ancora plausibile dell’espressione, è l’arte del ragionamento, ossia del processo per cui deriviamo conclusioni da premesse. Non sempre ce ne rendiamo conto, ma i ragionamenti (buoni o cattivi) guidano tutti gli istanti della nostra vita. Non è necessaria la logica per ragionare, ma a volte qualcosa non funziona, e un ragionamento che sembra ottimo in realtà nasconde un’insidia. In questo senso la logica, l’arte di distinguere i buoni ragionamenti, diventa di primaria importanza, specie in democrazia, in cui le parole, i discorsi, gli argomenti, decidono le scelte pubbliche, vincolanti per tutti. Facendo sempre riferimento al linguaggio naturale, e ricorrendo a una fitta esemplificazione tratta dall’esperienza comune (scientifica, politica, esistenziale, morale) Franca D’Agostini offre un’immagine della logica tecnicamente accurata, ma inedita: non come una rigida disciplina che ci vieta di pensare liberamente, ma come un variegato repertorio di regole classiche e non classiche, che ci orientano nell’esplorazione delle possibilità. Ragionare infatti, sottolinea D’Agostini, significa sempre valutare situazioni e mondi possibili: considerare ciò che esiste, e come potrebbe essere diversamente da come è. Ragionare bene significa allora aprire, rendere duttile e consapevole, la nostra considerazione del mondo. È questo il primo passo per diventare «filosofi», in un senso socratico del termine: ossia cittadini intellettualmente liberi, capaci di scelte critiche e innovative.

Franca D’Agostini insegna Filosofia della scienza al Politecnico di Torino e Logica ed epistemologia delle scienze sociali all’Università Statale di Milano. Collabora alla «Stampa», al «manifesto» e al «Fatto Quotidiano». Tra i suoi saggi: Analitici e continentali. Guida alla filosofia degli ultimi trent’anni (1997), Logica del nichilismo. Dialettica, differenza, ricorsività (2000), Disavventure della verità (2002), Le ali al pensiero. Corso di logica elementare (2003), The Last Fumes. Nihilism and the Nature of Philosophical Concepts (2008) e Paradossi (2009). Presso Bollati Boringhieri ha pubblicato Verità avvelenata. Buoni e cattivi argomenti nel dibattito pubblico (2010) e Introduzione alla verità (2011).

CHIARA BOTTICI, FILOSOFIA DEL MITO POLITICO - BOLLATI BORINGHIERI 2012

2012-02-25T22:31:00.002-08:00

CHIARA BOTTICI
FILOSOFIA DEL MITO POLITICO
Bollati Boringhieri, 23/02/2012
collana "Nuova cultura"

Secondo alcuni grandi modelli teorici, l’agire politico sarebbe un’interazione tra individui razionali guidata da procedure condivise di comunicazione e decisione. La prassi osservabile però smentisce tale paradigma, forse ideato per un mondo possibile, ma certo con scarsi riscontri in quello esistente. La storia del Novecento e la politica contemporanea offrono infatti esempi eloquenti del peso che l’elemento a-razionale esercita sull’azione collettiva. Simboli e miti appartengono a questa dimensione, ne sono anzi la sostanza stessa, anche se nelle società democratiche la loro dinamica talvolta è meno appariscente che nelle liturgie totalitarie o nelle ritualità delle comunità tradizionali a dominante religiosa. Al mito, in particolare, va riconosciuta una insostituibile centralità: potenza mobilitante che opera attraverso simboli, è l’oggetto privilegiato di schiere di studiosi, tanto da diventare – sostiene uno di loro – una sorta di specchio magico in cui ciascuno trova ciò che gli è più familiare, i linguisti un mondo di segni, gli psicologi il precipitato dell’inconscio, gli antropologi una narrazione atavica, i filosofi l’opposto del pensiero o la sua forma primitiva. Se una simile, specialistica proiettività ha alimentato una letteratura sconfinata, poco di rilevante è stato detto finora sul mito politico in sé. Chiara Bottici lo ripercorre dall’antichità a oggi e, all’interno del quadro sistematico del suo sviluppo, per la prima volta ne elabora una teoria non sussidiaria di altre discipline, oltrepassando la vecchia, e ormai inutilizzabile, opposizione tra bando illuministico e riabilitazione romantica. Nel bene e nel male, la politica non può fare a meno del mito, perché è il prodotto e il produttore di identità collettive. Si tratta allora di conoscerlo a fondo, per metterne a frutto la ricca significatività ed evitarne le sottili insidie.

Chiara Bottici ha insegnato Teoria politica alla Goethe Universität di Francoforte ed è attualmente assistant professor in Filosofia presso la New School for Social Research di New York. Tra i suoi saggi: Men and States. Rethinking the Domestic Analogy in a Global Age (2009), The Myth of the Clash between Civilizations (con Benoît Challand, 2010) e Imagining Europe. Myth, Memory and Identity (2011).

EMANUELE LUZZATI: L'INVENZIONE DELLA FORMA - MUSEO LUZZATI, GENOVA

2012-02-25T22:30:00.000-08:00

EMANUELE LUZZATI
L'INVENZIONE DELLA FORMA
dal design allo spazio urbano
Museo Luzzati
Porta Siberia - Porto Sntico - Genova
dal 23/2 al 6 maggio 2012

Emanuele Luzzati: l’invenzione della forma dal design allo spazio urbano, una mostra dedicata all’arte di Luzzati messa al servizio dell’uso quotidiano o sviluppata in extralarge, che esce dallo spazio del teatro, dalle pagine dei libri o dagli schermi cinematografici per occupare le piazze, le facciate delle case, i parchi.
Il percorso espositivo illustra e documenta le fasi di ideazione e realizzazione di grandi opere come il Parco del Flauto Magico di Santa Margherita e quello di Rio Gamberi a Castelnuovo Rangone, la progettazione e il decoro di un intero quartiere per Coriandoline di Correggio, senza dimenticare l’allestimento scenografico per Presepe di Piazza Castello e Piazza Carlo Felice di Torino o la grande parete trasparente piena di sue immagini e personaggi realizzata per l’Abbazia di Farfa. La mostra ripercorre poi attraverso bozzetti, fotografie e pezzi originali quel lavoro di arte applicata che Luzzati ha realizzato per luoghi e oggetti specifici: le piastrelle e i bassorilievi in ceramica per l’arredo di appartamenti, negozi, banche e portoni, le stoffe e gli oggetti realizzati per lo studio Firma o per Latte Tigullio

CARL OTTO HULTEN - MODEERNA MUSEET, MALMOE

2012-02-24T23:32:00.000-08:00

CARL OTTO HULTEN
Curators: Magnus Jensner and Thomas Millroth
Moderna Museet
Gasverksgatan 22 - Malmoe
25/2/2012 - 27/5/2012

CO Hultén has played a key role in Swedish art history. This exhibition, which spans several decades, focuses on his intense paintings, but will also feature works from CO Hultén’s extensive private collection of African sculptures and masks.
As a central figure in the avant-garde group Imaginisterna (The Imaginists), formed in 1945, CO Hultén has played a key role in Swedish art history. In 1948, he joined the Cobra group, which also included Asger Jorn.
In addition to featuring CO Hultén’s vibrant paintings, the exhibition will highlight Hultén’s career as a designer and founder of Image förlag. To put CO Hultén’s oeuvre in context, other artists will also be presented, including members of the Imaginists, Cobra and artists who exhibited at Galerie Colibri in Malmö or were closely associated with CO Hultén in other ways.
On the opening day of the exhibition, 25 February at 3 pm, curator Magnus Jensner and Thomas Millroth will give a guided tour of the exhibition. In Swedish.

GIANLUIGI TOCCAFONDO - CORRAINIMAMBO, BOLOGNA

2012-02-24T23:30:00.000-08:00

GIANLUIGI TOCCAFONDO
corrainiMAMbo artbookshop
via Don Minzoni 14 - Bologna
dal 25/2/2012 al 11/3/2012

In occasione di BilBolBul 2012 - Festival internazionale di fumetto, corrainiMAMbo artbookshop è lieto di ospitare la mostra di Gianluigi Toccafondo Rue Morgue.
Il Sedicesimo di Gianluigi Toccafondo, pittore, illustratore, cineasta di fama internazionale, propone al lettore un'incursione nelle cupe atmosfere ottocentesche evocate dal racconto di Edgar Allan Poe I delitti della Rue Morgue. Toccafondo reinterpreta uno dei testi più celebri del maestro del mistero, pubblicato per la prima volta nel 1841: un macabro duplice delitto in un appartamento parigino, feroce quanto inspiegabile, risolto soltanto dall'acume dell'investigatore Auguste Dupin.
Le sfumature lugubri del racconto sono trasposte in un inedito Sedicesimo in bianco e nero, costruito con veloci pennellate di china, tempere di diverse tonalità e sbavature di colore, che si affollano sulle pagine scandendo in immagini buie e concitate la torbida atmosfera del testo di Poe.
Con questo lavoro, realizzato per la rivista di Corraini "Un Sedicesimo", Gianluigi Toccafondo si accosta per la prima volta alla narrazione di una storia, illustrandola con le proprie tavole in maniera inedita e personale.
Al Corraini MAMbo artbookshop sono esposte le immagini in bianco e nero pubblicate nella rivista e alcuni disegni inediti della stessa serie.

Gianluigi Toccafondo nasce a San Marino nel 1965. Studia all’Istituto d’Arte di Urbino. Dal 1989 realizza cortometraggi di animazione, sigle televisive (Tunnel, Stracult), loghi animati per il cinema e spot pubblicitari (Fandango, Sambuca Molinari, Biennale di Venezia, Cineteca di Bologna), copertine e libri illustrati.
Nel 2007 è stato l’aiuto regista di Matteo Garrone per il film Gomorra. Nel 2010 realizza i titoli animati per il film Robin Hood di Ridley Scott.
Nel 2011 pubblica per Logos Pinocchio, un libro e un dvd di animazione in cui reinterpreta il classico di Collodi.
Espone le sue opere in importanti mostre e collabora a riviste culturali e d’arte. Suoi disegni sono stati pubblicati da: Fandango, Einaudi, Mondadori, Little More, Giunti, Pulcinoelefante, Salani, Feltrinelli. Ha collaborato con le riviste: "Linea d’ombra", "Lo straniero", "Internazionale", "Mano", "Abitare", "Teléma", "Macramè", "Diario". Vive a Bologna.

ANNA MARIA MONTEVERDI: NUOVI MEDIA, NUOVO TEATRO - FRANCO ANGELI 2011

2012-02-24T23:28:00.000-08:00

ANNA MARIA MONTEVERDI
NUOVI MEDIA, NUOVO TEATRO
Teorie e pratiche tra teatro e digitalità
prefazione di Oliviero Ponte di Pino
Franco Angeli, 26/8/2011
collana "Mediacultura. Saggi"

Nuove frontiere per il teatro si aprono grazie alle caratteristiche di immersione, integrazione, ipermedialità, interattività, narratività non lineare propri del sistema digitale: dall'evoluzione nel web delle performance alla creazione di ambienti teatrali interattivi, all'elaborazione di una nuova drammaturgia multimediale. Nella prospettiva di una networked culture il palcoscenico è solo uno dei possibili teatri dell'azione performativa: la scena può estendersi (spazialmente e temporalmente) in più ambienti interconnessi, dalle piattaforme multitasking dove diverse applicazioni possono operare contemporaneamente, alle community web e alle diverse reti telematiche, in una strategia di territorializzazione multipla che non ha precedenti. Il libro percorre le più fruttuose sperimentazioni italiane e internazionali (Dumb Type, Studio azzurro, Giardini Pensili, Fortebraccio teatro, Motus, Big Art Group, Robert Lepage, Xlabfactory) e le linee teoriche più avanzate relative ai media studies.

SAGOME INQUIETE - PANINI 2011

2012-02-24T23:27:00.000-08:00

ROBERTO ALESSANDRINI (a cura di)
SAGOME INQUIETE
Panini, 20/7/2011

Il tema dell’ombra affascina da sempre l’uomo e lo si incontra nelle arti figurative e letterarie di tutti i continenti. La cultura di massa e la “piccola stampa” non sono ovviamente rimaste immuni al fascino delle ombre, come dimostrano i materiali raccolti in questo volume, provenienti dagli archivi di Museo della Figurina di Modena: dalle ombre cinesi alle sagome grottesche ed espressive dei “Notgeld” il denaro d’emergenza della Repubblica di Weimar illustrato con storie popolari della città d’origine. E, ancora, ombre che rivelano la vera natura di chi le proietta, silhouette per lanterna magica e indovinelli visivi. Alle immagini si accompagna il testo critico del curatore Roberto Alessandrini, che inquadra il tema dell’ombra e delle silhouette nella storia dell’arte e della letteratura, collocando i materiali nel contesto storico e culturale che li ha prodotti. Completano il volume un excursus sull’ombra nei fumetti e le immagini e le immagini delle installazioni di Clemente Mingozzi, che ricostruiscono giochi di ombre e l’attrezzatura per realizzare le silhouette.

CARTABIANCA_BOLOGNA - MUSEO DI VILLA CROCE, GENOVA

2012-02-24T23:25:00.000-08:00

CARTABIANCA_BOLOGNA
a cura di Roberto Daolio, Massimo Marchetti e Anna Santomauro
progetto a cura di Silvia Cini
in collaborazione con Francesca Serrati
Museo d'Arte Contemporanea di Villa Croce
via Jacopo Ruffini 3 - Genova
dal 25/2 al 25/3/2012

Cartabianca è un progetto d’arte, temporanea e compartecipata, che si propone di interagire con gli spazi collaterali e i servizi offerti dal Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce per innescare dinamiche relazionali, che vadano a coinvolgere la città che lo ospita, intessendo relazioni con le principali città italiane, attraverso un ciclo di mostre volte a descrivere l’emergente e vitale nell’ambito dell’arte contemporanea.
Ad ogni città invitata aarà dedicata una mostra della durata di un mese in cui i curatori proporranno una loro visione di ciò che li circonda, intesa come curatela di opere o di progetti di artisti, in modo da fornire un’immagine personale e al contempo globale, quasi un’istantanea della città in cui si trovano ad operare.
Ad ogni tappa saranno legate conferenze dedicate alla città focalizzata e al percorso dei suoi artisti negli ultimi anni, oltre a tavoli di lavoro tra artisti curatori, critici ed operatori del contemporaneo per la progettazione di workshop, opere in site specific, residenze d’artista. Questi incontri ospiteranno interventi anche indiretti e inattesi di critici e artisti, oltre a quelli esposti, allo scopo di divulgarne l’opera, ma soprattutto di innescare una discussione tra i vari ambiti delle arti, portando confronto, scambio e la possibilità di avvicinare e connettere le università e accademie. La Biblioteca d’Arte Contemporanea Villa croce in collaborazione con la sezione didattica, ospiteranno e svilupperanno parte dei progetti, sottolineando il ruolo del museo come luogo che accoglie, stimola e legittima la ricerca in ambito culturale, punto di formazione e riferimento.
La prima fase cartabianca_bologna, con i curatori Roberto Daolio, Massimo Marchetti e Anna Santomauro, vede coinvolti undici artisti e gruppi: Alessandra Andrini, Emanuela Ascari, Claire Bosi, Giulia Cenci, Curandi Katz, Anna Ferraro, Antonello Ghezzi, Luciano Maggiore, Stefano W. Pasquini, Chiara Pergola, Emanuele Serafini.
Gli interventi, che andranno da progetti specifici a gesti minimi e piccoli spostamenti evitando, percorsi e modelli predeterminati, si costituiranno come operazioni di riqualificazione degli spazi collaterali del museo, ambienti non specificatamente deputati all’attività espositiva, ma elementi fondamentali per la vita del museo ponendo uno stimolo per innescare coinvolgimenti e costruire nuovi percorsi da condividere.

POSTMODERNISMO - MART, ROVERETO

2012-02-23T22:53:00.000-08:00

POSTMODERNISMO
Stile e Sovversione 1970 - 1990
a cura di Glenn Adamson e Jane Pavitt
MART
Corso Bettini 43 - Rovereto
dal 24/2/2012 al 3/6/2012

Il Mart presenta Postmodernismo. Stile e Sovversione 1970 – 1990 dal 25 febbraio al 3 giugno 2012, presso gli spazi del museo a Rovereto, sarà ospitata la mostra curata da Glenn Adamson e Jane Pavitt e organizzata dal Victoria and Albert Museum di Londra.
Si tratta di un’altra importante collaborazione tra il Mart e il prestigioso museo inglese, dopo la mostra Cold War-La guerra fredda 1945-1970 tenuta nel 2009.

Postmodernismo. Stile e Sovversione 1970 – 1990 è la prima rassegna completa sull’arte, l’architettura e il design degli anni Settanta e Ottanta, un periodo segnato dai controversi tentativi di definire i nuovi scenari culturali dopo le grandi stagioni delle avanguardie moderne.
Il centro tematico della nuova iniziativa espositiva è il concetto di Postmodernismo, sviluppato a partire dai primi anni Settanta nel dibattito architettonico europeo, per giungere poi a influenzare ogni settore della cultura, e in particolare le arti visive, l’industria musicale e cinematografica, la grafica e la moda. Si tratta di un nodo cruciale anche per le vicende culturali del nostro paese, che il Mart approfondisce e rilancia nell’edizione italiana del catalogo, con un testo dell’architetto Paolo Portoghesi.
La mostra prende spunto dall’analisi di una serie di idee radicali sviluppate in forte contrapposizione alle ortodossie del Modernismo: un ribaltamento dei concetti di purezza e semplicità, da sostituire con nuove forme e cromatismi, citazioni storiche, parodie, ma soprattutto con un nuovo senso di libertà associato all’architettura e al design. Tra i modernisti, non era raro che lo stile personale fosse considerato un aspetto secondario rispetto allo sforzo di realizzare un programma utopico. Per i postmoderni, viceversa, lo stile è tutto.

Postmodernismo. Stile e Sovversione 1970 - 1990 riunisce oltre 200 oggetti raccolti nei settori più disparati dell’arte, dell’architettura e del design.
In primo piano c’è il “design sovversivo” di Ettore Sottsass per lo Studio Memphis; la grafica di Peter Saville e Neville Brody; modelli e rendering architettonici come il disegno preparatorio di Philip Johnson per il grattacielo AT&T (1978) ; opere di Robert Rauschenberg, Cindy Sherman e Ai Weiwei; il busto in acciaio inossidabile di Luigi XIV del 1986 di Jeff Koons; la ricostruzione del monumentale lavoro di Jenny Holzer “Protect Me From What I Want” (1983-85); performance e costumi, tra cui il “Big Suit” indossato da David Byrne nel documentario “Stop Making Sense” del 1984; estratti da film come ”The Last of England” di Derek Jarman (1987); video musicali di Laurie Anderson, Grace Jones e i New Order; e anche oggetti soprendenti come i servizi di piatti progettati da architetti come Zaha Hadid, Frank O. Gehry e Arata Isozaki.
La mostra è divisa in tre aree cronologiche, che identificano alcuni degli aspetti chiave del Postmodernismo.
La prima parte è dedicata all’architettura, e mostra come riferimenti culturali “alti” e “bassi” siano mescolati per produrre un nuovo linguaggio critico, ideato per sottolineare le inadeguatezze storiche del Modernismo.
Sono gli anni cui Paolo Portoghesi, con la sua “Via Novissima” presentata alla Biennale di Venezia nel 1980, attua una rivoluzione molto discussa, proponendo la costruzione effimera di facciate architettoniche con le quali si mette in ombra l’assioma modernista del rapporto tra forma e funzione. Venti architetti internazionali progettano così, nel grande corridoio delle Corderie dell’Arsenale veneziano, un’immaginaria strada urbana: la “Via Novissima”, capace di raccogliere molte critiche e altrettanti consensi.
Il linguaggio degli architetti postmoderni esprime anche un rifiuto delle condizioni alienanti del capitalismo avanzato. Ecco allora architetti e designer come Aldo Rossi, e James Stirling, o ancora Ron Arad, Vivienne Westwood e Rei Kawakubo: il loro tratto comune è la tendenza ad assemblare frammenti di contenuti provenienti in gran parte dalle proprie memorie autobiografiche.
La parte successiva della mostra documenta la proliferazione del postmodernismo nel design, nell’arte, nella musica e nella moda durante gli anni Ottanta. Performers come Grace Jones, Leigh Bowery e Klaus Nomi si divertono a giocare con i concetti di genere – in tutti i sensi – creando ibridi e personalità artistiche sovversive.
La sezione offre una ricca selezione di installazioni audiovisive e di fotografie di moda come quelle di Guy Bourdin ed Helmut Newton. Si vedranno anche oggetti di scena usati da Annie Lennox e Devo, i giradischi del pioniere dell’hip-hop Grandmaster Flash, la copertina dell’album dei Kraftwerk “Die Mensch Machine” e i costumi di scena delle coreografie curate da Karole Armitage e Michael Clark.
Infine, l’ultima sezione esamina l’esplosione della cultura iper-consumistica negli anni Ottanta. Il denaro come oggetto affascinante per artisti e designer è testimoniato in mostra dal design di Karl Lagerfeld per Chanel, o dai gioielli ideati per Cleto Munari da Ettore Sottsass, Michele De Lucchi e Marco Zanini.
L’eccesso è il segno distintivo del Postmoderno. Un concetto colto al volo da marchi industriali come Swatch, MTV e Disney, che si affidano a designer di grande talento per trasformare i propri prodotti in chiave postmoderna.

Alla fine degli anni Ottanta, il Postmodernismo era dato per morto, senza che nessuno sapesse indicare cosa l’avrebbe sostituito. La mostra si conclude quindi con una panoramica sull’arte e il design di questo periodo incerto e transitorio, e incoraggia attivamente il pubblico a riflettere su quale possa essere l’eredità del Postmodernismo nel nostro momento attuale.

ANTHONY MCCALL: PHENOMENOLOGIES OF PROJECTION - EXPERIMENTAL STATION, CHICAGO

2012-02-23T22:52:00.000-08:00

ANTHONY MCCALL
PHENOMENOLOGIES OF PROJECTION, AESTHETIC OF TRABSITIONS
Experimental Station
6200 S. Blackstone Avenue - Chicago
february 24-25, 2012

Using atmospheric haze and film projectors, the artist Anthony McCall creates beautiful, visually captivating light sculptures that explore ideas of architecture, duration and embodiment. Invoking comparisons to natural formations like waterfalls and moonlight, McCall's subtly-moving luminous projections invite visitors to step into the light, using their bodies to alter the shimmering forms. Experience the subtle poetics of McCall's rarely exhibited Solid Light films at a special two-day event at the University of Chicago, featuring works on both celluloid film and digital media. This exhibition and its related symposium turn a critical spotlight onto key moments in an artistic career that has moved with singular coherence between the aesthetics of an analog and a digital media paradigm.

GIOVANNI TESTORI. POESIE 1965-1993 - MONDADORI 2012

2012-02-23T22:49:00.000-08:00

GIOVANNI TESTORI
POESIE 1965-1993
Mondadori, 14/2/2012
collana "Oscar poesia"

Giovanni Testori, grande narratore, drammaturgo e autore di saggi di critica d'arte, è stato anche poeta. La sua produzione lirica rivela al lettore di oggi, consapevole dell'intera esperienza novecentesca, una delle pochissime voci in grado di aprire possibilità nuove nella poesia del dopoguerra, di percorrere strade diverse. Testori infatti si è mosso con estrema libertà nell'esplorare nuclei tematici ed elementi stilistici già attestati nella tradizione poetica a lui precedente e in; quella contemporanea, e ha utilizzato nei suoi testi le parole dell'antica devozione insieme ad accenti post-futuristi, il lessico basso e fisiologico e i toni più sublimi, la colloquialità anche brutale e la voce più tenera e incantevole. Questo volume antologico, che documenta l'intero arco della produzione di Testori, grazie alla guida di Davide Rondoni, poeta e lettore segnato dalla tensione dello scrittore di Novate, aiuta il lettore a entrare nella tesa, inquieta, intensa poesia testorianai e nei suoi laceranti contrasti.

FRANCO BUFFONI: UNA PICCOLA TABACCHERIA - MARCOS Y MARCOS 2012

2012-02-23T22:47:00.000-08:00

FRANCO BUFFONI
UNA PICCOLA TABACCHERIA
Quaderno di traduzioni
Marcos y Marcos, 16/2/2012
collana "I testi di testo a fronte"

"In ogni testo che capisco di voler 'tradurre' cerco di individuare l'elemento prevalente, quello irrinunciabile: può consistere nell'intarsio ritmico-melodico, o nel pensiero nitidamente formulato, oppure nell'illuminazione, nell'epifania: quel guizzo, che da solo costituisce il senso profondo del testo. In tal modo, so dove posso eventualmente compiere un sacrificio. Mia ferma convinzione è che non di 'fedeltà' si dovrebbe parlare bensì di 'lealtà'. Il termine fedeltà connota guanciali, lenzuola e sotterfugi; il termine lealtà due occhi che fissando altri occhi dichiarano amore ammettendo un momentaneo 'tradimento'. Sono stato leale alla tua altezza poetica, tradendoti qui e qui e qui: l'ho fatto per restare il più lealmente possibile alla tua altezza. Questo è ciò che dico ogni sera ai poeti vivi e morti coi quali cerco di intessere il dialogo poietico". (Franco Buffoni)

IVO SAGLIETTI E FEDERICA DE ANGELIS - PALAZZO ROSSO, GENOVA

2012-02-23T22:45:00.002-08:00

IVO SAGLIETTI - FEDERICA DE ANGELIS
Palazzo Rosso
Via Garibaldi 18 - Genova
dal 23/2/2012 al 25/3/2012

Il primo appuntamento di GenovaFotografia 2012, in collaborazione con la Società per Cornigliano SpA, propone un viaggio, documentario e visionario a un tempo, attraverso le aree un tempo occupate dal più importante stabilimento siderurgico nazionale.

Terminata l’era delle grandi industrie a partecipazione statale, e con il passaggio ad una fase post-industriale, Genova ritorna ad essere un importante crocevia commerciale con una forte vocazione turistica.
Cornigliano, superati i difficili giorni della crisi operaia, tenta di riacquistare una nuova fisionomia in un rinnovato equilibrio socio-urbanistico.
Nel 2005 la chiusura dell’altoforno comporta un miglioramento delle condizioni ambientali. Sempre nello stesso anno è firmato l’accordo definitivo con l’impresa ILVA (Gruppo Riva), che riconsegna oltre 300.000 m2 alla disponibilità pubblica.
Nel 2006 iniziano le demolizioni delle strutture presenti nelle aree da restituire alla città.
Tra il 2006 e il 2008 Ivo Saglietti e Federica De Angeli hanno eseguito le immagini di questo cambiamento, realizzando la documentazione fotografica dedicata alla dismissione degli impianti produttivi

Catalogo Sagep Editori

Ivo Saglietti nasce a Tolone nel 1948. Lavora come film maker fino al 1978, anno in cui passa alla fotografia di reportage e si stabilisce a Parigi dove inizia a collaborare con agenzie francesi e americane.
Nel corso della sua attività realizza reportage, inchieste, pubblicazioni e missioni fotografiche in Salvador, Nicaragua, Cuba, Libano, Palestina, Cile, Colombia, Haiti, Uganda, Benin, Tanzania, Kosovo, Macedonia, Russia, Uzbekistan, Nigeria e Ghana.
Tra i suoi progetti più importanti, quello realizzato in Cile tra 1986 e 1988 durante l’ultimo periodo della dittatura di Pinochet. All’inizio degli anni Novanta è in America Latina per una ricerca in occasione dei 500 anni della scoperta dell’America, che conduce alla mostra Fotografie dal Nuovo Mondo. Nel 1998 inizia un progetto sul concetto di frontiera nel Mediterraneo, ancora in progress. Nel 2004 inizia un nuovo progetto in Uzbekistan intitolato The Big Three sulle grandi malattie epidemiche – tubercolosi, malaria e Aids – che colpiscono soprattutto i paesi più poveri.
Nel 2000 diventa membro associato dell’agenzia tedesca Zeitenspiegel e dal 2005 dell’agenzia Prospekt.
Per due volte vincitore del World Press Photo, del premio “Fotografi al servizio della pace e della giustizia”, del Grant della Fondazione Arte di Anversa, del Premio Enzo Baldoni 2006 per il reportage S.p.Acqua realizzato sul Delta del Niger, del Taf Prize al Lucca Digitalphotofest nel 2006, nel 2010 vincitore del Premio Chatwin, nel 2011 terzo classificato al World Press Photo.

Federica De Angeli nasce a Genova nel 1960
La sua attività professionale inizia negli anni 80. Si occupa prevalentemente di fotografia pubblicitaria affiancando costantemente immagini di ricerca che la portano alla pubblicazione di diversi volumi dedicati alla sua città:
Civitas Ianua, commissionato dalla Cameli spa, libro di fotografie in B/N che esplora il centro storico di Genova
Il Palazzo Durazzo Pallavicini, Elemond Nuova Alfa Editoriale, 1995, con fotografie di interni e di affreschi, commissionate da Carlotta Cattaneo Adorno
Genova Bianco& Nero, editore Tormena
Immagini di Liguria: architetture dipinte, Erga Editore, libro fotografico a colori dedicato alle architetture dipinte della Liguria

CIRCUS WOLS - WESERBURG MUSEUM OF MODERN ART, BREMEN

2012-02-23T00:08:00.000-08:00

CIRCUS WOLS
curated by Olaf Metzel
Weserburg Museum of Modern Art
Teerhof 20 - Bremen
23/2/2012 - 28/5/2012

He is one of the most prominent artists of the 20th century, yet scarcely anyone knows his name. Art history views him as the pioneer of Art Informel painting, and yet the complexity of his artistic existence defies any categorization. In 1932, just nineteen years old, he leaves Germany to have his finger on the pulse of time in Paris. He gains access to bohemian circles there but continues to be a loner. For throughout his life he struggled for an existence beyond the middle-class, and in doing so not lastly slid into the vicissitudes of the National Socialist war against European culture.
Alfred Otto Wolfgang Schulze, who began calling himself WOLS in 1937, is one of the most colorful artist personalities of the last century. In close contact with the great artists and poets in 1930s Paris, he launched his artistic career as a self-taught artist with the medium of photography. During his photographic excursions he captures a different image of Paris by focusing on the small miracles, the remote, and the alien beyond the dazzling façades. When at the outset of World War II he, as a German in France, has to spend time in various detention camps, he begins to draw. He produces wondrous watercolors that delineate a bizarre, fantastic world of images of human existence. He develops the idea for an alternative artistic draft of the world—CIRCUS WOLS.
One of the most important collections of WOLS’s works is in Bremen, part of the private collection of Karin and Uwe Hollweg. This outstanding body of works, consisting of more than thirty works on paper from all of the artist’s creative periods and two paintings, will be the focus of an extensive exhibition, supplemented by photographs by WOLS, curated by the artist Olaf Metzel, to whom the Weserburg devoted a large-scale solo exhibition last year. Works by WOLS will be confronted with and placed alongside works by other prominent artists in an artistic dialogue. These include, among others, James Ensor, László Moholy-Nagy, Marcel Broodthaers, Philip Guston, and Cy Twombly, as well as contemporary artists such as Andreas Gursky, Sergej Jensen, Norbert Schwontkowski, and Tatiana Trouvé.
The exhibition will be accompanied by a catalogue with contributions by Carsten Ahrens, Öyvind Fahlström, Olaf Metzel, and Roberto Ohrt.

PERINO & VELE: L'ECCEZIONE CHE CONFERMA LA REGOLA - GALLERIA ALBERTO PEOLA, TORINO

2012-02-23T00:04:00.000-08:00

PERINO & VELE
L'ECCEZIONE CHE CONFERMA LA REGOLA
Galleria Alberto Peola
Via della Rocca 29 - Torino
dal 23/2/2012 al 31/3/2012

La galleria Alberto Peola ha il piacere di presentare la terza personale di Perino & Vele L’eccezione che conferma la regola.
Le opere di Perino & Vele alludono a fatti di cronaca, a temi scottanti di denuncia sociale, e soprattutto alla distorsione della realtà attuata spesso dai mass media, strumenti privilegiati per costruire e diffondere stereotipi e opinioni comunemente accettate come verità. Modellando la cartapesta ottenuta proprio dai giornali, con un procedimento lungo e complesso, i due artisti creano opere che necessitano di essere attentamente osservate e lette per decifrarne il messaggio. Il tempo è infatti una componente importante nella realizzazione dei loro lavori come nella loro comprensione. Sta nella loro scelta artistica l’intento di sollecitare nello spettatore una riflessione personale sui temi a cui l’opera fa riferimento e un atteggiamento critico consapevole che permetta di cogliere e svelare aspetti scomodi della realtà.
Il titolo della mostra, L’eccezione che conferma la regola, fa riferimento all’esercizio personale di analisi critica degli avvenimenti e dell’informazione che ce li rappresenta. Tripping hazard è una sequenza di manifesti di cartapesta disegnati a pastello, l’uno sull’altro, che riportano modi di dire diffusi su diverse etnie. La lettura è complicata dalla loro sovrapposizione, come nella pratica dell’affissione abusiva, e dal simbolo di “pericolo d’inciampo”, chiaro avvertimento per l’osservatore affinché non cada nella trappola di stereotipi e preconcetti. La scultura Business is business richiama uno degli slogan più diffusi nel mondo occidentale, che sembra legittimare ogni azione e assicurare impunità. L’opera focalizza l’attenzione su avvenimenti spesso volutamente dimenticati, o non denunciati in tutta la loro gravità e diffusione, come l'abusivismo, la cementificazione, il disboscamento selvaggio. Nell’installazione ambientale You i manifesti di cartapesta si accumulano sulle pareti dell’ultima sala della galleria, ricoprendo la figura di un bambino racchiuso a bozzolo nell’estremo tentativo di ripararsi dalla violenza di un’informazione che invade ma preclude la conoscenza degli avvenimenti nella loro complessità. Per Perino & Vele solo l’eccezione di chi si sottrae a un’interpretazione omologata e a una lettura acritica dei fatti ristabilisce i confini di una realtà sostenibile.

PAOLA RONCARATI - ROSSELLA MARCUCCI: FILIPPO DE PISIS BOTANICO FLÂNEUR, OLSCHKI 2012

2012-02-23T00:01:00.000-08:00

PAOLA RONCARATI - ROSSELLA MARCUCCI
FILIPPO DE PISIS BOTANICO FLÂNEUR
un giovane tra erbe, ville, poesia
Olschki, 1/2/2012
collana "Giardini e paesaggio"

Molti artisti hanno affinato una sensibilità cromatica e tattile ammirando la teatralità della natura e cogliendo piante fiori foglie radici cortecce fossili: reperti e dettagli di un microcosmo trascurato dai più, che esplorano l’universo visibile protendendo piuttosto lo sguardo verso l’alto.
C’è però chi ha indagato il prodigio della materia e delle sue forme con le mani tra l’erba, sporcandosi di terra, ‘consultando contadini e montanari’ superando i confini della scienza accademica.
Un collezionismo di reperti di natura, come un saggio filosofico, genera molte domande oltre che emozioni. Il giovane Luigi Tibertelli, che acquisì fama di pittore come Filippo de Pisis (1896-1956), ben prima di divenire uno tra i Maestri della pittura del XX secolo, collezionò un erbario di circa 1200 piante essiccate, donato nel 1917 all’Ateneo di Padova, dove la raccolta venne disaggregata. Se ne rese impossibile, quindi, lo studio come incunabolo formativo di un artista.
L’onerosa pluriennale riemersione di ogni foglio e una contestuale, ininterrotta riflessione hanno portato le protagoniste di questa operazione – ciascuna con specifiche competenze – alla stesura di un saggio che indaga sulle implicazioni della precoce passione botanica di de Pisis. La tesi di fondo è l’affascinante e produttivo connubio, per il futuro artista, tra reperti botanici, rilevanze paesaggistiche, atmosfera poetica.
Il saggio è arricchito da immagini e schede botaniche che testimoniano altresì la serietà scientifica della collezione esaminata.

Paola Roncarati, ferrarese, già titolare di cattedra di lettere negli Istituti d’Istruzione Secondaria e in corsi sperimentali, ha redatto progetti di sperimentazione e pubblicato lavori interdisciplinari, oltre a un saggio a due mani sui parchi letterari. Impegnata da anni in corsi e iniziative sulla tutela dei paesaggi culturali, è oggi membro effettivo dell’Associazione per il patrocinio e lo studio della figura e dell’opera di Filippo de Pisis.

Rossella Marcucci, padovana, laureata in Scienze Biologiche, ha svolto il dottorato di ricerca presso l’Università degli Studi di Padova in Biologia Evoluzionistica. Dal 1997 Curatore del Museo botanico- Erbario dell’Università patavina, si occupa della gestione e conservazione del patrimonio di collezioni botaniche. è autrice di diversi contributi scientifici.

PAOLA POLITO, ANTONIO ZOLLINO: PAESAGGIO LIGURE E PAESAGGI INTERIORI - OLSCHKI 2012

2012-02-22T23:59:00.000-08:00

PAOLA POLITO E ANTONIO ZOLLINO (a cura di)
PAESAGGIO LIGURE E PAESAGGI INTERIORI
nella poesia di Eugenio Montale
Atti del Convegno internazionale «Credo non esista nulla di simile al mondo»
(Parco Nazionale delle Cinque Terre, Riomaggiore - Monterosso (La Spezia), 11-13 dicembre 2009)
Olschki, 11/1/2012
Biblioteca dell’«Archivum Romanicum»

Tornare ad occuparsi del paesaggio montaliano ha significato per i curatori l'apertura di uno spazio di interpretazione e di confronto fra studiosi assai differenti per formazione, provenienza e aree disciplinari, senza l'imposizione di una linea o una tesi di fondo precostituita. Ognuno ha parlato liberamente del suo Montale e, partendo dal paesaggio, ha trattato talvolta cose molto diverse, in un'esplorazione del paesaggio montaliano inteso come luogo dell'anima, referente onnicomprensivo di un mondo interiore unico e variegato.

RICCARDO DALISI: LA SFIDA DELLA NUOVA INNOCENZA - MUSEO LUZZATI, GENOVA

2012-02-22T23:29:00.000-08:00

RICCARDO DALISI
LA SFIDA DELLA NUOVA INNOCENZA
per una creatività lungo la via della decrescita
Museo Luzzati
Porta Siberia - Porto Antico - Genova
dal 23/2/2012 al 6/5/2012

Si tratta di un percorso di oggetti, idee e materiali attraverso le varie fasi del lavoro di animazione che dagli anni ’70 Riccardo Dalisi conduce con i bambini, fino ad arrivare ad alcune delle opere di design che lo hanno reso uno dei più importati maestri italiani nel campo, esposto e ammirato in tutto il mondo.
Il lavoro di ricerca di Dalisi si è sempre concentrato sul “design povero”, lavorando materiali comuni con manualità artigiana, sperimentando animazioni con la partecipazione di bambini e anziani di quartieri in difficoltà, unendo così la sua ricerca alla didattica e la vocazione artistica al valore sociale e politico. Precursore nell’applicare i concetti di riciclo, decrescita e sostenibilità, tanto attuali nei nostri tempi, il lavoro di Dalisi ha molti punti in comune con quello di Luzzati che pure amava reinventare materiali quotidiani e accogliere nuovi punti di vista da mondi come quello dell’infanzia.

Considerato da molti un vero e proprio “guru” nei campi del design e dell’architettura, Dalisi è nato a Potenza il primo maggio del 1931, fino al 2007 ha ricoperto la cattedra di Progettazione architettonica presso la facoltà di Architettura dell’Università degli Studi Federico II di Napoli. Presso la stessa facoltà è stato direttore della Scuola di specializzazione in disegno industriale.
Negli anni settanta, assieme a Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Andrea Branzi e altri, è stato tra i fondatori della Global Tools, contro-scuola di architettura e design che riuniva i gruppi e le persone che in Italia coprivano l'area più avanzata della cosiddetta “architettura radicale” intorno alle riviste “Casabella” e “Spazio e società”. Da sempre impegnato nel sociale (resta fondamentale l’esperienza del lavoro di quartiere con i bambini del Rione Traiano, con gli anziani della Casa del Popolo di Ponticelli negli anni ’70 e, negli ultimi anni, l’impegno con i giovani del Rione Sanità di Napoli), ha unito ricerca e didattica nel campo dell’architettura e del design accostandosi sempre più all’espressione artistica come via regia della sua vita. Nella sua ricerca espressiva, che spazia nel mitico, nell’arcaico, nel sacro, i materiali poveri (ferro, rame, ottone) sono impiegati con amorevole manualità artigiana.
Nel 1981 ha vinto il premio Compasso d’Oro per la ricerca sulla caffettiera napoletana.
Negli ultimi trent’anni anni si è dedicato intensamente alla creazione di un rapporto sempre più articolato e fecondo tra la ricerca universitaria, l’architettura, il design, la scultura, la pittura, l’arte e l’artigianato, mantenendo al centro la finalità di uno sviluppo umano attraverso il dialogo e il potenziale di creatività che ne sprigiona.
Nel 2009, dopo lunga ricerca preparativa, ha presentato, in collaborazione con la Triennale di Milano e la Nuova Accademia di Belle Arti di Milano, la prima edizione del Premio Compasso di latta, iniziativa per una nuova ricerca nel campo del design nel segno del sostegno umano, della eco-compatibilità e della decrescita.
Mostre dedicate alla sua attività di architetto, di designer, di scultore e di pittore sono state allestite alla Biennale di Venezia, alla Triennale di Milano, alla Basilica Palladiana di Vicenza, al Museo di Denver, al Guggenheim Museum di New York, alla Biennale di Chicago, al Museo di Copenaghen, al Museo di Arte Contemporanea di Salonicco, al Museo di Düsseldorf, a Palazzo Reale di Napoli, a Palazzo Pitti a Firenze, alla Fondazione Cartier di Parigi, alla Pasinger Fabrik di Monaco, al Tabakmuseum di Vienna, alla Zitadelle Spandau di Berlino, alla Galleria di Lucio Amelio Napoli, al Castel dell’Ovo di Napoli, al Chiostro monumentale di Santa Chiara a Napoli.

Nel periodo della mostra, dal 23 ferbbraio al 6 maggio 2012 verranno organizzati incontri e laboratori con il maestro Dalisi destinati sia ai bambini che a insegnanti e educatori.

SONIA DELAUNAY: ATELIER SIMULTANÉ 1923-1934 - FONDAZIONE MARCONI, MILANO

2012-02-21T23:30:00.000-08:00

SONIA DELAUNAY
ATELIER SIMULTANÉ 1923-1934
Fondazione Marconi Arte Moderna e Contemporanea
Via Tadino 15 - Milano
dal 22/2/2012 al 31/3/2012

“Sonia Delaunay non reputa le cose familiari, le cose della vita, inferiori come contenuto ai quadri che la resero nota … Voglio ancora ringraziarla per aver abolito un pregiudizio di gerarchie, di amare la vita, la magnifica vita, e per donarci dei capolavori che fanno più belli i nostri gesti quotidiani”
(René Crevel)
Mercoledì 22 febbraio 2012 la Fondazione Marconi ha il piacere di presentare la mostra Sonia Delaunay. Atelier simultané 1923 -1934.
La mostra è dedicata alle creazioni di Sonia Delaunay, artista che ha rivoluzionato la storia dell’arte, della moda e del costume del secolo scorso. Nata nel 1885 in Ucraina, l’artista attinge proprio lì quelle indimenticabili visioni colorate, costantemente presenti nel suo lavoro. Sono soprattutto i colori dei vestiti dei contadini russi a rimanerle impressi nella mente e la coperta in patchwork che realizzerà nel 1911 per il figlio Charles ne è testimonianza.
Arrivata a Parigi nel 1905, subisce il fascino e l’influenza delle opere di Van Gogh, Gaughin e del fauvismo, che trasporrà poi nel suo lavoro in maniera personalissima. Nel 1909 conosce Robert Delaunay, che sposa l’anno successivo, con cui condivide una passione totalizzante per la pittura e soprattutto per il colore come essenza della pittura. Scrive Robert Delaunay “ Il colore, che è frutto della luce come ha scritto Apollinaire, è alla base dei mezzi materiali del pittore – ed è il suo linguaggio. Il pittore quindi, lavora con il sussidio di elementi fisici, che la sua volontà deve dominare nel suo complesso”. I colori, distribuiti sulla superficie del quadro creano tra loro delle relazioni che si ricreano nell’occhio dello spettatore, “quello che generalmente si chiama mescolanza ottica”.
Le loro ricerche basate sulle teorie del colore di Chevreul e sulla rifrazione della luce approdarono al movimento chiamato orfismo. Il percorso dell’artista è stato caratterizzato da una poliedrica attività: Sonia Delaunay si spinse oltre la pittura, indirizzandosi a partire dal 1913 verso la produzione tridimensionale: tessuti, stoffe, vestiti, ambienti a contrasti simultanei, creazioni astratte con rapporti cromatici. Dal 1923 Sonia Delaunay è chiamata da una Casa di Lione interessata ai suoi disegni di tessuti per la realizzazione di abiti e nel 1924 l’artista apre il suo Atelier Simultané: un laboratorio dove vengono abbattute le tradizionali frontiere tra i settori in una perfetta armonia creativa. La mostra, allestita sui due piani dello spazio espositivo presenta una parte importante dell’opera di Sonia Delaunay: circa cento gouaches realizzate tra il 1923 - 1934 in cui emerge la ricerca dell’artista sul colore, sul rapporto figura – sfondo e l’attenzione per le trame, e molti studi che ne testimoniano l’elaborazione.
Le gouache create da Sonia Delaunay tra il 1923 -1934, la cui progettazione è testimoniata dai Libri Neri, costituiscono un corpus di ricerche importanti dove l’artista sembra anticipare problematiche poi affrontate da altri artisti, anche se con significati diversi, si è parlato di Dorazio, Morellet, Calder, Vasarely...
Sonia Delaunay nasce nel 1885 a Gradiesk, in Ucraina, con il nome di Sonia Terk Stern, trascorre l’infanzia a Pietroburgo e mostra una precoce inclinazione per le arti. Dopo i primi studi di disegno all’Accademia di Karlsruhe, nel 1905 si trasferisce a Parigi, dove frequenta l’Académie de la Palette e inizia a dipingere nel solco del postimpressionismo. Nel 1908 espone una selezione di opere nella galleria parigina di Wilhelm Uhde, che sposa l’anno seguente. Tuttavia il matrimonio ha breve durata, e nel 1910 l’artista sposa Robert Delaunay, con il quale avvia una ricerca sulla luce e sul colore che approderà alla nascita dell’orfismo. Fin dai primi anni dieci si dedica sia alla luce sia alle arti applicate, sviluppando il tema dei “contrasti simultanei” e lo studio della rifrazione della luce su diversi supporti, sperimentando anche il collage. Nel 1913 espone all’Erster Deutscher Herbstsalon, un’ampia rassegna sull’avanguardia internazionale che si tiene alla Galerie Der Sturm di Berlino, e l’anno seguente partecipa al Salon des Indépendants di Parigi. Presente alle maggiori manifestazioni di tendenza, inizia ad avere personali in varie città europee.
A seguito della rivoluzione d’ottobre cessa di percepire la rendita che assicurava la tranquillità economica alla sua famiglia, e da ora in poi il suo impegno nelle arti applicate diventa sempre più costante. Oltre ai costumi per i Ballets Russes di Diaghilev (Cléopâtre, 1917) e per l’opera teatrale di Tristan Tzara Le coeur à gaz (1923), si dedica alla produzione di tessuti, abiti e arazzi e lavora nel campo del design industriale. Nel 1925 le sue creazioni d’avanguardia riscuotono grandi consensi all’Esposizione internazionale di arti decorative di Parigi, e nello stesso anno l’artista apre un emporio di abiti e accessori insieme allo stilista Jacques Heim. Negli anni trenta aderisce al gruppo Abstraction-Création e partecipa alle principali collettive del movimento. Nel 1937 lavora con Robert Delaunay alle decorazioni per l’Esposizione universale di Parigi, e l’anno seguente lo Stedelijk Museum di Amsterdam le dedica un’ampia retrospettiva. Dopo la guerra partecipa alla fondazione del Salon des Réalités Nouvelles, ideato per la promozione e l’aggregazione di tutte le esperienze astratte internazionali. Dagli anni cinquanta si susseguono importanti retrospettive nei principali musei del mondo, e l’artista ottiene numerosi riconoscimenti per il suo fondamentale contributo alla diffusione dell’estetica d’avanguardia nel campo delle arti applicate. Si spegne a Parigi nel 1979

YOU KILLED ME FIRST. THE CIINEMA OF TRANSGRESSION - KW INSTITUTE OF CONTEMPORARY ART, BERLIN

2012-02-21T23:28:00.000-08:00

YOU KILLED ME FIRST
The Cinema of Transgression
KW Institute of Contempporary Art
Auguststraße 69 - Berlin
19 February - 09 April 2012

In the 1980s a group of filmmakers emerged from the Lower East Side, New York, whose shared aims Nick Zedd later postulated in the Cinema of Transgression manifesto:

„We propose … that any film which doesn’t shock isn’t worth looking at. … We propose to go beyond all limits set or prescribed by taste, morality or any other traditional value system shackling the minds of men. … There will be blood, shame, pain and ecstasy, the likes of which no one has yet imagined.“

While the Reagan government mainly focused on counteracting the decline of traditional family values, the filmmakers went on a collision course with the conventions of American society by dealing with life in the Lower East Side defined by criminality, brutality, drugs, AIDS, sex, and excess. Nightmarish scenarios of violence, dramatic states of mind, and perverse sexual abysses – sometimes shot with stolen camera equipment, the low budget films, which were consciously aimed at shock, provocation, and confrontation, bear witness to an extraordinary radicality. The films stridently analyze a reality of social hardship met with sociopolitical indifference. Although all the filmmakers of the Cinema of Transgression shared a belief in a radical form of moral and aesthetic transgression the films themselves emerged from an individual inner necessity; thus following a very personal visual sense and demonstratively subjective readings of various living conditions.
Even though the movement has remained largely unknown, the Cinema of Transgression has been a significant influence for later generations of artists.

YOU KILLED ME FIRST at KW Institute of Contemporary Art in Berlin is the first exhibition on the Cinema of Transgression.

Program

Tuesday, February 21, 2012, 7.30 pm
Talk with Nick Zedd

Wednesday, February 22, 2012, 7.30 pm
Talk with Richard Kern

Saturday, March 10, 2012, 7.30 pm
Llik your idols, documentary about the Cinema of Transgression by Angélique Bosio
France 2007, 70 min., OV
Film screening in the presence of the director

Thursday, March 15, 2012, 7.30 pm
Lydia Lunch reads from her novel Paradoxia, A Predator's Diary

Tuesday, March 27, 2012, 7.30 pm
Talk with Tessa Hughes-Freeland

ALESSANDRO MARZO MAGNO: L'ALBA DEI LIBRI - GARZANTI 2012

2012-02-21T23:26:00.000-08:00

ALESSANDRO MARZO MAGNO
L'ALBA DEI LIBRI
Quando Venezia ha fatto leggere il mondo
Garzanti, 19/1/2012
collana "Storica"

Dov'è stato pubblicato il primo Corano in arabo? Il primo Talmud? Il primo libro in armeno, in greco o in cirillico bosniaco? Dove sono stati venduti il primo tascabile e i primi bestseller? La risposta è sempre e soltanto una: a Venezia. Nella grande metropoli europea - perché all'epoca solo Parigi, Venezia e Napoli superavano i 150.000 abitanti - hanno visto la luce anche il primo libro di musica stampato con caratteri mobili, il primo trattato di architettura illustrato, il primo libro di giochi con ipertesto a icone, il primo libro pornografico, i primi trattati di cucina, medicina, arte militare, cosmetica e i trattati geografici che hanno permesso al mondo di conoscere le scoperte di spagnoli e portoghesi al di là dell'Atlantico. Venezia era una multinazionale del libro, con le più grandi tipografie del mondo, in grado di stampare in qualsiasi lingua la metà dei libri pubblicati nell'intera Europa. Committenti stranieri ordinavano volumi in inglese, tedesco, cèco, serbo. Appena pubblicati, venivano diffusi in tutto il mondo. Aldo Manuzio è il genio che inventa la figura dell'editore moderno. Prima di lui gli stampatori erano solo artigiani attenti al guadagno immediato, che riempivano i testi di errori. Manuzio si lancia in progetti a lungo termine e li cura con grande attenzione: pubblica tutti i maggiori classici in greco e in latino, ma usa l'italiano per stampare i libri a maggiore diffusione. Inventa un nuovo carattere a stampa, il corsivo. Importa dal greco al volgare la punteggiatura.

MIRELLA SERRI: SORVEGLIATI SPECIALI - LONGANESI 2012

2012-02-21T23:24:00.002-08:00

MIRELLA SERRI
SORVEGLIATI SPECIALI
Gli intellettuali spiati dai gendarmi (1945-1975)
Longanesi, 16/2/2012
collana "Storica"

Come mai il nome di Vittorio Gassman appare nei faldoni di polizia? Perché il grande Eduardo è nelle liste dei questurini? Come pure Italo Calvino, Gian Maria Volonté, Marco Bellocchio, Renato Guttuso, Mario Tronti, Gad Lerner e Pier Paolo Pasolini? Sono personaggi che nessuno si aspetterebbe di ritrovare in mattinali e rapporti riservatissimi. Eppure sotto controllo per anni ci sono stati proprio loro, i più famosi uomini di spettacolo, scrittori, artisti, prime firme del giornalismo. La strana vicenda prende avvio nel dopoguerra e s'intensifica in epoca scelbiana quando si lavora intensamente per schedare l'intellighentia di sinistra, ritenuta non solo un covo di potenziali sovversivi ma anche la longa manus della propaganda dei partiti all'opposizione, i tentacoli di una polipesca operazione socialista e comunista per conquistare consensi. Emerge così dai rapporti di polizia il resoconto insolito di riunioni riservate, assemblee, cenacoli, circoli e conventicole che impegnano le più note teste d'uovo di sinistra, dagli anni in cui si genuflettono al mito dell'Unione Sovietica agli incontri più carbonari e segreti dei primi anni Settanta. Raccontati e spiati non solo da segugi specializzati e mimetizzati nell'ambiente, ma anche da consanguinei, da altri intellettuali che si assumono l'incarico di farsi occhio e orecchio della polizia. Si può dire che sia finita l'era del sospetto sugli intellettuali? L'aria che tira fa pensare proprio di no.

PIERO BORAGINA: VITA DI GIORGIO LABO' - ARAGNO 2012

2012-02-21T23:21:00.001-08:00

PIERO BORAGINA
VITA DI GIORGIO LABÒ
Aragno, 1/1/2012

Giorgio Labò era nato il 29 maggio 1919, figlio unico di una coppia di intellettuali. Trovò la sua strada nell’architettura, nella critica d’arte, nella letteratura e nell’opposizione al regime nazi-fascista. L’esito della sua esistenza fu drammatico: il 7 marzo 1944 venne fucilato dalla SS a Forte Bravetta. La vita di Giorgio - raccontata per la prima volta in questo libro, anche attraverso le sue lettere inedite e i suoi scritti – è messa in risalto nella sua esemplare linearità.

Camillo Sbarbaro, suo insegnante di greco, di lui scrisse: «A Giorgio devo d’aver conosciuto dappresso un eroe». E Giorgio eroe lo fu nella morte e nella breve vita, mettendo nel suo impegno umano e culturale la passione inesausta di un giovane che voleva, attraverso l’arte e la letteratura, darsi ragione di come funzionasse la «macchina del mondo». Giorgio Labò era nato il 29 maggio 1919, figlio unico di una coppia di formidabili intellettuali. Trovò la sua strada nell’architettura, nella critica d’arte, nella letteratura e nell’opposizione al regime nazi-fascista. L’esito della sua esistenza fu drammatico: il 7 marzo 1944 venne fucilato dalla SS a Forte Bravetta. La vita di Giorgio - raccontata per la prima volta in questo libro, anche attraverso le sue lettere inedite e i suoi scritti – è messa in risalto nella sua esemplare linearità: sia ch’egli scriva di critica d’arte, sia che confezioni esplosivi per le formazioni dei Gap romani. Giorgio Labò coniugò, esemplificandola, la felicità intellettuale con il rigore morale.

Pietro Boragina è nato a Genova. Laureato in Lettere, dopo essersi dedicato all’insegnamento e aver frequentato la scuola di teatro allo Stabile della sua città, fonda, con Luzzati e Conte, il Teatro della Tosse prendendo parte, come regista e attore, a molti spettacoli. Ha collaborato con Enriquez, Trionfo, Scaparro, Micol, Bacalov, Risi. È stato aiuto-regista di Alberto Lattuada. Pittore, della sua opera si sono occupati, in mostre personali e collettive, critici e letterati: Luzi, Calvesi, Consolo, Luzzati, Marcenaro, Pressburger, Beringheli, Dragone. Nel 2011, presentato da Emanuele Severino, è stato invitato alla 54. Biennale d’Arte di Venezia – Padiglione Italia. Dal 1991, ‘ricostruendo’ atmosfere, ambienti e temperie culturali che hanno legato l’arte figurativa alla letteratura, ha curato, in Italia e all’estero, numerose mostre dedicate al mondo dei viaggiatori stranieri – Viaggio in Italia –; a quello delle avanguardie storiche – Russia & Urss – e agli universi poetici di Montale, Rimbaud, Leopardi, Stendhal, Valéry.

CINDY SHERMAN - MOMA, NEW YORK

2012-02-20T20:45:00.000-08:00

CINDY SHERMAN
organized by Eva Respini with Lucy Gallun
The Museum of Modern Art
11 West 53 Street - New York
21/2/2012 - 11/6/2012

The Museum of Modern Art presents the exhibition Cindy Sherman, Ci a retrospective tracing the groundbreaking artist’s career from the mid-1970s to the present, from February 26 to June 11, 2012.
The exhibition brings together some 180 key photographs from the artist’s significant series—including the complete ―Untitled Film Stills‖ (1977–80), the critically acclaimed centerfolds (1981), and the celebrated history portraits (1989– 90)—plus examples from all of her most important bodies of work, ranging from her fashion photography of the early 1980s to the breakthrough sex pictures of 1992 to her 2003 clowns and monumental society portraits from 2008. In addition, the exhibition features the American premiere of her 2010 photographic mural. An exhibition of films drawn from MoMA’s collection selected by Sherman will also be presented in the Museum’s theaters in April .
Cindy Sherman is widely considered to be one of the most important and influential artists of our time and her work is the unchallenged cornerstone of post-modern photography. Masquerading as a myriad of characters in front of her own camera, Sherman creates invented personas and tableaus that examine the construction of identity, the nature of representation, and the artifice of photography. Her works speak to an increasingly image-saturated world, drawing on the unlimited supply of visual material provided by movies, television, magazines, the Internet, and art history.
Ms. Respini says, ―To create her photographs, Sherman works unassisted in her studio and assumes multiple roles as photographer, model, art director, make-up artist, hairdresser, and stylist. Whether portraying a career girl or a blond bombshell, a fashion victim or a clown, a French aristocrat or a society lady of a certain age, for over 35 years this relentlessly adventurous artist has created an eloquent and provocative body of work that resonates deeply with our visual culture.
The American premiere of Sherman’s recent photographic mural (2010) will be installed outside the galleries on the sixth floor. The mural represents the artist’s first foray into transforming space through site-specific fictive environments. In the mural Sherman transforms her face via digital means, exaggerating her features through Photoshop by elongating her nose, narrowing her eyes, or creating smaller lips. The characters, who sport an odd mix of costumes and are taken from daily life, are elevated to larger-than-life status and tower over the viewer. Set against a decorative toile backdrop, her characters seem like protagonists from their own carnivalesque worlds, where fantasy and reality merge. The emphasis on new work presents an opportunity for reassessment in light of the latest developments in Sherman’s oeuvre. Entering the galleries, the exhibition strays from a chronological narrative typical of retrospectives, and groups photographs thematically to create new and surprising juxtapositions and to suggest common threads across several series. A gallery devoted to her work made for the fashion industry brings together commissions from 1983 to 2011. Sherman’s interest in the construction of femininity and mass circulation of images informs much of the work that takes fashion as its subject, illustrating not only a fascination with fashion images but also a critical stance against what they represent. A gallery exploring themes of the grotesque focuses on bodies of work from the mid-1980s through the mid-1990s, including disasters (1986–89), sex pictures (1992), and horror and surrealist pictures (1994–96). Sherman’s investigation of macabre narratives followed a trajectory of the physical disintegration of the body, and features prosthetic parts as a stand-in for the human body. A gallery devoted to Sherman’s exploration of myth, carnival, and fairy tales pairs works from her 2003 clowns with her 1985 fairy tales series. These theatrical pictures revel in their own artificiality, with menacing characters and fantastical narratives.
Galleries devoted to single bodies of work are interspersed among the thematic rooms. Sherman’s seminal series the ―Untitled Film Stills, comprising 70 black-and-white photographs made between 1977 and 1980, are presented in their entirety (the complete series is in MoMA’s collection). Made to look like publicity pictures taken on movie sets, the ―Untitled Film Stills read like an encyclopedic roster of female roles inspired by 1950s and 1960s Hollywood, film noir, B movies, and European art-house films. While the characters and scenarios may seem familiar, Sherman’s ―Stills are entirely fictitious. Her characters represent deeply embedded clichés (career girl, bombshell, girl on the run, housewife, and so on) and rely on the persistence of recognizable manufactured stereotypes that loom large in the cultural imagination.
Other series presented in depth include Sherman’s 1981 series of 12-color photographs known as the centerfolds. Originally commissioned by Artforum magazine, these send-ups of men’s erotic magazine centerfolds depict characters in a variety of emotional states, ranging from terrified to heartbroken to melancholic. With this series, Sherman plays into the male conditioning of looking at photographs of exposed women, but she turns this on its head by taking on the roles of both (assumed) male photographer and female pinup. The history portraits investigate the relationships between painter and model, and are featured in depth in the exhibition. These theatrical portraits borrow from a number of art historical periods, from Renaissance, Baroque, Rococo, and Neoclassical. This free-association sampling creates an illusion of familiarity, but not with any one specific era or style (just as the ―Untitled Film Stills evoke generic types, not particular films). The subjects (for the first time, many are men), include aristocrats, Madonna and child, clergymen, women of leisure, and milkmaids, who pose with props, elaborate costumes, and obvious prostheses.
Sherman has explored the experience of aging in a youth- and status-obsessed society with several bodies of work made since 2000. For her headshots from 2000–2002 (sometimes called Hollywood/Hamptons), the artist conceived a cast of characters of would-be or has-been actors (in reality secretaries, housewives, or gardeners) posing for headshots to get an acting job. With this series, Sherman underscores the transformative qualities of makeup, hair, expression, and pose, and the recognition of certain stereotypes as powerful transmitters of cultural clichés. Her monumental 2008 society portraits feature women ―of a certain age from the top echelons of society who struggle with today’s impossible standards of beauty. The psychological weight of these pictures comes through in the unrelenting honesty of the description of aging and the small details that belie the attempt to project a certain appearance. In the infinite possibilities of the mutability of identity, these pictures stand out for their ability to be at once provocative, disparaging, empathetic, and mysterious.

GUY BEN-NER -DOCVA, MILANO 21/2/2012

2012-02-20T20:44:00.000-08:00

GUY BEN-NER
DOCVA Documentation Center for Visual Arts
via Procaccini 4 - Milano
martedì 21/2/2012, h. 18,30

Accompagnando la proiezione di estratti dai suoi video piu' significativi, Guy Ben-Ner parla del suo lavoro con Cristiana Perrella, curatrice della mostra. Conosciuto soprattutto per i suoi video low-tech che mescolano in surreali commedie elementi autobiografici di vita familiare e suggestioni prese da capolavori della letteratura, Guy Ben-Ner (Ramat Gan, 1969, vive a Tel Aviv) e' uno dei piu' noti artisti israeliani, con presenze in grandi rassegne internazionali come la Biennale di Venezia, dove nel 2005 ha rappresentato il suo paese, lo Skulptur Project di Munster nel 2007, la Biennale di Liverpool nel 2008, Performa 2009. Realizzato sempre in economia di mezzi, usando spesso il suo appartamento come set, gli oggetti domestici come scenografia, moglie e figlio come cast, il suo lavoro trae ispirazione dal cinema d'autore, soprattutto quello muto di Chaplin e Buster Keaton. Ben-Ner ne rielabora l'impostazione narrativa per metterla in rapporto alla propria ricerca sulle relazioni umane e i rapporti familiari. I lavori piu' recenti si allontanano da questi temi e modalita' pur continuando a focalizzarsi sulla questione etica di dove tracciare il confine tra il fare arte e la propria vita privata. L'incontro con Guy Ben-Ner e' organizzato in collaborazione con la Fondazione Marino Golinelli, Bologna.

MARKUS MIESSEN, ANDREA PHILLIPS (Eds.): CARING CULTURE - STERNBERG PRESS, 2011

2012-02-20T20:42:00.001-08:00

MARKUS MIESSEN, ANDREA PHILLIPS (Eds.)
CARING CULTURE
Art, Architecture and the Politics of Health
Sternberg Press, november 2011
Actors, Agents and SAttendants series

Contributions by Nils van Beek, Marc Bijl, AA Bronson, Beatriz Colomina, Elmgreen & Dragset, Martijn Engelbregt, Fulya Erdemci, Mark Fisher, Margreet Fogteloo, Mika Hannula, Mierle Laderman Ukeles, Mari Linnman, Marien van der Meer, Markus Miessen, Merijn Oudenampsen, Andrea Phillips, Edi Rama, Robert Sember/Ultra-red, Studio Makkink & Bey, Sally Tallant, Anton Vidokle, Dmitry Vilensky/ Chto delat, Steven de Waal, Gavin Wade, Huib Haye van de Werf

Caring Culture: Art, Architecture and the Politics of Public Health examines changing political uses of the concept of care in neoliberal democracies and asks how artists, architects, and designers both contribute to and attempt to critique its social manifestations. The publication brings together case studies of artistic and design interventions within health and social care institutions and broader political and philosophical essays and interviews relating to civic wellbeing. Contributors include curators, artists, politicians, architects, and healthcare professionals.
Caring Culture is the first volume in the Actors, Agents and Attendants series of publications and symposia commissioned by SKOR to investigate the role of cultural practice in the organization of the public domain.

MAGNUS ERICSON, RAMIA MAZÉ (Eds.): DESIGN ACT - STERNBERG PRESS, 2011

2012-02-20T20:39:00.000-08:00

MAGNUS ERICSON, RAMIA MAZÉ (Eds.)
DESIGN ACT
Socially and Politically Engaged Design Today — Critical Roles and Emerging Tactics
Sternberg Press, december 2011
co-published with Iaspis

Contributions by Magnus Ericson, Natasha Marie Llorens, Ramia Mazé Interviews with Ana Betancour, Otto von Busch, Mauricio Corbalan, Pelin Dervis, Anthony Dunne, Joseph Grima, Peter Lang, Yanki Lee, Tor Lindstrand, Helena Mattsson, Ou Ning, Doina Petrescu, Fiona Raby, Meike Schalk, Christina Zetterlund

Design Act: Socially and Politically Engaged Design Today—Critical Roles and Emerging Tactics is a project that presents and discusses contemporary design practices that engage with political and societal issues. Since 2009, the Iaspis project Design Act has been highlighting and discussing practices in which designers have been engaging critically as well as practically in such issues. Itself an example of applied critical thinking and experimental tactics, the process behind the Design Act project is considered as a curatorial, participatory and open-ended activity. Design Act has developed through an online archive, public events, and an international network.

MARCO POLITI: JOSEPH RATZINGER. CRISI DI UN PAPATO - LATERZA, 2011

2012-02-20T20:34:00.000-08:00

MARCO POLITI
JOSEPH RATZINGER. CRISI DI UN PAPATO
presentazione del volume edito da Laterza
Libreria Feltrinelli
Via C.R. Ceccardi 16 R. - Genova
martedì 21 febbraio 2012, h. 18,00

introduce Peppino Coscione

Perché «Dio ha fatto papa un professore» se lo è chiesto anche Joseph Ratzinger. La sua leadership si cimenta con questioni altissime, ma è al tempo stesso segnata da contraddizioni e insicurezze. Marco Politi indirizza lo sguardo sulle prospettive del governo della Chiesa e sui tormenti del pontefice.
-- Stefano Rodotà

«Joseph Ratzinger non doveva diventare papa. Non poteva. Secondo le regole non scritte dei conclavi una personalità così 'polarizzante' non sarebbe mai riuscita a ottenere i due terzi dei voti necessari per essere eletto. Invece il 19 aprile 2005, dopo un'elezione tra le più rapide dell'ultimosecolo, il tedesco Ratzinger si affacciò sorridente alla Loggia delle Benedizioni. Chi varca il Portone di Bronzo impara presto cosa significa il termine 'polarizzare'. Significa creare con dichiarazioni, gesti e idee un campo di tensione così forte da spaccare la Chiesa tra visioni differenti»: dopo sei anni di pontificato Benedetto XVI è ancora un pontefice che divide. Eletto per rassicurare la parte di Chiesa in cerca di autorità e identità, il papa ha messo a disagio il cattolicesimo che si ispira al Concilio Vaticano II; con una citazione sprezzante su Maometto ha provocato uno scontro violento con l'Islam; elogiando Pio XII e togliendo la scomunica al vescovo negatore della Shoah ha causato una serie di crisi con l'ebraismo; le sue frasi sull'Aids hanno suscitato reazioni di protesta in tutto il pianeta; non ha affrontato questioni come il calo dei sacerdoti e il ruolo della donna.
Marco Politi ricostruisce questi anni di pontificato nel quale crisi ed errori di comunicazione sono stati ripetuti e tratteggia il profilo meno conosciuto di un papa impolitico. Un uomo sensibile, timido, caloroso e pieno di umorismo nel privato. Un uomo che crede a un cristianesimo 'religione dell'amore' e non come pacchetto di divieti. Un teologo e un intellettuale di statura. Eppure...

JOAN MITCHELL: THE LAST PAINTINGS - HAUSER & WIRTH, LONDON

2012-02-19T23:25:00.000-08:00

JOAN MITCHELL
THE LAST PAINTINGS
Hauser & Wirth
196A Piccadilly - London
3 February – 28 April, 2012

‘My paintings aren’t about art issues. They’re about a feeling that comes to me from the outside, from landscape. … Paintings aren’t about the person who makes them, either. My paintings have to do with feelings’.
– Joan Mitchell, 1974

Hauser & Wirth is proud to present an exhibition of late paintings by American Abstract Expressionist, Joan Mitchell. Created during the last decade of her life, these large-scale canvasses mark a distinct departure from her more sombre works of the early 1960s. Her late paintings, dating from 1985 to 1992, are replete with vibrant colours, energy and excitement, combining Mitchell’s admiration of the work of Van Gogh and Monet, her interest in nature and her adept skill at expressing emotions and memories.
Mitchell was born in Chicago and in 1950 moved to New York where she was one of the few female artists to participate in seminal exhibitions alongside prominent Abstract Expressionists such as Willem de Kooning, Jackson Pollock and Franz Kline. In 1959, Mitchell relocated to France. She stayed in Paris for eight years before she moved to Vétheuil where she remained for the last 25 years of her life, producing dynamic paintings despite such momentous events as the loss of close family, friends and her long battle with cancer that took her life in 1992.
Like many of the Impressionists and Post-Impressionists, Mitchell was fascinated by the French countryside and the lush landscape of Vétheuil featured prominently in her late paintings. In the diptych ‘River’, a painting of the River Seine as seen from her home, Mitchell filled two canvasses with vigorous brushstrokes in an array of greens, blues, purples, reds and a swath of yellow paint crossing the bottom of the canvas to represent the river. In ‘Sunflowers’, Mitchell again used a diptych format to depict one of her most well known subjects in the twilight of its life. In a conversation with Yves Michaud, Mitchell once said, ‘Sunflowers are something I feel very intensely. They look so wonderful when young and they are so moving when they are dying…’. With ‘Sunflowers’, Mitchell worked quickly across her canvasses, expressing her intense feeling through the intense gestures that form the unrestrained and multi-coloured flowers’ blooms. Pushing the boundaries of abstract painting, both ‘River’ and ‘Sunflowers’ illustrate Mitchell’s emotional and physical recollections of the countryside she loved.
The exhibition also features Mitchell’s late, purely abstract paintings. These works range in format including single canvasses, diptychs and tondos. The works display a radical and free use of colour and line, as well as a confident experimentation with composition, scale and physical structure. Each painting showcases Mitchell’s mature artistic style that, over a prolific period of three decades, had fully developed into a unique personal language of colour, line and form. Together, these late paintings demonstrate what Richard Marshall describes in the exhibition’s accompanying catalogue as the artist’s ‘pure joy of putting paint to canvas’.
‘Joan Mitchell. The Last Paintings’ has been organised in collaboration with Cheim & Read, New York and the Joan Mitchell Foundation.

DA ZERO A CENTO. LE NUOVE ETA' DELLA VITA - TRIENNALE, MILANO

2012-02-19T23:23:00.002-08:00

DA ZERO A CENTO
a cura di Giovanni Carrada e Cristiana Perrella
Triennale di Milano
viale Alemagna 6 - Milano
dal 20 febbraio al 1 aprile 2012

Lunedì 20 febbraio alle ore 18,30 inaugura alla Triennale di Milano, “Da ZERO a CENTO, le nuove età della vita”, mostra d’arte e di scienza ideata e prodotta da Fondazione Marino Golinelli in partnership con La Triennale di Milano, a cura di Giovanni Carrada e Cristiana Perrella con la collaborazione di Silvia Evangelisti.
La mostra, in programma dal 21 febbraio al 1 aprile 2012 si propone di indagare come e perché il nostro corpo e la nostra mente sono molto diversi da quelli delle generazioni precedenti, e come svilupparne meglio le potenzialità. Lo fa attraverso le intuizioni di alcuni grandi artisti contemporanei come Evan Baden, Guy Ben-Ner, Martin Creed, Hans Peter Feldmann, Stefania Galegati Shines, Anish Kapoor, Ryan Mc Ginley, Marcello Maloberti, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, Gabriel Orozco, Adrian Paci, John Pilson, Cindy Sherman, Frances Stark, Miwa Yanagi.
Sei ambienti espositivi, uno per ogni età dell’esistenza umana (concept dell’allestimento Iosa Ghini Associati) mettono a confronto le opere d’arte con le attuali scoperte della scienza. Insieme alle opere d’arte, alcune delle quali realizzate appositamente per l’esposizione, una serie di exhibit scientifici non solo mostreranno come e perché la nostra vita è cambiata, ma spiegheranno anche che cosa oggi sappiamo di nuovo su ogni età.
La mostra si apre all’insegna di cento e uno scatti fotografici di Hans-Peter Feldmann che mostrano lo svolgersi della vita ritraendo persone, mettendo in scena così un dialogo tra condizione universale e storie individuali. La vita comincia ancor prima di venire al mondo, come raccontano le opere fortemente evocative di Gabriel Orozco e Anish Kapoor. Il gioco e l’educazione sono i due elementi che caratterizzano l’infanzia, raccontati rispettivamente da Martin Creed e Guy Ben-Ner. L’adolescenza, fase turbolenta e di scoperta di se stessi, emerge nelle sue diverse sfaccettature nelle opere di Marcello Maloberti, Ryan Mc Ginley e Evan Baden. Il delinearsi di nuovi tipi di approccio relazionale si ripresenta in fase più adulta, momento che segna la scelta del partner e la costituzione di una propria famiglia. Così Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, raccontano lo sviluppo di una storia d’amore che matura fino all’arrivo del primo figlio; Frances Stark riporta l’attenzione sulla natura dei rapporti sentimentali e sessuali nell’era della tecnologia e della comunicazione virtuale, dove il partner può essere scelto in una video chat room. La maturità, rappresentata in mostra dalle opere di Adrian Paci e Cindy Sherman, presenta anch’essa una fase complessa che vede il concretizzarsi delle proprie aspettative lavorative e sociali ma, allo stesso tempo, l’avvicinarsi della vecchiaia. Infine, la vecchiaia: terza età secondo la tripartizione classica, oggi sesta, o forse addirittura settima, tappa della vita. Il protagonista del video di John Pilson, preso nell’ingranaggio dei suoi ritmi lavorativi ignora la morte che batte la mano sulla sua spalla; le giovani donne scelte da Miwa Yanagi, poi trasformate e ritratte come donne anziane, immaginano una vecchiaia in piena attività; i personaggi del film di Stefania Galegati Shines riscoprono l’amore (anche quello fisico), a distanza di quasi mezzo secolo.
Gli exhibit scientifici mostreranno ad esempio quanto le condizioni e gli stili di vita influenzeranno la salute del nascituro per tutta la sua esistenza; come il “coltivare” il cervello dei bambini; come l’adolescenza sia un’età di straordinaria plasticità del cervello per permettere alla persona di adattarsi alla cultura del suo gruppo sociale; perché i comportamenti legati alla scelta sessuale siano i meno influenzabili dalle mutate circostanze ambientali o perché la mezza età può oggi essere dal punto di vista fisico un prolungamento della gioventù. Inoltre gli exhibit sveleranno i segreti per una buona “manutenzione” del capitale biologico nel corso della vita e per continuare a crescere intellettualmente anche durante la vecchiaia. Infine, curiosità e previsioni su come saranno gli uomini del futuro.
Attraverso gli exhibit, i visitatori potranno anche sperimentare in prima persona la crescita del quoziente intellettivo rispetto ai propri antenati con il test di Raven, oppure, con un’altra semplice prova, calcolare il tessuto adiposo sulla pancia per valutare i rischi crescenti di malattie cardiovascolari. E ancora: misurando il rapporto tra la lunghezza del dito anulare e dell’indice della mano destra, calcolare la quantità di testosterone ricevuto dalla madre, ormone responsabile non solo dei caratteri sessuali ma anche di importanti aspetti della personalità.
Collegati al tema della mostra la Fondazione Marino Golinelli organizza alcuni convegni sul tema delle età dell’uomo con studiosi ed esperti di discipline diverse. Segnaliamo tra questi, in partnership con la Fondazione Corriere della Sera in Sala Buzzati, il ciclo Le nuove età della vita: martedì 6 marzo Quando inizia e finisce la vita; martedì 13 marzo Le età del cervello; martedì 20 marzo Le età digitali.

JACQUES DERRIDA: LES YEUX DE LA LANGUE - GALILEE 2012

2012-02-19T23:22:00.000-08:00

JACQUES DERRIDA
LES YEUX DE LA LANGUE
L'abîme et le volcan
Galilée, 19/1/2012
collection "la philosophie en effet"

« Ce pays est pareil à un volcan où bouillonnerait le langage. On y parle de tout ce qui risque de nous conduire à l’échec, et plus que jamais, des Arabes. Mais il existe un autre danger, bien plus inquiétant que la nation arabe et qui est une conséquence nécessaire de l’entreprise sioniste : qu’en est-il de l’« actualisation » de la langue hébraïque ? Cette langue sacrée dont on nourrit nos enfants ne constitue-t-elle pas un abîme qui ne manquera pas de s’ouvrir un jour ? […] Quant à nous, nous vivons à l’intérieur de notre langue, pareils, pour la plupart d’entre nous, à des aveugles qui marchent au-dessus d’un abîme. Mais lorsque la vue nous sera rendue, à nous ou à nos descendants, ne tomberons-nous pas au fond de cet abîme ? […] Un jour viendra où la langue se retournera contre ceux qui la parlent. […] Ce jour-là, aurons-nous une jeunesse capable de faire face à la révolte d’une langue sacrée ? […] »
lettre de Gershom Scholem à Franz Rosenzweig, 1926.

« Cette lettre, cette “Confession au sujet de notre langue”, « n’a pas de caractère testamentaire bien qu’elle ait été retrouvée après la mort de Scholem, dans ses papiers, en 1985. Néanmoins, la voici qui nous arrive, elle nous revient et nous parle après la mort de son signataire ; et dès lors quelque chose en elle résonne comme la voix d’un fantôme.
Ce qui donne une sorte de profondeur à cette résonance, c’est encore autre chose : cette voix de revenant qui met en garde, prévient, annonce le pire, le retour ou le renversement, la vengeance et la catastrophe, le ressentiment, la représaille, le châtiment, la voici qui ressurgit à un moment de l’histoire d’Israël qui rend plus sensible que jamais à cette imminence de l’apocalypse. Cette lettre a été écrite bien avant la naissance de l’État d’Israël, en décembre 1926, mais ce qui fait son thème, à savoir la sécularisation de la langue, était déjà entrepris de façon systématique depuis le début du siècle en Palestine.
On a parfois l’impression qu’un revenant nous annonce le terrifiant retour d’un fantôme. »

VITO MANCUSO: IO E DIO - PALAZZO TURSI, GENOVA 20/2/2012

2012-02-19T23:20:00.001-08:00

Testimoni liberi
VITO MANCUSO
IO E DIO
presentazione del volume edito da Garzanti
Palazzo Tursi
Via Garibaldi 9 - Genova
lunedì 20 febbraio 2012, h. 18,00

intervengono:
Margherita Rubino
Vittorio Coletti

«Ma che cos'è vero, alla fine, di questa vita che se ne va, nessuno sa dove? Rispondere a questa domanda significa parlare di Dio.» Io e Dio di Vito Mancuso ruota intorno a questa domanda: una domanda intima, personale, che però coinvolge l'intera umanità, e dunque ciascuno di noi. In questo senso, per ogni uomo che viene sulla terra, cristiano o no, la partita della vita è sempre tra io e Dio.
Tuttavia oggi tenere insieme un retto pensiero di Dio e un retto pensiero del mondo è molto difficile: così qualcuno sceglie Dio per disprezzo del mondo, qualcun altro sceglie il mondo per noia di Dio, mentre molti non scelgono né l'uno né l'altro, forse perché non avvertono più quell'esigenza radicale dell'anima che qualcuno chiamava «fame e sete di giustizia». In pagine ricche di dottrina e di passione per la verità, Vito Mancuso spiega e condivide le ragioni della sua fede in Dio.
È un percorso in cui non mancano puntate polemiche, basato su un'ampia riflessione, che supera di slancio la strettoia tra due posizioni in apparenza contrapposte, che negano entrambe la nostra libertà individuale: da un lato l'autoritarismo delle gerarchie religiose, dall'altro uno scientismo ateo e semplicistico.
Ma una civiltà senza religione, o con una religione senza cultura, argomenta Vito Mancuso, perde inevitabilmente la propria coesione interna, schiacciata su una sola dimensione, in balia di un egoismo molto prossimo al cinismo o alla disperazione.
Io e Dio apre invece la strada verso una fede basata sull'amore e sul dialogo, sulla libertà e sulla giustizia.

Vito Mancuso è docente di “Teologia moderna e contemporanea” presso la Facoltà di Filosofia dell’Università San Raffaele di Milano.
I suoi scritti hanno suscitato notevole attenzione da parte del pubblico, in particolare L’anima e il suo destino (Raffaello Cortina, 2007), un bestseller da oltre centomila copie con traduzioni in altre lingue e una poderosa rassegna stampa, radiofonica e televisiva.
È oggetto di discussioni e polemiche per le posizioni non sempre allineate con le gerarchie ecclesiastiche, sia in campo etico sia in campo strettamente dogmatico.
Dal 2009 è editorialista del quotidiano La Repubblica. Coltiva da anni un rapporto costante con la carta stampata. Suoi articoli sono apparsi su Avvenire, Panorama, Corriere della Sera. Nel 2008 è stato collaboratore de Il Foglio. Numerosissime le recensioni e le interviste.
Apparso in diverse trasmissioni televisive e radiofoniche, ha inoltre curato per Rai Radio Tre nel 2008 cinque puntate della rubrica Damasco.

THE SPORTS SHOW - MINNEAPOLIS INSTITUTE OF ARTS

2012-02-19T00:28:00.000-08:00

THE SPORTS SHOW
Athletics as Image and Spectacle
MIA - Minneapolis Institute of Arts
2400 Third Avenue South - Minneapolis
19/2/2012 - 13/5/2012

The Minneapolis Institute of Arts (MIA) is the first major art museum to trace the rise of a global sports culture from the late 19th century to the present. A new exhibition, "The Sports Show," opening February 19, explores how photography and media created the modern spectacle of sports. Featuring photographs, moving images, and television clips of athletes and international competitions, the exhibition will delineate the evolution of sports events from community entertainment into spectacles of mass participation. "The Sports Show" will comprise photographs by Diane Arbus, Richard Avedon, Andreas Gursky, Alexander Rodchenko, Wolfgang Tillmans, and Andy Warhol, among other innovative photographers and filmmakers.

"In the nineteenth century, sports events were local events," said Curator of Photography and New Media David Little. "As technology advanced and the ability to disseminate information on an international level increased, people were able to see images of important games and victorious athletes from around the world. Suddenly, millions of people were witness to athletic action, and sports became and have remained spectacles, pop-culture phenomena, and political dramas. At the same time, sports images became triggers for memories of significant personal and historic events."

The exhibition is organized around five major themes: Leisure, Press, Race, Icons, and Spectacle. A centerpiece of the show is Paul Pfeiffer's The Saints, an immersive sound-and-video installation based on the 1966 World Cup final between Germany and Great Britain. Presented for the first time in the United States, the installation captures the fervor of nationalism and crowd dynamics in sports when two former warring nations competed. Other important media works include Roger Welch's OJ Simpson Project, which has not been seen its 1977 premier; Kota Ezawa's digital animation, The Brawl, which uses sound from a real-life fight at a Pistons-Pacers game; Tim Davis' The Upstate New York Olympics; and Douglas Gordon and Phillippe Parreno's Zidane: A 21st Century Portrait in a rare full-gallery installation.

Premiering during "The Sports Show" as part of the MIA's biannual contemporary photography series "New Pictures," is a special commission by British photographer Martin Parr. Considered one of the most renowned and celebrated photographers working today, Parr was invited by the MIA to come to Minnesota in January to shoot photos covering the wealth of its winter activities, from pond hockey to ice fishing. The results of his endeavor will be on view in the exhibition, "New Pictures 6: Martin Parr," opening April 20.

A fully illustrated, 304-page catalogue, including essays by Little, Joyce Carol Oates, and Simon Critchley, will accompany the exhibition.

"The Sports Show" is organized by the Minneapolis Institute of Arts. Generous support is provided by Dorsey & Whitney LLP. Support of educational programs & outreach activities provided by the Pohlad Family Foundation. Media Partner is the Star Tribune.

LA PITTURA GRAFICA DI FERENC PINTER - LITTLE NEMO ART GALLERY, TORINO

2012-02-19T00:26:00.001-08:00

LA PITTURA GRAFICA DI FERENC PINTER
a cura di Sergio Pignatone e Santo Alligo
Little Nemo Art Gallery
Via Ozanam 7 - Torino
dal 18/2 al 3/3/2012

In occasione della presentazione de: "Tutti gli Oscar di Pinter", terzo e conclusivo volume della collana ideata e curata da Santo Alligo sulle opere di Ferenc Pinter, e' allestita una mostra dedicata all'artista italo-ungherese. Le 100 opere esposte ripercorrono la carriera di quello che forse si puo' definire il piu' grande creatore di copertine della seconda meta' del secolo scorso. Dai concept a matita alle tecniche miste, dalle chine alle tempere, nelle quali e' ravvisabile la sua grande sintesi e l'innata sicurezza. Sono presenti opere originali per le piu' prestigiose collane mondadoriane: dagli Oscar ai Gialli di Maigret sino agli Omnibus Gialli. Non mancano alcune realizzazioni pittoriche dedicate al commissario Maigret di Simenon, ai manifesti politici antisovietici sino ai bozzetto per opere teatrali.

PIER ALDO ROVATTI: IL CORAGGIO DELLA FILOSOFIA. AUT-AUT 1951-2011 - IL SAGGIATORE, 2011

2012-02-19T00:25:00.000-08:00

PIER ALDO ROVATTI
IL CORAGGIO DELLA FILOSOFIA
Aut-Aut 1951-2011
Il Saggiatore, 24/11/2011
collana "La Cultura. Saggi"

Fondata a Milano da Enzo Paci nel gennaio 1951, "aut aut" rivista filosofica, ha avuto subito un respiro internazionale, per uscire in fretta dal provincialismo culturale di quegli anni. La fenomenologia di Husserl, nella elaborazione originale di Paci, diventa nel periodo successivo una militanza filosofica a tutto campo. Da qui nasce il peculiare marxismo critico del "decennio dei bisogni", gli anni Settanta, cui segue un lungo itinerario, che arriva fino a oggi, fatto di sforzi per reinventare la filosofia. "Il coraggio della filosofia" raccoglie alcuni dei testi più significativi di sei decenni di lavoro che hanno testimoniato la storia e le trasformazioni della filosofia contemporanea. Nella fase più recente, le analisi del potere di Michel Foucault e quelle dell'"alterità" di Jacques Derrida accompagnano uno scenario in cui incontriamo Warburg, Benjamin, Heidegger, Merleau-Ponty, Deleuze, Lévinas, Jankélévitch, Zambrano, Wittgenstein, Bateson, Goffman, Lacan, insieme ai migliori pensatori italiani (Vattimo e Agamben per esempio). Ci si interroga di nuovo sull'enigma della soggettività attraverso i temi del gioco e del paradosso. Si sonda l'ipotesi alquanto impopolare di un "pensiero debole". Vengono percorsi molti territori, soprattutto quelli della psicanalisi e della psichiatria critica. Si valorizzano le pratiche e i saperi concreti, le questioni di genere e tutto quell'equipaggiamento di pensiero che può costituire oggi "la politica", o "le politiche" della filosofia.

GUILLEM MARTINEZ: GUIDA ALLA BARCELLONA RIBELLE - VOLAND, 2011

2012-02-19T00:22:00.001-08:00

GUILLEM MARTINEZ
GUIDA ALLA BARCELLONA RIBELLE
Voland, 7/12/2011
collana "Finestre"

Barcellona e la sua vocazione alla ribellione. Dall’età della pietra fino alla fine del franchismo questo libro mostra una città inedita, la Barcellona che c’è sotto la Barcellona che conosciamo tutti, quella che si nasconde nei suoi vicoli e nei suoi quartieri. Una città in continuo fermento, dal carattere particolare, diversa dalle altre città della penisola iberica, che ha incantato Cervantes, Moratín o Genet. Una Barcellona diversa da quella turistica e ufficiale, ma sicuramente più autentica e interessante.

MASSIMO DE MICHELI: LE FAMIGLIE OTTONELLO E LOMELLINI - ACCADEMIA URBENSE, 2011

2012-02-19T00:21:00.001-08:00

MASSIMO DE MICHELI
LE FAMIGLIE OTTONELLO E LOMELLINI
nella storia della Repubblica di Genova
Accademia Urbense, 2011

Un percorso storico sulla Repubblica di Genova raccontato attraverso le vicende di due Famiglie ascritte al Patriziato Genovese, i cui personaggi si muovono nel contesto più ampio della Repubblica Aristocratica.

Vengono sviluppati diversi argomenti di carattere storico e nobiliare: la Nobiltà genovese, dalle origini alla formazione del Patriziato, l’Ordinamento della Repubblica di Genova, i Palazzi dei Rolli, le imprese dei Cavalieri di Malta con il Grande Assedio e la Battaglia di Lepanto, alcuni episodi di vita quotidiana nella Genova di Ançien Regime ed altro ancora.

Il ricco di materiale iconografico con illustrazioni a colori e b/n, comprende altresì una sezione dedicata all’Araldica genovese ed alla giurisprudenza nobiliare.

LAWRENCE WEINER: EVER SO MUCH / MAI COSÌ TANTO - BASE, FIRENZE

2012-02-18T00:03:00.000-08:00

LAWRENCE WEINER
EVER SO MUCH / MAI COSÌ TANTO
Base
via San Niccolo' 18 - Firenze
dal 18/2/2012 al 20/4/2012

Lawrence Weiner, figura centrale tra i fondatori della Conceptual Art, interviene nello spazio di Base / Progetti per l'arte con nuove installazioni sui muri di grande formato. E' la prima mostra personale di Weiner a Firenze e in Toscana, che segna l'inizio del quattordicesimo anno di attivita' dello storico spazio non profit.

Weiner ha formulato il suo lavoro, sin dal 1967, ricorrendo al linguaggio piuttosto che a medium tradizionali quali la pittura o la scultura, considerando esso stesso un oggetto materiale. Nel linguaggio, l'artista americano trova uno strumento per la rappresentazione materiale dei rapporti del mondo esterno eliminando tutti i riferimenti alla soggettivita' artistica, tutte le tracce della mano dell'artista, la sua abilita', o il suo gusto. Utilizzando, dove possibile, simboli semantici e grammaticali, egli ha articolato il suo lavoro in termini inequivocabilmente diretti. Tale scultura, chiara e concisa, sotto le forme di statements, e' progettata per offrire una nuova definizione del rapporto tra l'artista e lo spettatore: "una comune universale possibilita' di accesso" (Lawrence Weiner).

Tutti i lavori creati per luoghi specifici sono presentati, per questo, non solo in inglese ma anche nella lingua del paese che li ospita, proprio per una volonta' dell'artista di trasgredire i convenzionali confini del linguaggio stesso e lasciare una libera interpretazione.

Durante questi quarant'anni la produzione artistica di Lawrence Weiner si e' presentata in diverse forme dai primi film e video sperimentali, a performances, libri d'artista ad opere temporanee, e inoltre con numerosi progetti su larga scala di arte pubblica per le citta' di Vancouver, Vienna, Eindhoven, New York. Tra le importanti mostre recenti si annoverano quelle del Deutsche Guggenheim, Berlino (2000), del Museo Tamayo Arte Contemporaneo, Città del Messico (2004), della Tate Gallery, Londra (2006), Castello di Rivoli (2006). Nel 2007 il Whitney Museum, in collaborazione con il MOCA di Los Angeles, ha organizzato la prima grande retrospettiva del lavoro di Weiner, andata successivamente al K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen Museum di Dusseldorf.

BASE / Progetti per l'arte e' un'idea di artisti per altri artisti. BASE e' un luogo unico per la pratica dell'arte in Italia, la cui attivita' iniziata nel 1998, viene curata da un collettivo di artisti che vivono e operano in Toscana e che si fanno promotori di presentare a Firenze alcuni aspetti, tra i piu' interessanti dell'arte del duemila. BASE e' un dialogo sulla contemporaneita' aperto ad un confronto internazionale. Attualmente fanno parte del collettivo di BASE / Progetti per l'arte: Mario Airo', Marco Bagnoli, Massimo Bartolini, Paolo Masi, Massimo Nannucci, Maurizio Nannucci, Paolo Parisi, Remo Salvadori.

CLAIRE FALKENSTEIN: AN EXPANSIVE UNIVERSE - JACK RUTBERG FINE ARTS, LOS ANGELES

2012-02-18T00:01:00.000-08:00

CLAIRE FALKENSTEIN
AN EXPANSIVE UNIVERSE
Jack Rutberg Fine Arts
357 N. La Brea Avenue - Los Angeles
18/2/2012 - 28/4/2012

The solo show features a selection of the artist’s larger sculptural work and rarely-seen paintings, and follows an earlier Pacific Standard Time exhibition at the gallery of her intimately-scaled sculpture, wall pieces and iconic jewelry.

Claire Falkenstein’s (1908-1997) work, with its innovative use of materials such as glass, metal and resin, reveals a prescient fascination with the possibilities of chance and choice which parallels current views of our expanding universe. Her ability to move sculpture to non-traditional realms, whereby she incorporates and suggests both the expansiveness of form as well as the compression of space, has established her as one of the most important modern artists in this medium. Falkenstein is well-known as the creator of Peggy Guggenheim’s Venice palazzo gates.

Falkenstein’s first solo museum exhibition at the San Francisco Museum of Art in 1940 was followed by her works being shown at such prestigious museums as the Louvre and the Rodin Museums of Paris. Moving to Paris for 13 years in 1950, her studio was central as a meeting place for admiring critics and artists. Her works were shown at The Tate Gallery in London, Whitney Museum, Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, the Carnegie Institute in Pittsburgh, Art Institute of Chicago, the Guggenheim Museums in New York and Venice, National Museum of American Art at the Smithsonian Institute, San Francisco Museum of Modern Art, Los Angeles County Museum of Art, Armand Hammer Museum of Art, and the Museum of Contemporary Art in Los Angeles.

The exhibition also launches the first major publication detailing her entire career – Claire Falkenstein – with essays by art historians Susan M. Anderson and Maren Henderson, art writer and critic Michael Duncan, and an introduction by Philip Linhares, President of the Falkenstein Foundation and former Chief Curator of Art at the Oakland Museum of California.

ALBERTO BENISCELLI (a cura di). LIBERTINI ITALIANI - RIZZOLI 2012

2012-02-17T23:58:00.000-08:00

ALBERTO BENISCELLI (a cura di)
LIBERTINI ITALIANI
Letteratura e idee Rizzoli, 11/01/2012
collana "BUR. Classici moderni"

"L'Italia è piena di libertini e di atei e di gente che non crede in nulla. Tuttavia il numero di coloro che scrivono sull'immortalità dell'anima è pressoché infinito"

-- Gabriel Naudé

"Libertini italiani. Letteratura e idee tra XVII e XVIII secolo", a cura di Alberto Beniscelli (Letteratura italiana, Università di Genova), editore Rizzoli Bur, pagg. 918, euro 16,90. Ampia antologia, con ampia introduzione e ricco apparato di note, di testi italiani libertini e anticlericali tra il '600 e il '700. Paolo Sarpi, Giulio Cesare Vanini, Alessandro Tassoni, Secondo Lancellotti, Giordano Bruno, Cesare Cremonini, Antonio Rocco, Traiano Boccalini, Ferrante Pallavicino, Antonio Santacroce, Girolamo Brusoni, Gregorio Leti, Giovanni Girolamo Arconati Lamberti, Salvator Rosa, Arcangela Tarabotti, Giordano Bruno, Tommaso Campanella, Girolamo Cardano, Ludovico Settala, Francesco Pona, Fortunio Liceti, Giovan Battista Marino, Giovan Francesco Biondi, Francesco Fulvio Frugoni, Giovan Francesco Loredano, Giacomo Casanova, Conte di Cagliostro, Ferdinando Galiani, Lorenzo Da Ponte,...

Dei e uomini - la funzione della religione; la critica dei fondamenti religiosi; strategie di comunicazione e pratiche della censura (gazzettieri, librai stampatori); la manipolazione religiosa delle coscienze; la polemica contro la Chiesa Romana; l'astrologia, la metempsicosi, la cabala, l'alchimia; le "arti negre" (esoterismo, profanazione, empietà); la narrazione e la messinscena dell'eros; sulla natura della donna e della puttana; misoginismo e omosessualità; bruttezza, deformità, devianze; la satira; inquisizione, tribunali, torture; la "libertas philosophandi"; probabilismo, deismo, materialismo, ermetismi massonici; teorie e pratiche edonistiche nei salotti; letteratura licenziosa; personaggi- l'esploratore turco, l'impostore, il seduttore empio.

STEFANO CALABRESE (a cura di): LETTERATURA PER L'INFANZIA - RIZZOLI, 2011

2012-02-17T23:55:00.000-08:00

STEFANO CALABRESE (a cura di)
LETTERATURA PER L'INFANZIA
Dall'Unità d'Italia all'epoca fascista
Rizzoli, 2/3/2011
collana "BUR. Classici moderni"

Il vero e unico narratore è e resta quello di fiabe, se sai raccontare bene una fiaba, puoi raccontare qualsiasi altra cosa.

-- Walter Benjamin

Genere poco valorizzato ma frequentatissimo, la scrittura per bambini e ragazzi è sempre stata lo strumento attraverso il quale si sono tramandati i valori delle società in trasformazione. Intere schiere di fanciulli, bisognosi di essere addestrati alla civiltà degli adulti, sono stati ricondotti, attraverso il racconto, al rispetto delle norme sociali, e molti grandi autori della letteratura hanno dedicato parte della loro produzione all’infanzia.

Questa letteratura nel nostro paese ha legato il proprio destino alle esigenze dell’alfabetizzazione, e ciò spiega perché dopo l’unità d’Italia si sia assistito alla nascita di testi straordinari (di Gozzano, Capuana e Deledda tra gli altri) e alla fama di scrittori come Collodi, De Amicis e Vamba. I circa sessant’anni coperti da questa antologia, dall’unificazione nazionale all’epoca fascista, coincidono dunque con il periodo aureo del genere, quando le costrizioni pedagogiche sui giovani lettori non sono riuscite a soffocare la nascita di indimenticabili mondi di fiaba.

MERAVGLIATO PAESAGGIO - PALAZZO DELLA MERIDIANA, GENOVA

2012-02-17T23:53:00.000-08:00

MERAVIGLIATO PAESAGGIO
La scoperta della Liguria e i fotografi dell'Ottocento
a cura di Pietro Boragina e Giuseppe Marcenaro
Palazzo della Meridiana
Salita San Francesco 4 - Genova
dal 3/2 al 9/4/2012

Palazzo della Meridiana ospita dal 3 febbraio al 9 aprile 2012 la mostra fotografica "Meravigliato paesaggio: la scoperta della Liguria e i fotografi dell'800", curata da Pietro Boragina e Giuseppe Marcenaro, che con circa 120 fotografie in originale dell'800 permetterà di capire come l'idea di un luogo paesaggistico, la Liguria, si sia andata formando grazie all'apporto dei fotografi che per primi ne documentarono gli aspetti più emotivi e pittoreschi.

Grazie soprattutto ai fotografi stranieri ambulanti che attraversarono la regione, si avviò una vera e propria campagna fotografica che ebbe il merito di "inventare" un modo di vedere assolutamente nuovo che suscitò, in seguito, esplorazioni letterarie e turistiche.

La mostra sarà divisa in varie sezioni: una riguardante il Ponente Ligure da Ventimiglia a Sestri Ponente, una dedicata alla città di Genova e una relativa al Levante Ligure fino a Sarzana. Le varie sezioni saranno inframmezzate a tratti da alcune immagini ritraenti personaggi e i loro antichi mestieri.

Le opere esposte sono di celebri fotografi del tempo: Adolphe Bernoud, Alfred Noack, Adolphe Godard, Alessandro Pavia, Giovanni Battista Sciutto, Giulio Rossi, Enrico Bianchi, Domenico Del Re, Luigi Montabone, Jean Giletta, Jean Scotto, A. Mangiagalli, Francesco Ciappei, Pietro Guidi, Sorelle Gagliardi, Celestino Degoix.

ROSEMARIE TROCKEL: FLAGRANT DELIGHT - WIELS, BRUXELLES

2012-02-16T22:52:00.001-08:00

ROSEMARIE TROCKEL
FLAGRANT DELIGHT
Commissaire d'exposition : Dirk Snauwaert
Wiels
Avenue Van Volxem 354 - Bruxelles
17/2/2012 - 27/5/2012

WIELS présente la première exposition en solo de l'artiste allemande Rosemarie Trockel (1952, Schwerte) en Belgique. Bien que le travail de Rosemarie Trockel fasse clairement référence à l'héritage subjectif du surréalisme et du dadaïsme, il n'a pourtant que rarement été montré en Belgique. Cette exposition donne un large aperçu de son travail incluant des oeuvres et des séries des années' 80 jusqu'à aujourd'hui ainsi que d'autres spécialement conçues pour cette exposition.
Le fil rouge de cette exposition est composé de 40 collages récents, groupe expressif d'oeuvres à traver lesquelles Rosemarie Trockel rassemble de façon directe et impulsive le travail, l'iconographie, la sensibilité et les thèmes qui lui sont propres.
Rosemarie Trockel travaille avec des médias très différents. Son oeuvre de renommée internationale comprend des dessins, des collages bi- et tridimensionnels, des objets, des installations, des ‘images tricotées', de la céramique, des vidéos, des meubles, des habits et des livres. Son travail ne peut pas être placé dans un courant artistique ou style bien défini, mais l'on peut affirmer que l'intensité du contenu ou du thème en constitue le fil conducteur. Les thèmes sont aussi variés que les techniques utilisées et formulés à partir d'un point de vue précis et explicitement féminin.

ANTONIO COPPOLA: APOCALYPSE TOWN - LATERZA 2012

2012-02-16T22:49:00.000-08:00

ANTONIO COPPOLA
APOCALYPSE TOWN
Cronache dalla fine della civiltà urbana
Laterza, 16/2/2012
Collana "Saggi tascabili Laterza"

Nel cuore dell'America ci sono città sull'orlo della dissoluzione. Assomigliano, sempre di più, a campagne post-urbane. Un nuovo paesaggio che nella cintura di ruggine - la cosiddetta Rustbelt, che si estende dal Midwest fino a parte del Nordest del paese - è diventato molto comune. Con le fabbriche e i negozi del suburbio abbandonati, distrutte dagli incendi e dalle rivolte razziali degli anni Sessanta e Settanta, da queste città è fuggita più della metà degli abitanti. Lasciandosi alle spalle macerie e popolazioni immiserite, che ogni giorno lottano per la sopravvivenza in un ambiente sempre più ostile. Dalle praterie urbane di Youngstown, dove l'amministrazione comunale si è ormai ridotta a pianificare con zelo l'autodistruzione della città, all'industria del riciclo e della decostruzione di Buffalo, dove attivisti visionari smontano con dovizia e con amore ciò che resta della città; dai deserti alimentari di Detroit e Philadelphia, dove sono scomparsi negozi e supermercati e gli abitanti si organizzano con geniali intraprese agricole, fino alle città come New York che puntano sull'agricoltura urbana, per costruire città più sostenibili grazie a un perfetto metabolismo naturale. Questo è il racconto di territori e popolazioni che non fanno parte delle rappresentazioni consolidate a cui siamo abituati, storie di persone che inventano nuovi modi di vita in ambienti in cui a essersi dissolta - forse per sempre - è la società contemporanea per come la conosciamo.

ALESSANDRO FERGOLA: ESSENZE BAROCCHE - PALAZZO SPINOLA, GENOVA

2012-02-16T22:45:00.000-08:00

ALESSANDRO FERGOLA
ESSENZE BAROCCHE
a cura di Farida Simonetti
Galleria Nazionale di Palazzo Spinola
piazza Pellicceria - Genova
dal 15/ al 27/5/2012

La mostra intende proporre al pubblico il dialogo, con interessanti rimandi e suggestive contaminazioni, tra le opere barocche appartenenti alle collezioni della Galleria e le tele realizzate dal pittore Alessandro Fergola, la cui presentazione negli ambienti storici del palazzo rende evidente i contatti esistenti tra le opere seicentesche presenti nelle sale, con particolare riferimento alle testimonianze figurative di Grechetto, Domenico Piola e Gregorio De Ferrari, e il complesso e profondo linguaggio pittorico dell'autore contemporaneo.

PEINTURE D'ENSEMBLE - GALLERIA MARTANO, TORINO

2012-02-15T20:54:00.001-08:00

PEINTURE D'ENSEMBLE
Alba anni '50. Un laboratorio di situazioni
a cura di Sandro Ricaldone
Galleria Martano
via Principe Amedeo 29 - Torino
dal 16/2/2012 al 10/4/2012

Lungo tutto il ventesimo secolo la collaborazione fra artisti è stata una componente vitale – benché sinora poco riconosciuta - dello sviluppo dell’avanguardia.

E’ con i fili delle interrelazioni che la trama dell’arte, come quella della vita, si è intessuta. Cameratismo, amicizia, interessi e ambizioni condivise, il dinamismo dei movimenti artistici nella loro fase nascente e la vicinanza in tempo di guerra od in altre situazioni di sconvolgimento, tutto questo ha incentivato la creazione di opere d’arte collaborativa.

--Cynthia Jaffee McCabe

Dall’entrata in scena delle Avanguardie storiche la vicenda novecentesca ha visto il moltiplicarsi di esperienze di collaborazione fra artisti, in un crescendo che ha progressivamente scalzato l’idea romantica del creatore solitario. Dalle serate futuriste al Paradiso dipinto a quattro mani da Franz Marc e August Macke nel 1912, dai collages Dada di Max Ernst e Hans Arp ai cadavres exquis surrealisti è venuta consolidandosi una tendenza che ha portato da ultimo non solo a collaborazioni a lungo termine ma a vere e proprie forme di autorialità interpersonale (Gilbert & George; Christo & Jeanne-Claude o, più recentemente, Fischli & Weiss, Dinos and Jake Chapman).

Una fase di particolare intensità di questo processo si manifesta in Cobra (1948-51) con le peintures-mots, iniziate da Christian Dotremont ed Asger Jorn, in cui si fondono gli apporti poetico e visivo di due diversi artefici e nelle decorazioni collettive di edifici. Nell’ambito del M.I.B.I., il Movimento Internazionale per una Bauhaus Immaginista successivamente fondato da Jorn, dopo l’incontro di questi con Gallizio e Simondo nell’estate del ’55 la collaborazione diviene uno dei modi primari delle ricerche praticate nel Laboratorio sperimentale di Alba.

Nella mostra allestita dalla Galleria Martano questo aspetto viene evocato attraverso alcuni lavori a quattro o più mani, autentiche peintures d’ensemble come ebbe a definirle Gallizio in uno scritto del 1959. Accanto alla tavola del 1956 in cui – in occasione del Primo Congresso mondiale degli Artisti liberi – Constant, Gallizio, Jorn, Kotik e Simondo hanno riversato i loro interventi, Vi figurano un monotipo di Simondo e Gallizio, due tempere di questi rispettivamente con Karel e Machteld Appel, con Walter Olmo, con Soshana e un’opera realizzata con Asger Jorn su uno dei sovraporta del soggiorno di casa Gallizio.

Più in generale, il clima dell’epoca e la rete di rapporti collaborativi intessuta dagli animatori del Laboratorio (che dal 1957 diventa Situazionista) viene riflesso in una sequenza di opere di Alechinsky (Tristesse limpide, un olio del 1960), Appel (Tête, 1960), Sandro Cherchi (una ceramica), Constant (litografie dalla cartella Het Uitzicht van de Duit, 1952), Farfa (due cartopitture degli anni Cinquanta), Gallizio (tra cui uno dei quadri realizzati con le resine naturali ed un brano di “pittura industriale”), Garelli (una scultura del ’59), Jorn (una testa del ’56 e il dipinto Le streghe di Albisola del 1958), Kotik (uno dei lavori portati a termine nel Laboratorio), Simondo (un monotipo e una tela importante del 1956), Soshana e Wolman.

MEMBRA DISIECTA FOR JOHN CAGE - FREIRAUM QUARTIER21 INTERNATIONAL, WIEN

2012-02-15T20:52:00.002-08:00

MEMBRA DISIECTA FOR JOHN CAGE
Wanting to say something about John
Curators: Jozef Cseres, Georg Weckwerth
freiraum quartier21 INTERNATIONAL
MuseumsQuartier Museumsplatz 1 - Wien
16/2/2012 - 6/5/2012

"Membra Disjecta for John Cage: Wanting to Say Something About John" is an international group exhibition featuring works about the American composer by more than sixty artists. John Cage is one of the most important personalities in the arts from the 20th century. His radical aesthetic concept expanded the classic understanding of music and art, and influenced happenings, the Fluxus movement, and minimal art. Curated by Jozef Cseres and Georg Weckwerth, the show is on view at freiraum quartier21 INTERNATIONAL at the MuseumsQuartier Wien from February 17 to May 6, 2012.

Few artists have had such a profound effect on 20th-century art as composer, musician, visual artist, and writer John Cage (1912-1992). Inspired by Zen Buddhism and Marcel Duchamp's understanding of art, in the 1940s and 50s John Cage developed experimental music with unusual sound sources, bizarre instruments, and everyday noises. He organized sounds and events and introduced chance as an important element in his work. His aesthetics formed the basis for the emergence of minimalist art and actionist movements such as happenings and Fluxus, influencing both visual art and music.

Featuring more than hundred different works, "Membra Disjecta for John Cage: Wanting to Say Something About John" is an homage to John Cage, whose hundred birthday is being celebrated around the world in 2012. The Latin term "membra disjecta" in the exhibition title indicates John Cage's method of working with a scattering of elements from various sources. The subtitle refers to a multiple that John Cage created in Marcel Duchamp's honor after his death: "Not Wanting to Say Anything About Marcel."

John Cage's intermedia and multimedia works and his open approach to art is reflected in the interdisciplinary contributions to this exhibition, ranging from paintings to drawings, prints, sound installations, collages, instructive pieces, sculptural objects, installations, and videos. Concerts, performances, lectures, and a workshop for kids and teens are also being offered in conjunction with the exhibition.

Participants include many friends, companions, and contemporaries of John Cage as well as younger artists, among them Milan Adamciak (SVK), Tyler Adams (USA), Sam Ashley (USA), Conny Blom (S), William Brovelli/Margaret Leng Tan (USA), Arturas Bumsteinas (LTU), Christopher Chew/Margaret Leng Tan (USA), Nicolas Collins (USA), Philip Corner (USA/ITA), Alvin Curran (USA/ITA), Arnold Dreyblatt (USA/GER), David Dunn (USA), Peter Graham (CZE), Sabine Groschup (AUT), Milan Grygar (CZE), GX Jupitter-Larsen (USA), Franz Hautzinger (AUT), Pierre Hebert (CAN), Gary Hill (USA), Svetozar Ilavsky (SVK), Hilary Jeffery (GBR/NED), Hassan Khan (EGY), Alison Knowles (USA), Richard Kostelanetz (USA), Petr Kotik (USA/CZE), Joan La Barbara (USA), Brandon LaBelle (USA), Alan Licht (USA), Benoit Maubrey (USA/GER), Gordon Monahan (CAN), David Moss (GBR/GER), Morgan O'Hara (USA), Marian Palla (CZE), Paul Panhuysen (NED), Ben Patterson (USA/GER), Michael Prime (GBR), George Quasha (USA), Keith Rowe (GBR), Blahoslav Rozbo?il (CZE), Jan Steklík (CZE), Volker Straebel (GER), Jiri Sigut (CZE), Richard Teitelbaum (USA), John Tilbury (GBR), Yasunao Tone (USA), The Lazy Anarchists (SVK/HUN/USA/GER), Kris Vleeschouwer (BEL), Hong-Kai Wang (TW), and Christian Wolff (USA). Some of them will be living and working in Vienna in the coming months as quartier21/MQ Artists-in-Residence.

The exhibition is being organized as part of the quartier21/MQ series "freiraum quartier21 INTERNATIONAL" in cooperation with the Federal Ministry for European and international affairs, the Slovak Cultural Institute in Vienna, the Czech Center in Vienna, and other national and international partners.

The exhibition will be accompanied by a catalogue in English and Czech published by Galerie vytvarneho umeni v Ostrave.

ROMOLO G. CAPUANO: BIZZARRE ILLUSIONI - MIMESIS, 2012

2012-02-15T20:50:00.001-08:00

ROMOLO G. CAPUANO
BIZZARRE ILLUSIONI
Lo strano mondo della pareidolia e i suoi segreti
Mimesis, 11/01/2012
collana "Filosofie"

Il serpente di ghiaccio, l’elefante che vola, il drago sul soffitto. Quante volte ci è capitato di vedere cose che non ci sono. È il modo istintivo di lavorare del nostro cervello che mette insieme pochi punti o linee su una superficie, mostrandoci un’immagine completa di qualcosa cui dare un nome. L’operazione si chiama tecnicamente pareidolia e parla di tutta la nostra forza di esseri donatori di senso. Questo libro, il primo in Italia, racconta tutte le pieghe di questo meccanismo automatico, di questa straordinaria fabbrica delle illusioni che tutti abbiamo in testa. Molti casi di avvistamenti di UFO o di fantasmi si possono ricondurre alla pareidolia. Appassionante e documentato, questo libro offre una panoramica dell’importanza che questa bizzarra illusione ha nelle nostre vite.

ELIO MATASSI: IL GIOVANE LUKAKS - MIMESIS, 2011

2012-02-15T20:49:00.000-08:00

ELIO MATASSI
IL GIOVANE LUKÀKS
Saggio e sistema
Mimesis, 19/10/2011
collana "Filosofie"

L’itinerario intellettuale del giovane Lukács, alla vigilia della svolta politica successiva alla Rivoluzione d’Ottobre e alla sua scelta di campo comunista e rivoluzionaria. la rilettura di Matassi elabora in una prospettiva di continuità i passaggi teorici più stridenti della sua riflessione: il passaggio dalla forma saggistica a quella tragica e quello dal saggio al sistema. Mediante l’ausilio del materiale manoscritto fornito dal Lukács Archivum di Budapest, in particolare di quello su Dostoevskij, viene qui dedotto il filo conduttore che ha condizionato in larga misura la direzione stessa della sua ricerca, un filo conduttore intrinseco alle ragioni più profonde del pensatore magiaro.

VANIA COMORETTI: IRIDE - SALA DOGANA. GENOVA

2012-02-15T20:47:00.000-08:00

VANIA COMORETTI
IRIDE
Sala Dogana - Palazzo Ducale
piazza Matteotti 9 - Genova

Vania Comoretti analizza l’iride, la parte dell’occhio che più di tutte vanta una letteratura scientifica, filosofica, esoterica, attraversando le considerazioni che dell’iride vengono esposte dalla mitologia greca fino ad arrivare alle aberranti misurazioni antropometriche e fisiognomiche operate dal nazismo con i suoi terribili esperimenti, passando per l’illuminista Voltaire. Ma è soltanto una prefazione, un viaggio culturale dentro un mondo che affascina l’artista per motivi personali, formali, etici ed estetici.

L’iride si perpetua all'interno delle generazioni di una stessa famiglia.

Per Comoretti essa identifica “il luogo di appartenenza delle persone”. I ritratti sono occhi che forniscono sguardi, che le opere restituiscono allo spettatore, in un gioco di “mise en abime“ per cui l’opera guarda colui che la guarda.

“Dell'iride – sostiene Comoretti - m’interessa anche il suo rapporto con le linee della pelle che la contengono, come se la possibilità di contenimento e di apertura delle palpebre restituissero il passaggio tra l'individuo e l'esterno”. In questo modo l’iride diviene il centro di un incontro con l’universo, diviene il centro della vista e dello sguardo sulle cose. Attraverso il ritratto dell’iride l’artista riporta l’attenzione al grado zero dell’arte, a quella condizione di possibilità del vedere che è l’organo della vista al quale tanta scienza e tanta filosofia del passato hanno dedicato attenzione, ritenendo l’occhio uno degli organi preponderanti per la conoscenza e la speculazione.

Nel polittico After Comoretti ritrae l’iride dei familiari, poi quella di amici e persone che hanno un legame con lei e tra loro. In questo modo l’artista traccia una sorta di sguardo collettivo, portandoci nelle profondità di un’anima, il cui specchio appunto è l’organo della vista. Passando dal ritratto del volto a quello dell’iride delle persone che ruotano attorno al proprio universo intimo, Comoretti utilizza un procedimento di ingrandimento e di focalizzazione del dettaglio, portando in luce il particolare per studiarne il colore, la luce, la brillantezza, la tessitura biologica. Così facendo Comoretti usa l’idea dello “studio” antico, dello schizzo preparatore, che nel disegno antico accoglieva su uno stesso foglio varie pose del capo e dettagli espressivi. E così facendo traccia una bio-logia, una logica del bios, del corpo organico che nella sua configurazione può diventare scrittura, geroglifico, perfino simbolo. Molta filosofia contemporanea ha sostenuto una rivalutazione del corpo nei confronti dell’anima, ribaltando la logica meccanicistica che la modernità aveva ricavato da Cartesio, per avvalorare la tesi di un corpo che è anche anima e di un’anima che è anche corpo, ovvero di una non separabilità tra quella scrittura fisica e organica che è il nostro corpo e quel principio ordinatore che detta le regole di tale scrittura, qual è l’anima.

Il lavoro di Comoretti è alimentato da una profonda intenzione analitica, dalla volontà di rappresentare la forza e il senso di una “mappatura” dei corpi che in questa nuova occasione espositiva si basa sulla ricerca di un progetto che nasce dalla constatazione che il “personale è reale”. In un’epoca di comunicazione generalizzata, tornare sul disegno tracciando un nuovo territorio geografico d’appartenenza attraverso l’uso di una mappatura delle persone più prossime all’artista, significa scardinare dall’interno, dal basso di un’arte che cerca il sublime nelle pieghe nascoste di un corpo, un sistema abituato a pensare sempre più in termini generali, globali, mondiali. Nel mondo macro, reso tale dalla globalizzazione del nostro stesso modo di essere nel mondo, Comoretti rappresenta l’istanza ancora vivente e vitale del mondo micro, fatto di sensazioni tattili, di sguardi unici e irripetibili, di cui il progetto Iride rappresenta un tentativo di esaltazione, profondamente conturbante.

-- Nicola Davide Angerame

Vania Comoretti (Udine, 1975) vive e lavora tra Udine e Venezia. Diplomata in Restauro con Indirizzo Pittorico presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, ha vinto il Premio Accademia al Premio Arte 2004 (Palazzo della Permanente, Milano). Nel 2005 ha esposto con una personale, Skin, al Centro d’Arte Contemporanea di Villa Manin (Udine), e nell'ambito della 51. Biennale di Venezia. Nel 2006 ha collaborato con la casa editrice Bompiani, nel 2007 ha vinto la prima edizione del Premio Saatchi Showdown (Londra) e ha partecipato al Premio Cairo (Palazzo della Permanente,Milano). Sono del 2008 l’assegnazione di uno studio d’artista da parte della Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia e la partecipazione, in collaborazione con Moleskine, nei Parallel Events di Manifesta 7 (Trento), la presenza all’FBA Annual Exhibition della Royal Society of Portrait Painters (Londra) e la partecipazione alla mostra di apertura della nuova sede della Saatchi Gallery (Londra). Nel maggio 2009 ha partecipato nuovamente all’FBA Annual Exhibition della Royal Society of Portrait Painters e il suo lavoro è stato esposto nella mostra Krossing, evento collaterale della 53. Biennale di Venezia. Nel dicembre 2009, nell’ambito di Area Progetto, le è stata dedicata una mostra personale, Gratia, alla Galleria Civica di Modena, nel medesimo anno ha partecipato alla collettiva myDetour Moleskine (San Francisco, USA). Del 2010 è la mostra personale Transizioni alla Galerie Domi Nostrae in collaborazione con l'Istituto Italiano di Cultura di Lione (Francia). Nel 2011 è stata selezionata per esporre nella sezione Accademie del Padiglione Italia alla 54. Biennale di Venezia. Dal 2003 al 2011 l’artista ha partecipato ad esposizioni personali e collettive in Italia, Inghilterra, Spagna, Svezia, Francia e a fiere nazionali e internazionali, tra le quali Arte Fiera Art First (Bologna), MiArt (Milano), Roma. The Road to Contemporary Art (Roma), Art Moscow (Mosca, Russia).

TIZIANO E LA NASCITA DEL PAESAGGIO MODERNO - PALAZZO REALE, MILANO

2012-02-14T21:54:00.000-08:00

TIZIANO E LA NASCITA DEL PAESAGGIO MODERNO
a cura di Mario Lucco
Palazzo Reale
piazza Duomo 12 - Milano
dal 15/2 al 20/5/2012

Promossa dal Comune di Milano - Cultura, Moda, Design e Palazzo Reale, in collaborazione con Civita e GAmm Giunti, apre dal 16 febbraio al 20 maggio 2012, nella centralissima sede espositiva milanese, la mostra “Tiziano e la nascita del paesaggio moderno”.

Il percorso in Palazzo Reale, curato da Mario Lucco, da un progetto ideato da Tekne International, raccoglie cinquanta opere alla scoperta della nascita del paesaggio moderno nella pittura del cinquecento, ordinando nelle sue sale un selezionatissimo gruppo di straordinari dipinti dei grandi maestri.

Il Cinquecento è stato, nella pittura veneta, il secolo di Tiziano. A partire dalla lezione di Bellini e Giorgione, Tiziano ha avuto il merito di elaborare una nuova idea dell’ambiente naturale che, evolvendosi attraverso varie fasi e significati, lo portò a definire nella lingua italiana il termine stesso di “paesaggio” nella sua accezione moderna. La parola “paesaggio” compare infatti per la prima volta nel 1552, in una celebre lettera dello stesso Tiziano all’imperatore Filippo II, dando prova della consapevolezza di una novità piena e clamorosa.

Ciò che si verificò in quegli anni, fu una vera rivoluzione poetica: dalla enunciazione di “paese”, talvolta espresso come “sfondo” non invasivo della raffigurazione, talvolta come racconto di spaccati di vita contadina in una natura ospitale, si passò a una diversa dichiarazione e quindi a una differente valenza.

Il paesaggio si trasforma, perde attinenza con la realtà, si idealizza, diventa espressione, colore, poesia. Panorami inventati, fenomeni atmosferici impetuosi, vegetazioni spesso improbabili, tramonti fiammeggianti, notturni siderali, accompagnano le scene, finalmente, nel ruolo dell’attore e non della comparsa.

Questa è l’invenzione, la moderna poetica del paesaggio.

Per costruire un percorso espositivo capace di far vivere questa svolta, Mauro Lucco, uno dei più importanti conoscitori della pittura veneta del ‘500, ha selezionato cinquanta capolavori, provenienti da alcuni dei maggiori musei americani - come il Museum of Fine Arts di Houston, l’Institute of Arts di di Minneapolis, l’Art Museum of Princeton University - ed europei - come la National Gallery di Londra, la Gemaldegalerie Alte Meister di Dresda, il Szepmuveszéti Muzeum di Budapest, le Gallerie dell’Accademia di Venezia, gli Uffizi di Firenze, complessivamente 37 diversi prestatori da tutto il mondo -, che saranno esposti a nella mostra a Palazzo Reale.

La mostra è aperta da due capolavori - la Crocifissione nel paesaggio di Giovanni Bellini e La prova del fuoco di Giorgione - che accompagnano un celebre dipinto giovanile di Tiziano, La sacra conversazione.

Seguendo il modificarsi della funzione del paesaggio, il percorso si sviluppa poi attraverso le sale, in cui le opere di Palma il Vecchio, Cima da Conegliano, Veronese, Bassano - fino alla chiusura con lo straordinario Narciso di Tintoretto - sono accostate ad altri dipinti di Tiziano, chiaramente interpreti di questa novità, come L'Orfeo e Euridice, La Nascita di Adone, Tobiolo e l'angelo, L’adorazione dei pastori.

In quegli anni, fra la fine del '400 e il primo '500, Jacopo Sannazzaro componeva e pubblicava l’Arcadia - uno dei capolavori della letteratura italiana, la cui prima edizione del 1504 sarà esposta in Palazzo Reale - dove la natura, le mutazioni atmosferiche, i lavori della campagna, la pastorizia disegnano un mondo di felice semplicità. Un nuovo sentimento della natura, fatto anche di tramonti infuocati, tempeste, greggi al pascolo, accompagna le reali trasformazioni del paesaggio.

A questo, si deve aggiungere l’arrivo a Venezia, nei primi anni del secolo, di artisti e di opere del Nord Europa che aprono nuove dimensioni e possibilità espressive: l’ambiente “patetico”, dove le luci dell’alba o del tramonto conferiscono alla scena una forte carica sentimentale; l’ambiente “deserto” in cui si trova una natura selvaggia e mai domata dalla mano dell’uomo; l’ambiente “vero” che delinea un ritratto generico di luogo, anche focalizzando l’attenzione su dettagli, quali un gruppo di alberi, una roccia, uno specchio d’acqua, come espresso nel capolavoro di Brueghel, proveniente dall’Ambrosiana di Milano.

Gli inserti paesistici nei dipinti sono anche fortemente indicativi dei concetti mutevoli che, negli stessi anni, si hanno dell’ambiente naturale: dall’armonica fusione di selvaggio e addomesticato, di città e campagna, al passaggio a un mondo un po’ ostile, all’emergere sempre più forte delle costruzioni rurali o rustiche come soggetti degni di essere rappresentati, e dunque della sempre più acuta consapevolezza delle disparità sociali e della miseria che circonda la società più fortunata. Campione di tale idea e stupendo cantore delle cose umili è Jacopo Bassano.

A partire dagli anni Venti, Domenico Campagnola inizia a produrre, per i suoi collezionisti, disegni in cui ritrae una natura di fantasia, priva di presenze umane; Paolo Veronese si dedica al paesaggio “manieristico” fatto di pochi elementi asserviti alla figura, mentre Lambert Sustris al contrasto tra un mondo cresciuto senza regole che non siano quelle della natura stessa, e i giardini progettati dall’uomo.

Di un ambiente ‘selvaticamente germinante’, di una vitalità infinitamente superiore a quella umana, si fa interprete l’ultimo Tiziano, in cui la materia e il mondo stesso fermentano. Si tratta, tuttavia, degli ultimi lampi di una natura che nel frattempo sembra uscita dall’orizzonte artistico, soppiantata da un più forte uso delle luci.

Il ciclo inaugurato da Giovanni Bellini e Giorgione e sviluppato in modo particolare da Tiziano può dirsi completamente concluso, lasciando la splendida eredità dell’invenzione del paesaggio.

Accompagna la mostra un catalogo edito da GAmm Giunti.

SONG DONG: WASTE NOT - BARBICAN CENTRE, LONDON

2012-02-14T21:52:00.000-08:00

SONG DONG
WASTE NOT
Barbican Centre - The Curve
Silk Street - London
15/2/2012 - 12/6/2012

This is the first major exhibition in the UK by the Chinese artist, Song Dong. A poignant meditation on family life and the artist’s own childhood during the Cultural Revolution, the installation comprises over 10,000 items collected by Song Dong’s mother, Zhao Xiangyuan, over five decades - ranging from a section of the family home, to metal pots and plastic bowls to blankets, bottle caps, toothpaste tubes and toys. The activity of saving and re-using things is in keeping with the Chinese adage wu jin qi yong – ‘waste not’ – a prerequisite for survival during periods of social and political turmoil.

Song Dong is known for his conceptual and often very personal performances and installations. For his London exhibition, Song Dong has developed a new iteration of Waste Not. First conceived in 2005, it remains of the utmost significance to the artist. Unexpectedly and tragically Zhao Xiangyuan died in an accident in 2009. Each time Song Dong remakes the work, assisted by his sister, Song Hui, and his wife Yin Xiuzhen, the entire family is brought together again. Memories are rekindled and personal family objects are rediscovered, bringing powerful emotions to the fore.

Ultimately, Waste Not speaks of the strong bonds between family members and the power of objects to tell stories and shape our lives. The installation invites you to intimately relate to their extraordinary life story.

DOUBLE SOLITAIRE: THE SURREAL WORLDS OF KAY SAGE AND YVES TANGUY - THE KATONAH MUSEUM OF ART, 2011

2012-02-14T21:50:00.000-08:00

DOUBLE SOLITAIRE
THE SURREAL WORLDS OF KAY SAGE AND YVES TANGUY
Text by Stephen Robeson Miller, Jonathan Stuhlman
The Katonah Museum of Art
august 2011

Yves Tanguy and Kay Sage were two of Surrealism's leading painters, who together elaborated de Chirico's world of isolate and obdurate forms into eerie landscapes sparsely populated with biomorphic life forms.

Here, for the first time, the work of this dynamic couple is explored in depth. An essay by Stephen Robeson Miller examines the intersection of Sage's and Tanguy's biographies with their work, accurately recounting for the first time Sage's conversion to Surrealism.

A second essay by Jonathan Stuhlman traces the ways in which Sage's art influenced Tanguy's.

These essays are accompanied by color plates containing several previously unreproduced works and photographs.

ICELANDIC ART TODAY - HATJE CANTZ, 2012

2012-02-14T21:45:00.001-08:00

ICELANDIC ART TODAY
edited by Christian Schoen, Halldór Björn Runólfsson
Text by Eva Heisler, Halldór Björn Runólfsson, Christian Schoen, Gregory Volk, et al.
Hatje Cantz
january 2012

Icelandic Art Today offers a broad survey of the diverse creative trends unfolding in Iceland. This sourcebook features hundreds of works by over 50 artists, including Finnbogi Pétursson, Gabríela Fridriksdóttir, Helgi Thorgils Frídjónsson, Icelandic Love Corporation, Katrín Sigurdardóttir, Margrét H. Blöndal, Ólafur Ólafsson + Libia Castro, Ragnar Kjartansson, Rúrí and Steingrímur Eyfjörd.

PIERO SIMONDO: L'IMMAGINE IMPREVISTA - MUSEO DI VILLA CROCE, GENOVA 15/2/2012

2012-02-14T21:44:00.000-08:00

PIERO SIMONDO
L'IMMAGINE IMPREVISTA
presentazione del volume edito da Il Canneto
Museo d'Arte contemporanea di Villa Croce
via Jacopo Ruffini 3 - Genova
mercoledì 15 febbraio 2012, h. 17,30

Presentazione del volume di PIERO SIMONDO edito da Il Canneto, pubblicato in occasione dell´antologica dell´artista svoltasi la scorsa estate nell´Oratorio de´ Disciplinanti di Finalborgo.
Intervengono:
- Nicolò De Mari
- Giuliano Galletta
- Sandro Ricaldone
- Paola Valenti

Il volume, introdotto da un saggio critico di Sandro Ricaldone, raccoglie gli scritti in cui Simondo rievoca alcuni fra gli eventi e le esperienze che l´hanno visto protagonista, dalla creazione – con Asger Jorn e Pinot Gallizio – del Laboratorio Sperimentale di Alba, all´organizzazione del Primo Congresso Mondiale degli Artisti liberi, svoltosi nella città piemontese nel 1956, ed alla fondazione dell´Internazionale Situazionista, avvenuta l´anno seguente durante un soggiorno nella sua casa di Cosio d´Arroscia.

A questi si affiancano il resoconto di un lungo colloquio con Cesare Viel e le interviste degli anni ´90, in cui l´autore ripercorre le tappe fondamentali del suo itinerario creativo Completano il volume una significativa selezione di monotipi e dipinti realizzati fra il 1954 ed il 2008 ed una sezione dedicata a fotografie e documenti d´epoca.

Piero Simondo nasce a Cosio d'Arroscia (IM) nel 1928. Allievo di Felice Casorati e di Filippo Scroppo all'Accademia Albertina di Torino, si laurea in Filosofia all'ateneo torinese.

Nel ’52 si trasferisce ad Alba, ospite di Pinot Gallizio, che introduce alla pittura.

Una mostra ad Albisola segna nell’estate del ’55 l'incontro con Asger Jorn e porta alla creazione, ad Alba, del Laboratorio Sperimentale del MIBI e alla pubblicazione del Bollettino del movimento, “Eristica”. Nell'estate 1956 Simondo organizza, sempre ad Alba, con Jorn, Gallizio ed Elena Verrone (che sposa l’anno seguente), il primo Congresso mondiale degli artisti liberi sul tema "Le arti libere e le attività industriali".

Nel luglio 1957 è tra i fondatori dell’Internazionale Situazionista, da cui si stacca dopo pochi mesi.

Trasferitosi a Torino, fonda con un gruppo di operai e intellettuali il CIRA Centro Internazionale di Ricerche Artistiche(1962-1967), con cui elabora progetti di installazioni sull’alienazione e i media.

Nel 1972 entra all'Università per occuparsi dei laboratori di "attività sperimentali" presso l'Istituto di Pedagogia. Qui insegna poi Metodologia e didattica degli audiovisivi.

La sua attività artistica inizia negli anni ’50 con i “Monotipi”, cui fanno seguito, all’inizio del decennio successivo, le “Topologie”. Nel 1968 inaugura il ciclo dei “Quadri-manifesto” cui succedono, nel tempo, le “Ipo-pitture”, i “Nitro-raschiati” e altri cicli pittorici improntati alla sperimentazione di nuove tecniche e materiali. Negli anni '90, quando con l'età "l'angoscia dell'avanguardia si è attenuata", Simondo torna ad usare i pennelli e i pastelli, producendo alcuni grandi polittici. Nell'ultimo decennio si dedica in prevalenza a lavori su carta nei quali rivisita con freschezza creativa i procedimenti elaborati in precedenza.

AMBROGIO LORENZETTI: LA PICCOLA MAESTA' - SOVRINTENDENZA BSAE SIENA

2012-02-13T23:41:00.000-08:00

AMBROGIO LORENZETTI
LA PICCOLA MAESTÀ
Soprintendenza BSAE di Siena e Grosseto
Via del Capitano 1 - Siena
dal 14 Febbraio al 17 Giugno 2012

Dal 14 Febbraio al 17 Giugno 2012, al piano terra della Sede della Soprintendenza BSAE di Siena e Grosseto (Siena, Via del Capitano n.1), sarà possibile ammirare la Piccola Maestà (1340 circa), capolavoro di Ambrogio Lorenzetti. Un allestimento didattico guiderà i visitatori tra le opere più significative del maestro senese e permetterà di avvicinarsi all’unico esemplare di Maestà lorenzettiana di committenza privata e di assaporarne la resa luministica.

Una delle più interessanti innovazioni di questa piccola tavola, infatti, consiste nella particolare tecnica adottata, grazie alla quale gli angeli che circondano la Madonna sembrano scomparire nella luce, con un accorgimento che precorre gli effetti luministici tipici di Beato Angelico.

La articolata iconografia della ancona da viaggio, certo realizzata per un alto prelato della curia romana, ha suscitato interesse per la sua complessità. Basti dire che nel tappeto che la Vergine calpesta compaiono addirittura i simboli della Grande Madre anatolica tipici dei kilim.

Invece, nella parte superiore del dipinto, rispetto alla policromia del resto della tavola, prevale il fondo oro che, dall’alone intorno al gruppo centrale, si irradia fino alle vesti angeliche.

Si è giunti a dire che “nella Piccola Maestà il colorismo senese toccò il grado supremo”.

HANS HAACKE: CASTILLOS EN EL AIRE - MUSEO REINA SOFIA, MADRID

2012-02-13T23:39:00.000-08:00

HANS HAACKE
CASTILLOS EN EL AIRE
comisario: Manuel Borja-Villel
Museo de Arte Centro Reina Sofia
Edificio Sabatini, Planta 3
Calle Santa Isabel 52 - Madrid
15 de febrero – 23 de julio de 2012

Hans Haacke está considerado pionero y uno de los principales representantes de la llamada crítica institucional surgida a finales de los años sesenta. Su trabajo explora los mecanismos de construcción y transmisión del poder a través de la “institución” como estructura reguladora de todas las dinámicas económicas, artísticas, políticas y sociales. A lo largo de 2011 Hans Haacke (Colonia 1936) ha estado trabajando en un nuevo proyecto que verá la luz en esta exposición acompañado por una amplia selección de obras que abordan las principales preocupaciones que jalonan su trayectoria.

MICHELLE PERROT: STORIA DELLE COMERE - SELLERIO 2011

2012-02-13T23:37:00.000-08:00

MICHELLE PERROT
STORIA DELLE CAMERE
Sellerio, 24/11/2011
collana "Diagonale"

«Molte strade portano alla camera: il riposo, il sonno, la nascita, il desiderio, l’amore, la meditazione, la lettura, la scrittura, la ricerca di sé, Dio, la reclusione voluta o subita, la malattia, la morte. Dal parto all’agonia, la camera è il teatro dell’esistenza o almeno ne è il retropalco, il luogo dove il corpo nudo, deposta la maschera, si abbandona alle emozioni, al dolore, alla voluttà. Passiamo in una camera quasi metà della vita, la metà più carnale, più sommessa, più notturna, quella dell’insonnia, dei pensieri vaganti, del sogno, finestra sull’inconscio e forse sull’aldilà; un chiaroscuro che accresce la sua forza di attrazione […].

«La camera è una scatola, reale e immaginaria. Quattro mura, un soffitto, un pavimento, una porta e una finestra strutturano la sua materialità. Le dimensioni, la forma e gli arredi variano a seconda delle epoche e delle classi sociali. Quando è chiusa, protegge come un sacramento l’intimità del gruppo, della coppia o del singolo: di qui l’importanza capitale della porta con la chiave (una sorta di talismano) e delle tende (i veli del tempio). La camera protegge l’individuo, i suoi pensieri, le sue lettere, i suoi mobili, le sue cose. È un bastione che respinge l’intruso. Un rifugio che accoglie. Un ricettacolo che conserva e accumula. È sempre, in una certa misura, una camera delle meraviglie come quelle che nel Seicento accoglievano i tesori degli aristocratici, appassionati collezionisti».

Michelle Perrot esplora gli interni delle case raccontando anche la storia di chi quelle stanze le abita; fonda la sua piacevolissima ricerca su registri notarili, inventari, descrizioni di scene del crimine nei rapporti di polizia, trattati di architettura, manuali di igiene, cataloghi di grandi magazzini, diari, epistolari, autobiografie e soprattutto romanzi, fonti inesauribili di descrizioni di interni; ed è proprio la letteratura la chiave per entrare nelle camere di questo libro.

Michelle Perrot, storica francese, professore emerito di Storia contemporanea presso l’università di Parigi VII-Jussieu, esponente di spicco della nuova storia sociale francese, ha concentrato gran parte della sua produzione scientifica nel campo della storia della vita privata e della storia delle donne, di cui è tra le maggiori rappresentanti a livello internazionale. In questo ambito ha pubblicato numerosi saggi, nonché la raccolta di articoli Les femmes ou les silences de l’histoire (1998), e ha diretto con Georges Duby l’opera Storia delle donne in Occidente (5 voll., 1990-1992, trad. it. 1991-1994).

MARIA GIUSEPPINA DI MONTE: MERET OPPENHEIM - CAROCCI 2012

2012-02-13T23:35:00.000-08:00

MARIA GIUSEPPINA DI MONTE
MERET OPPENHEIM
Idee, sperimentazione, visioni
Carocci, 26/1/2012
collana "Biblioteca di testi e studi"

Internazionalmente nota come autrice della "Colazione in pelliccia", Meret Oppenheim (1913-1985) ha segnato la cultura del Novecento europeo. Artista poliedrica, creatrice di oggetti enigmatici e inquietanti, poetessa e disegnatrice di moda per Schiaparelli, è stata una delle figure più emblematiche e affascinanti del Surrealismo, da lei successivamente sconfessato. Amica di Alberto Giacometti e di Max Ernst, fu immortalata da Man Ray, giovanissima, nei celebri scatti in bianco e nero che l'hanno resa precocemente nota al grande pubblico quale musa ispiratrice degli artisti del circolo di André Breton ed eroina antiborghese. Il volume, analizzando le fasi fondamentali del processo creativo, riflette criticamente sia sulle scelte della pittrice svizzera, spiegandole alla luce delle determinanti sociali e artistiche del tempo, sia sugli eventi storici e biografici che ne hanno condizionato gli sviluppi. Lo studio, che include anche una lettera inedita a Bice Curiger e due interviste, una delle quali relativa all'epistolario poetico fra Bettine Brentano e Karoline von Günderode, documenta il periodo che va dagli esordi, negli anni Trenta, fino alla morte.

LETTERATURA GIOVANILE IN VENTRINA - BIBLIOTECA CERVETTO, GENOVA

2012-02-13T23:34:00.000-08:00

LETTERATURA GIOVANILE IN VETRINA
a cura di Francesco Langella
Biblioteca Cervetto in Castello Foltzer
Via Jori, 60 - Rivarolo Ligure
dal 14/2/2012 al 2/3/2012

La mostra permette di gettare uno sguardo su quello straordinario universo dedicato alla fantasia e all’educazione che è la letteratura giovanile, da Pinocchio alle opere di Emilio Salgari, dal Giornalino di Gian Burrasca ai tanti personaggi delle molte pubblicazioni per ragazzi come Quadratino (Rubino) e il signor Bonaventura (Tofano).

I libri esposti provengono tutti dalla Sezione di Conservazione della Biblioteca internazionale per ragazzi De Amicis, un fondo che comprende migliaia di volumi rari, fumetti e tavole originali dei disegnatori più importanti e un’emeroteca con le testate più rappresentative della stampa periodica per ragazzi.

Nel secondo dopoguerra, la letteratura per ragazzi ebbe un grande sviluppo con la scolarizzazione di massa che implicò una proporzionale crescita dell’editoria scolastica. Molte case editrici implementarono la produzione di pubblicazioni dedicate ai giovani e giovanissimi, sia in campo narrativo che didattico.

Negli anni Sessanta emersero, tra gli altri, il genio di Gianni Rodari (1920-1979), straordinario inventore di racconti e filastrocche, e quello di Italo Calvino (1923-1985), raffinato affabulatore di mondi fantastici.

A partire dagli anni Settanta, si ebbe un grande sviluppo del libro tascabile per ragazzi, che portò a sviluppi imprevedibili come il libro pop-up, realizzato con particolari tecniche di piegatura della carta che danno l'illusione del movimento o della tridimensionalità.

In futuro la letteratura giovanile sarà sempre più legata alle nuove tecnologie, da Internet agli e-books, i cui sviluppi sono davvero imprevedibili, ma non potrà fare a meno di un ingrediente fondamentale che l’ha caratterizzata fin dall’inizio: la capacità di guardare il mondo attraverso quella lente formidabile che è la fantasia.

FORECLOSED. REHOUSING THE AMERICAN DREAM - MOMA, NEW YORK

2012-02-12T23:46:00.000-08:00

FORECLOSED: REHOUSING THE AMERICAN DREAM
organized by Barry Bergdoll with Reinhold Martin
MoMA The Museum of Modern Art
The Robert Menschel Architecture and Design Gallery
11 West 53 Street - New York 13/2/2012 - 30/7/2012

Foreclosed: Rehousing the American Dream, a major initiative to examine new architectural possibilities for American cities and suburbs in the context of the recent foreclosure crisis in the United States, culminates in an exhibition at The Museum of Modern Art from February 15 through July 30, 2012. Foreclosed: Rehousing the American Dream was jointly conceived and organized by Barry Bergdoll, MoMA’s Philip Johnson Chief Curator of Architecture and Design, and Reinhold Martin, Director of Columbia University’s Temple Hoyne Buell Center for the Study of American Architecture. Bergdoll and Martin invited five interdisciplinary teams of architects—including members with expertise in economics, finance, housing, and public policy, in addition to architect team leaders—to develop proposals that offer new and inventive ways of thinking about the relationships among land, housing, infrastructure, urban form, and public spaces, for five sites across the country—near New York; Chicago; Tampa; Los Angeles; and Portland, Oregon—located in metropolitan areas that lie within a corridor between two major cities. The five sites chosen have characteristics that make them particularly pertinent to nationwide challenges associated with the international financial downturn, including a significant rate of foreclosure, and a considerable amount of publicly held land available for development. The teams developed proposals based on the ideas drawn from The Buell Hypothesis, a research publication (available at www.buellcenter.org and summarized in the publication accompanying the exhibition) by Mr. Martin, and Leah Meisterlin and Anna Kenoff of the Temple Hoyne Buell Center, which envisions a rethinking of housing and related infrastructures that could catalyze urban transformation, particularly in the American suburbs. The resultant proposals are not a set of blueprints for the development of specific places so much as an array of visions that invite rethinking the physical and financial architecture of living, working, and commuting in the extended suburbs.

"MoMA has always aspired to be a showcase for the most significant and creative architecture and design work being done today...but there are times when it can also take the lead to serve as a catalyst to invite architects and designers to work in new ways on the most pressing issues of our times,” says Mr. Bergdoll. “Often these challenges are not posed by everyday commissions. Foreclosed: Rehousing the American Dream invited new dialogues between the disciplines that shape our environments in suburbs and cities, as well as between the financial and physical architectures of housing, transport, and daily life. Questioning outdated assumptions, the designs in turn invite new discussions about a territory too often ignored by the design professions and too often leapfrogged by developers—the first ring suburbs of major cities. These projects suggest more sustainable, more equitable, futures, filled with optimism for places where that is often in short supply."

"The foreclosure crisis revealed a crisis of the imagination that has delayed an urgently needed conversation about the default settings of the ‘American Dream’ and its most visible symbol, the suburban house. These projects can help start such a conversation," continues Mr. Martin. The five interdisciplinary teams of architects—led by principals at MOS Architects, Studio Gang, WORKac, Visible Weather, and Zago Architecture—were each assigned a site within a U.S. megaregion, then developed proposals to address the issue of foreclosure in each area during the initiative’s workshop phase at MoMA PS1 from May to September 2011. Each team engaged in a cross-disciplinary conversation, analyzing and eventually imagining the redesign of their specific sites, from older east coast suburbs with rail connections to newer subdivisions accessible only by highway. During this initial phase, they discussed their projects with the public in a series of open studios. To follow the progress of proposals developed through the workshop phase, visit MoMA’s Inside/Out blog.

In the early weeks of the workshop phase, the teams spent time in their assigned megaregions—visiting potential sites for intervention, meeting with local residents and officials, and considering what type of architectural program would respond to the local needs and realities of the existing population. As a result, the proposals developed for the five sites provide radically different visions of a rethought surburbia. The proposal for Cicero, Illinois, responds to the need of multigenerational housing for new immigrants, while the proposal for Temple Terrace, Florida, calls for a new financial structure that transfers ownership of land from private developers back to the taxpayers, and proposes a reconvening of the town meeting as a forum. The proposal for East Orange, New Jersey, suggests transforming public streets into new mixed-use ribbon buildings. The proposal for Keizer, Oregon, seeks to increase the density of the city in an effort to ultimately increase the public’s access to nature, while the proposal for Rialto, California, adds variety to the existing identical large-scale housing system. At the center of the exhibition are models, drawings, renderings, animations, and analytical materials produced by the five teams developed during the workshop period. In addition, the research presented in The Buell Hypothesis will be shown with contextual material in the gallery as background to the proposal.

Foreclosed: Rehousing the American Dream Proposals:

Cicero, Illinois

The Garden in the Machine

Team Leader: Jeanne Gang, Gang Studio (Chicago, Illinois)

Cicero, an aging inner-ring suburb set on the edge of metropolitan Chicago, has lately become an arrival point for new immigrants to the region. Built for a previous generation, the original single- family houses have often been repurposed as multifamily dwellings by more recent residents. Presently Cicero is experiencing a high rate of foreclosure of industrial as well as residential properties, which has prompted the team led by Jeanne Gang of Studio Gang to develop a proposal with a distinctive feature that concerns the dialogue between architecture and both human and natural ecologies, interweaving a response to both situations. The team identified three challenges affecting Cicero, common to a majority of suburbs: industrial decline, rising unemployment coupled with high poverty rates, and environmental conditions. The team turns these problems into potential opportunities by taking on both the urban fabric of the town and the financial architecture of living and working there. The team set out to create new housing types that are generally prohibited under the existing zoning codes. The proposal introduces a new kind of “Recombinant House,” enabling flexibility for multigenerational families. This type of housing would be affordable, allowing people to buy housing units that suit the needs of families as they change. Under this new model of ownership, residents would own their individual spaces, but the land and shared amenities would be owned by a private trust—decoupling the previous notion that ownership is a home and the land beneath it. By creating modular housing prototypes that are able to mix families and generations, are adaptable to changing needs and budgets, offer communal spaces shared by families, and develop work spaces that allow for businesses, the team has created a solution that is both specific to Cicero and applicable elsewhere.

Keizer, Oregon

Nature-City

Team Leader: Amale Andraos and Dan Wood, WORKac (New York, New York)

Reinventing British urbanist Ebenezer Howard’s classic term “Town-Country,” WORKac’s proposal Nature City integrates a wide variety of housing types—across a range of affordability—with publicly accessible nature, including ecological infrastructure, sky gardens, urban farms, and large swaths of restored native habitats. Bringing a higher density and more sustainable living to the metropolitan edge, where the greatest development pressures have long existed, the proposal also provides larger economic growth for the city and the site. The proposal for Nature City, focusing on Keizer, Oregon, a suburb of Portland that lies on a possible high-speed rail connection between Eugene, Oregon, and Seattle, Washington, includes an impressive variety of housing types that offer vital services for the town as a whole. A wide range of ecological functions make a city infrastructure that promotes sustainable living as a shared individual and communal undertaking, and also generates new living experiences and new kinds of public spaces from its various components. One such example of this is the creation of a rounded, ziggurat-like housing complex, which provides terraces with yards and community amenities built atop a domed plant. The plant would process organic waste into compost, creating methane gas that runs a fuel cell providing electricity for the community. Commercial offices and retail spaces are intermixed and combined with public transportation, facilitating a pedestrian lifestyle. In Nature City the housing would offer various financial options: half rentals and half ownership, a percentage of affordable housing, and 70 percent market-rate housing. This radical new vision of suburban living combines the density generally associated with large cities with a direct connection to nature, not only as a vista, but for recreation and as a mechanism for ecological infrastructure as well.

Orange, New Jersey

Thoughts on a Walking City

Team Leaders: Hilary Sample and Michael Meredith, MOS Architects (New Haven, Connecticut) Despite being well served by a regional transit system that includes both trains and buses, there is still a significant rate of foreclosure and a high rate of unemployment in Orange, a suburb of individual bungalows and single-family structures between New York City and Newark, New Jersey. An in-depth analysis of the suburb has sparked MOS Architects and their team to create a proposal suggesting a new form of urbanism and architectural occupation of the street. The proposal considers aspects of municipal budget and infrastructure, public health, and new models of ownership to promote flexibility and diversity—a range of issues that extends far beyond those generally considered in isolated development plans. Their proposal calls for the radical gesture of eliminating many of the public streets that make up Orange and replacing them with three-story structures that offer a mixture of commercial, office, and residential spaces, the latter including different apartment types that might be used for a variety of live/work situations. The new ribbons of buildings, rewriting both the physical and social space of the city’s center, would be developed as public housing. These street-converted linear buildings, owned by a Limited Equity Company, are intended to reduce tax burden on an economically challenged city and to redevelop the street as a new economic engine. The proposal developed by MOS creates a rich variety of spaces and relationships incorporated around both the existing single-family houses and the new ribbon development.

Rialto, California

Property with Properties

Team Leader: Andrew Zago, Zago Architecture (Los Angeles, California)

Rialto—falling between Los Angeles, California, and Las Vegas, Nevada—has a long history as a nodal point in Southern California’s “Inland Empire,” once a heartland of agribusiness and now one of the largest metropolitan regions in the country. Property with Properties, the proposal created by the team led by Andrew Zago of Zago Architecture, has chosen Rosena Ranch, a failed developer subdivision on the unincorporated edge of Rialto that has left acres of unbuilt lots among a small section of nearly identical large-scale houses, as the focus of their analysis. Although the landscape is vast, the failed subdivision contains houses whose square footage is inflated to the point where they seem almost to rub against one another, creating a narrow range of housing options. The team’s proposal looks to create a richer mix of uses, housing types, living situations, and landscapes, rather than to remake the unbuilt section of Rosena Ranch. It looks to understand the attraction of suburbs—including their social, economic, and spatial arrangements— and creates a new form of architecture and suburbanism from that pre-existing notion. New housing configurations move away from the serial repetition of an individual home with a driveway and a patch of lawn to variations of housing, including duplexes and row houses, creating a novel way of achieving the classic suburban goal of merging indoors and outdoors. The planning of the larger site would include narrowing streets to makes them more circuitous and overlaying paths for pedestrian movement across the site. Rather than manipulate the natural characteristics of the site, Rosena Ranch would be developed to allow for seasonal rivers and wildlife to move in and through the suburb in natural channels. Property with Properties produces a wide range of possibilities for new mixtures of living, retail, and amenities in a previously repetitive suburb.

Temple Terrace, Florida

Simultaneous City

Team Leader: Michael Bell, Visible Weather (New York, New York) Temple Terrace—a suburb transformed in the 1920s into a hybrid incorporated city and corporate orange grove—has recently tried to adopt a plan to redevelop 225 acres of land centered on a major intersection in an attempt to create a new “downtown” area. Led by Michael Bell of Visible Weather, the team assigned to Temple Terrace proposes to create a new linear town center, based, not on the originally proposed intersection, but on a hypothetical commercial strip of land running parallel to Tampa, resulting in a new mixed-use development, which would integrate spaces for city government, municipally owned “incubator” offices for business startups, and three different forms of housing. This proposal would call for a return of the “town meeting” by creating an invisible city hall at the heart of a mixed-use community, and allowing daily life to be easily led without recourse to cars. Replacing the original development plan that utilized public/private partnership, the team proposes the creation of a Real Estate Investment Trust (REIT), a tax designation for an entity investing in real estate, designed to reduce or eliminate corporate tax and distribute the taxable income into the hands of investors. Differing from typical REITs, the REIT for Simultaneous City would propose that the land remain a public asset and the income derived from the development would be shared with the citizens. The proposal for Simultaneous City parallels the existing geographical infrastructure of Temple Terrace while at the same time offering a new layer of financial, structural, and environmental engineering.

Foreclosed is the second in a series of Architecture and Design exhibitions at MoMA called Issues in Contemporary Architecture, which focuses on timely topics in contemporary architecture with an emphasis on the urban dimension in order to increase public dialogue around seminal issues in architecture. The series was launched in 2009 with Rising Currents: Projects for New York's Waterfront, a major initiative that brought together teams of architects, engineers, and landscape designers to address and create infrastructure solutions to make New York City more resilient in response to rising water levels.

The accompanying publication Foreclosed: Rehousing the American Dream is forthcoming in April 2012. The publication will present each of the five proposals in detail through photographs, drawings, and renderings as well as interviews with team leaders. Featuring texts by Barry Bergdoll, MoMA’s Philip Johnson Chief Curator of Architecture and Design; Henry N. Cobb, a founding partner of Pei Cobb Freed & Partners; and Reinhold Martin, director of the Temple Hoyne Buell Center, Foreclosed will examine the relationship between land, infrastructure, and urban form, exploring potential futures for America’s extended metropolises. 8 x 10”, 188 pages, 170 illustrations. Paperback, $35.00. Available in April at the MoMA Stores and online at MoMAStore.org. Available to the trade through ARTBOOK | D.A.P in the United States and Canada, and through Thames & Hudson outside North America.

ARTURO SCHWARZ: LA POESIA PRIMA DI TUTTO. UNA VITA NELL'ARTE - ARTAND GALLERY, MILANO

2012-02-12T23:44:00.001-08:00

ARTURO SCHWARZ
LA POESIA PRIMA DI TUTTO. UNA VITA NELL'ARTE
a cura di Alan Jones
Artandgallery
via Arese 5 - Milano
dal 9/2/2012 al 9/3/2012

Milano è orgogliosa di contare da oltre 60 anni tra i suoi cittadini più illustri Arturo Schwarz, mitico gallerista e libraio, storico dell’arte e collezionista, che ha contribuito con altri grandi milanesi come Gillo Dorfles e Giorgio Strehler a fare di Milano il crocevia di una cultura cosmopolita che sa guardare al passato per gettare ponti sul futuro.

Mitico gallerista e studioso di fama mondiale del Surrealismo e del Dadaismo, Arturo Schwarz ha scoperto e rilanciato un patrimonio vivente di artisti, oggi inimmaginabile - da Man Ray a Joan Mirò, da Hans Richter ad Arman e Picabia - diffondendo la fama di Marcel Duchamp e dei suoi ‘readymade’, la maggior fonte di ispirazione dell’arte e del design odierni.

Libraio e poi editore impegnato, collezionista , poeta e scrittore eclettico, viaggiatore alla ricerca delle radici della Kabbalah e dell’Alchimia, saggista e studioso delle filosofie orientali, ha contribuito con altri grandi milanesi come Gillo Dorfles e Giorgio Strehler a fare di Milano il crocevia di un’arte cosmopolita che - con Parigi, Berlino e New York - guarda all’altrove del passato e getta ponti sul futuro.

Un guerriero della cultura che ha intuito la forza dirompente di quella poesia quotidiana della materia di cui è impregnata l’arte contemporanea, e che nel 1998 è stato insignito dal Presidente della Repubblica Italiana della Medaglia d'Oro “Benemeriti della Cultura e dell'Arte".

La mostra

Un percorso multimediale e interattivo che attraverso libri, cataloghi, fotografie e video segue la cronologia della grande epoca milanese, oggi alla base della post-avanguardia.

Il materiale, consultabile mediante monitor touch-screen, segue la trama della cultura del Novecento di cui Schwarz ha tessuto, a fianco dei suoi interpreti, i numerosi fili - la politica, la psicoanalisi, la storia, la poesia, la pittura - nel loro intreccio con l’immaginario surrealista.

Oltre la mostra
Tre serate a tema, con Arturo Schwarz
Duchamp e il Surrealismo. L’opera come febbre dell’idea.
16 febbraio dalle ore 19.30
Surrealismo, amore e politica. Scandalo della bellezza e rivolta del Nuovo Mondo.
23 febbraio dalle ore 19.30
Poesia totale e Surrealismo. Reading dell’autore.
1 marzo dalle ore 19.30

ADRIANA POLVERONI - MARIANNA AGLIOTTONE: IL PIACERE DELL'ARTE - JOHAN & LEVI, 2012

2012-02-12T23:43:00.000-08:00

ADRIANA POLVERONI - MARIANNA AGLIOTTONE
IL PIACERE DELL'ARTE
Pratica e fenomenologia del collezionismo contemporaneo in Italia
Johan & Levi, 9/2/2012
collana "Saggistica: Arte / Economia"

La ricchezza artistica del nostro Paese ha reso l’Italia culla di una significativa attività collezionistica. Il volume analizza la pratica del collezionismo con specifico riguardo all’arte contemporanea, ultimo tappa della passione dei collezionisti e testimone di un significativo coinvolgimento delle giovani generazioni.

Partendo da una introduzione storica, Adriana Polveroni e Marianna Agliottone delineano gli aspetti salienti del collezionismo contemporaneo (i soggetti, lo sviluppo del collezionismo nel sistema dell'arte contemporaneo, il rapporto con le istituzioni, le fondazioni, le logiche e i canali d’acquisto), la modalità operative e d’espressione, le peculiarità italiane e le criticità tecniche (notifica, diritti di seguito, fiscalità) di questo fenomeno che lega indissolubilmente persone e opere d’arte. Il volume si arricchisce delle testimonianze dirette di nomi di rilievo del collezionismo contemporaneo, voci autorevoli raccolte espressamente per il volume con cui le autrici si sono confrontate per questo lavoro di mappatura e studio.

BICE LAZZARI: L'EQUILIBRIO DELLO SPAZIO - MARSILIO, 2012

2012-02-12T23:41:00.000-08:00

BICE LAZZARI
L'EQUILIBRIO DELLO SPAZIO
Marsilio, 8/2/2012
collana "Cataloghi"

In questo libro la riscoperta delle opere e della personalità di Bice Lazzari, un'artista che ha segnato le avanguardie dell'astrazione del XX secolo in modo personale e unico. Catalogo della mostra al MACRO, questa pubblicazione presenta le opere esposte, dalle prime straordinarie carte astratte degli anni venti alle grandi tele degli anni settanta, illustrando anche diversi disegni e studi che il pubblico ha avuto modo di scoprire, per la prima volta, nelle cassettiere del museo romano. Bice Lazzari si conferma, come definita recentemente dal "FinancialTimes", "an enormously talented abstractionist", la rivelazione inaspettata del panorama delle grandi correnti artistiche internazionali, anticipatrice e originale artista, che agli occhi dell'osservatore odierno risulta assolutamente sorprendente.

LUCIANO CANFORA: LA LIBERTA' DEGLI ANTICHI E LA LIBERTA' DEI MODERNI - PALAZZO DUCALE, 13/2/2012

2012-02-12T23:39:00.000-08:00

Lezioni di storia - Noi e gli antichi
LUCIANO CANFORA
LA LIBERTÀ DEGLI ANTICHI E LA LIBERTÀ DEI MODERNI
Palazzo Ducale - Sala del Maggior Consiglio
piazza matteotti 9 - Genova
lunedì 13 febbraio 2012, h. 21,00

Alle ore 21 il nono incontro delle 'Lezioni di storia - Noi e gli antichi': Luciano Canfora parlera' di "La liberta' degli antichi e la liberta' dei moderni". La liberta' degli antichi era oppressiva, quella dei moderni e' (o dev'essere) liberale. Chi ha dato forma a questa polarita' nel lontano 1819 fu il pensatore simbolo del liberalismo ottocentesco, Benjamin Constant, in un celebre discorso che, ad un certo momento, inneggia al ritorno dei Borboni sul trono di Francia come ad una vittoria della liberta'. Come districarsi in questo ginepraio di aporie? Quali falsi presupposti sono alla base di questo disinvolto e depistante uso di liberta' e democrazia come sinonimi? Luciano Canfora insegna Storia della Filosofia antica presso la Scuola Normale Superiore di Pisa.

JOSEF KOUDELKA. TRACES - FONDAZIONE MERZ, TORINO

2012-02-11T22:33:00.000-08:00

JOSEF KOUDELKA
TRACES
a cura di Lorenza Bravetta e Maria Centonze
Fondazione Merz
via Limone, 24 Torino
dal 9/2/2012 al 8/4/2012

La Fondazione Merz ha il piacere di collaborare con la prestigiosa agenzia fotografica Magnum Photos con una mostra del grande fotografo Josef Koudelka intitolata Josef Koudelka / Traces .

La Fondazione Merz e Magnum Photos, che da anni opera con l’obiettivo di proteggere la trasparenza d’informazione e che ha prodotto alcuni tra i più importanti e drammatici reportage degli ultimi anni, hanno scelto di presentare il lavoro di Koudelka attraverso una selezione di 12 fotografie panoramiche di grande formato, tre video che raccontano i grandi progetti Invasion (1968), Gypsies (1975) e Chaos (1999) e infine una selezione dei più importanti libri pubblicati nel corso della sua carriera.

I 12 scatti in bianco e nero esposti per la prima volta - parte del progetto Piemonte, commissionato a Koudelka dalla Regione Piemonte nel 2004 in occasione dei Giochi Olimpici Invernali 2006 - raccontano una terra ricca di cultura, storia, memoria, innovazioni, ma anche di forti contraddizioni. Mostrano paesaggi da cui l’uomo è stato rimosso ma la cui presenza è ben visibile attraverso i segni del suo passaggio.

“Koudelka arriva alla definizione attuale del suo lavoro attraverso un’ampia indagine sul paesaggio europeo che ha come protagonista l’assenza dell’uomo in luoghi in cui tutto ne parla: vuoti colmi di presenze spesso ingombranti, tracce di tanti vissuti più o meno recenti, che sono diventati parte integrante del territorio o testimonianza di un rifiuto reciproco e perenne.“

In mostra anche tre video che raccontano alcuni tra i più importanti reportage realizzati dal celebre fotografo: Invasion (1968), che immortala l’invasione sovietica di Praga nel 1968, Gypsies (1975) testimonianza sugli zingari dell’Europa orientale e infine Chaos, grandi fotografie panoramiche che documentano paesaggi duramente modificati dall’uomo.

Nato nel 1938. Ceco, naturalizzato francese, Josef Koudelka vive a Parigi e a Praga.

Dopo aver intrapreso studi tecnici all’Università di Praga, lavora come ingegnere aeronautico a Praga e poi a Bratislava fino al 1967. Nel frattempo inizia un lavoro fotografico sui Gitani della Slovacchia, che l'anno successivo include anche le comunità gitane della Romania.

Nel 1968 Koudelka documenta l'invasione sovietica di Praga, pubblicando le sue fotografie sotto la sigla PP (fotografo di Praga) per evitare per sé e la sua famiglia il rischio di rappresaglie. L’anno successivo viene insignito, a titolo anonimo, della Robert Capa Gold Medal per quelle fotografie.

Nel 1970 lascia il proprio paese per l'Inghilterra e nel 1971 entra a far parte della Magnum Photo. Si dedica ad alcuni progetti a lungo termine che sfociano in mostre (tra cui una retrospettiva al MOMA di New York nel 1975), pubblicazioni di diversi libri, tra i quali Gypsies nel 1975 e Exiles nel 1988, che raccoglie immagini di emarginati in Irlanda, Spagna, Grecia e Portogallo.

Nel 1986 inizia a lavorare con una macchina fotografica panoramica e nel 1999 pubblica il lavoro Chaos che raccoglie immagini di grandi paesaggi europei fortemente devastati.

Josef Koudelka ha vinto premi importanti come il Grand Prix National de la Photographie en France (1987), il Gran Premio Cartier-Bresson (1991), e l’ICP Infinity Award (2004).

Nel 1992 il Ministero della Cultura Francese lo ha insignito del titolo di Cavaliere delle Arti e delle Lettere.

DAN FLAVIN: AN INSTALLATION - EMMANUEL PERROTIN, PARIS

2012-02-11T22:31:00.001-08:00

DAN FLAVIN
AN INSTALLATION
Galerie Emmanuel Perrotin
76, rue de Turenne - Paris
14 janvier - 03 mars 2012

Dan Flavin réalise dès 1961 des monochromes en volume surmontés ou barrés de tubes fluorescents ou d'ampoules qu'il nomme «Icons» bien qu'il conteste toute référence mystique ou religieuse dans sa démarche. Dans un dialogue constant avec la peinture, la sculpture et l'architecture, il inaugure en 1963 l'oeuvre The diagonal of May 25, (to Constantin Brancusi), hommage à La Colonne sans fin, constituée d'un tube fluorescent or, standard, qui devient désormais son médium unique.

Ses environnements aux combinaisons infinies transcendent ce geste duchampien, radical par essence et minimal dans sa forme. Si l'artiste dénie toute interprétation extatique de son oeuvre, il invite à une expérience sensorielle et physique de la couleur et de la lumière devenue matière; il introduit une présence de l'immatériel.Christoph Schlingensief (1960–2010) was one of the most seminal if controversial theatre, film, and contemporary art figures of his generation. This project attests to his striving towards “Lebenskunstwerk”—a work of life-art. Ever confronting the uncomfortable, he collapsed the systems of art and politics into an experimental immediacy, calling on the viewer to assume responsibility for the state of the world and to think it otherwise. Curated by Kathrin Rhomberg, this is a research exhibition within the framework of the project FORMER WEST (2008–2014)

LUCA PIETROMARCHI: LA POESIA FRANCESE 1814-1914 - LATERZA, 2012

2012-02-11T22:29:00.000-08:00

LUCA PIETROMARCHI
LA POESIA FRANCESE 1814-1914
Laterza, 16/2/2012
collana "Manuali Laterza"

La storia della poesia francese dalla fine dell'Impero napoleonico all'inizio della Prima Guerra mondiale: l'incanto di Lamartine e la tensione di Baudelaire; la ricerca del sublime e dell'irrazionale con Verlaine, Rimbaud e Mallarmé, fino alle opere di Péguy, di Claudel e di Apollinaire, poeti di confine fra ispirazione spirituale e fascinazione per la nascente modernità. Il filo rosso dei poeti studiati è la ricerca di una nuova lingua capace di dare espressione a tutto ciò che la tradizione poetica occidentale ha relegato nell'ignoto. E nel fondo dell'ignoto, dirà Baudelaire, risplende il nuovo.

YVES BUIN: PAUL N IZAN, LA REVOLUTION EPHEMERE - DENOEL, 2012

2012-02-11T22:27:00.000-08:00

YVES BUIN
PAUL NIZAN
La révolution éphémère
Denoël, 12/1/2012
collection "Biographies"

Auteur des Chiens de garde et d'Aden Arabie, Paul Nizan (1905-1940) laisse une œuvre ineffaçable de polémiste et de romancier. Compagnon de Sartre, il fut au centre d'une génération d'intellectuels marxistes moins connus, tels que Georges Politzer, Georges Friedman, Henri Lefebvre ou Norbert Guterman. Plongeant dans la vie intime mais aussi dans les nombreux réseaux de Nizan tout au long des années 20 et 30, ce livre raconte l'effervescence d'une génération audacieuse et inquiète, confrontée au dilemme entre révolution et totalitarisme. Philosophe communiste exigeant, écrivain engagé dans les luttes sociales, Nizan sera l'un des journalistes les plus lucides de son temps. Vingt ans après sa dernière biographie, explorant les sources récentes de sa vie publique et privée, Yves Buin fait revivre avec talent ce personnage au destin hors du commun fauché à trente-cinq ans par une balle allemande. L'intelligence, la colère et la quête de justice de Nizan nous parlent aujourd'hui, plus que jamais.

TEN - GUIDI&SCHOEN, GENOVA

2012-02-11T22:25:00.001-08:00

TEN
Guidi&Schoen Arte Contemporanea
Vico Casana 31R - Genova
dall'11/2 al 10/3/2012

In occasione del compimento dei dieci anni di attività (la galleria ha infatti aperto il 16 febbraio 2002 con un’esposizione dedicata ad Andy Warhol), Guidi&Schoen Arte Contemporanea inaugura la mostra collettiva TEN 2002|2012.

Come un diario visivo, l’allestimento ripercorre le tappe più significative del lavoro della galleria genovese attraverso opere inedite realizzate per l’occasione dagli artisti che hanno condiviso questo percorso con Guido Guidi e Chico Schoen.

Partendo da Matteo Basilé, già protagonista della seconda mostra Ricomincio da 8 del marzo 2002, per arrivare a Roberto Pugliese e a Tamara Repetto la cui installazione Inside/Outside, realizzata site specific per gli spazi di vico casana ed esposta a Genova nell’ottobre 2011, accompagnerà Guidi&Schoen alla partecipazione a VoltaNY, la fiera dedicata alle ultime tendenze dell’arte contemporanea che si terrà a New York nel prossimo mese di marzo. Insieme a loro, tutti gli artisti che hanno reso questo viaggio culturale e professionale eccitante e degno di essere vissuto: Giacomo Costa, Massimo Vitali, Daniele Buetti, Olivo Barbieri, Richard Kern, Corrado Zeni, Massimiliano Zaffino, Vania Comoretti, Alex Pinna, Andrea Chiesi, Peppe Perone, Alessandro Lupi, Roberto Coda Zabetta, Karin Andersen, CorpiCrudi oltre ad una tela di Andy Warhol già esposta proprio nella mostra inaugurale.

Dieci anni sono pochi per autocelebrarsi e non è questo lo scopo dell’esposizione, piuttosto l'occasione per cercare di capire cosa è accaduto negli anni, cosa è cambiato nelle scelte e nei gusti dei galleristi e degli artisti, per continuare con altrettanto impegno ed entusiasmo.

Accompagna la mostra un piccolo libro fotografico introdotto da un testo di Luca Beatrice che racconta visivamente tutte le tappe del nostro percorso attraverso le immagini degli allestimenti, delle opere, delle fiere e di tutti gli eventi che hanno scandito i dieci anni appena trascorsi. Sfogliando l'archivio per la realizzazione del libro abbiamo percorso e riscoperto ricordi che avevamo dimenticato. Speriamo possa essere divertente e stimolante anche per tutti i nostri amici (ri)vedere questa breve, ma intensa, storia.

ALEXANDER CALDER: THE GREAT DISCOVERY - GEMEENTE MUSEUM, DEN HAAG

2012-02-10T23:38:00.000-08:00

ALEXANDER CALDER
THE GREAT DISCOVERY
Gemeentemuseum
Stadhouderslaan 41 - The Hague
11/2/2012 - 28/5/2012

Thanks to a prestigious Turing Art Grant, which made this important exhibition possible, the Gemeentemuseum Den Haag will present Alexander Calder–The Great Discovery, the first major Calder retrospective to be held in the Netherlands since 1969. Calder’s radical wire sculptures, astonishing Cirque Calder (1926–1931), and mobiles characterized by immateriality and movement won the artist worldwide fame and established him as one of the foremost founders of modern sculpture. The exhibition focuses on the legendary meeting between Alexander Calder and Piet Mondrian at the latter’s studio in Paris in October of 1930, and explores the impact the studio environment made on Calder, which left an even more indelible impression on him than the paintings.

Alexander Calder (1898–1976) grew up in a family engaged in artistic traditions: his father was a sculptor and his mother, a painter. As a child, he made model animals, jewelry, and small sculptures from a variety of unconventional materials. Initially training as a mechanical engineer, Calder did not attend art school until 1923 when he enrolled in the Art Students League, New York. Over the rapidly unfolding years that followed, Calder entirely redefined the course of modern sculpture by formalizing movement in art. This was a major innovation: never again would sculpture be seen as a matter of chisels and blocks of wood or stone.

Between 1926 and 1933, Calder lived in Paris, then the heart of the modern art movement. At this stage, he was producing wire sculptures that suggested volume with gestural lines and he became famous for performances of his Cirque Calder, an elaborate miniature circus he had concocted from everyday materials like wire, wood, leather, cork, and scraps of cloth. An early example of performance art, the Cirque was designed to be manipulated by the artist: acrobats swayed across the tightrope, dogs jumped through hoops, and the elephant stood on its hind legs.

The exhibition stems from Calder’s one visit to Mondrian’s studio in 1930, which triggered a radical change in his artistic practice. As Calder later recalled: “It was this visit to Mondrian’s studio […] that made me abstract.” He admired Mondrian’s use of space and converted it into his own artistic expression grounded in gesture and immateriality. A central feature of the forthcoming exhibition is a complete reconstruction of Mondrian’s studio on the Rue du Départ.

The exhibition includes a 1929 film by Hans Cürlis that was shown in the Netherlands in the early 1930s and depicts Calder creating two wire circus figures with no more than a pair of pliers and his own bare hands––profiling the artist as a great innovator with his unorthodox use of materials and methods.

The exhibition concludes with one of Calder’s final works, a circa 1976 design for a sculpture that was to have stood in the sculpture park at the Kröller-Müller Museum, rediscovered during preparations for the exhibition. However, because of Calder’s untimely death in 1976, the project went unrealized.

The exhibition will be accompanied by a lavishly illustrated Dutch-language catalogue (Ludion, € 24.95) containing essays by Wietse Coppes, Doede Hardeman, Hans Janssen, and Caroline Roodenburg-Schadd.

CARLOS GARAICOA: SIN SOLUCIÓN + EL CAMINO MÁS LARGO COMIENZA CON UNA SIMPLE LÍNEA - GALLERIA CONTINUA, SAN GIMIGNANO

2012-02-10T23:35:00.000-08:00

CARLOS GARAICOA
SIN SOLUCIÓN
+
EL CAMINO MÁS LARGO COMIENZA CON UNA SIMPLE LÍNEA
a cura di Carlos Garaicoa
Galleria Continua
via del Castello 11 - San Gimignano
dall'11/2/2012 al 31/3/2012

Galleria Continua è lieta di ospitare nei suoi spazi espositivi di San Gimignano Sin Solución, una nuova mostra personale di Carlos Garaicoa.

Carlos Garaicoa appartiene a una generazione di artisti cubani affermati a livello internazionale, la cui pratica multiforme e le opere provocatorie si muovono tra scultura, fotografia, disegno, video, installazione e interventi urbani. Adottando la sua città natale come fonte di ispirazione e come un laboratorio, Carlos Garaicoa sviluppa un modello in cui L'Avana è metafora non solo della natura umana, ma anche del fallimento delle ideologie del XX secolo. Il concetto di utopia è al centro del suo lavoro: dal contrasto tra utopia e realtà nasce una serie di opere ‘progettuali’ dove il modello di indagine si espande passando da L’Avana ad altre città. Nella sua opera la città si offre con infinte possibilità di rappresentazione, è il luogo dove prende forma l’immaginazione. La pratica artistica per Garaicoa è strumento e linguaggio per aprire un dialogo con la città pubblica e la città privata.

Sin Solución presenta una serie di opere appositamente realizzate per questa occasione espositiva ed alcuni lavori prodotti nell’arco dell’ultimo anno dove l’artista esplora l’importanza dell’architettura come significato di decostruzione della complessità del racconto socio-politico e storico di una città. Lo spazio platea ospita Fin de Silencio, una grande installazione che partendo dalla realtà urbana della vecchia Avana sviluppa una narrazione carica di pensieri, spazi dimenticati e luoghi dell’immaginario. Presentata per la prima volta nel 2010 all’interno della personale Fin de Silencio allestita nelle sale degli ex macelli di Madrid e, l’anno successivo, nell’ambito della mostra Penelope's Labour presso la Fondazione Giorgio Cini di Venezia, l’opera si compone di sette tappeti che riproducono i pavimenti di un’area commerciale de L’Avana. Partendo dai nomi dei negozi riportati nella graniglia di marmo di questi marciapiedi l’artista crea dei nuovi slogan. La Lucha, Pensamiento, Sin rival o Reina” (“lotta, “pensiero”, “senza rivali o “Regina”) si trasformano nei tappeti di Garaicoa in micro-narrazioni di carattere poetico, critico o nostalgico: “La lucha es de todos”, “Reina destruye o redime” (“la lotta è per tutti”, “Regina distrugge o redime”).

Nello spazio espositivo dell’Arco dei Becci Carlos Garaicoa si presenta per la prima volta in veste di curatore con una mostra di disegni El camino más largo comienza con una simple línea. L’esposizione riunisce l’opera di tre artisti per i quali Garaicoa nutre da sempre un profondo interesse: Lázaro Saavedra, Nedko Solakov e José Antonio Suárez Londoño. Con questi artisti Garaicoa condivide un approccio al disegno che va oltre il suo utilizzo come strumento. La “simple línea” nell’opera di Saavedra, Solakov e Suárez mette in evidenza la complessità di questo media ridefinendo l'oggetto d'arte da un punto di vista introspettivo e sociale attraverso l'impegno politico.

Lázaro Saavedra nasce a La Havana nel 1964, negli anni ’80 si afferma come artista visivo incentrando la sua ricerca su temi politici ed esistenziali e diventando un importante punto di riferimento per Garaicoa e per tutta la nuova generazione di artisti cubani. Versatile, ironico e concettuale il suo lavoro si esprime attraverso la scrittura, la performance, l’happening ma anche i video, le installazioni e, naturalmente, i disegni che in questa occasione vengono per la prima volta presentati in Italia.

Lo stile di Nedko Solakov (Cherven Briag, 1957) si caratterizza per l’uso di un linguaggio sovversivo e acuto che sembra sempre mettere alla prova lo spettatore e le sue reazioni rispetto all’opera, allo spazio espositivo, interrogandosi sul significato dell’arte, ma anche sui meccanismi che regolano l’espressione all’interno del sistema. El camino más largo comienza con una simple línea offre a Garaicoa la possibilità di stabilire idealmente con l’artista bulgaro un dialogo concettuale che ha come punto d’incontro l’indagine sul sistema dell’arte, sulle questioni politiche ma anche la riflessione poetica sulle emozioni e i comportamenti umani.

I disegni dell’artista colombiano Antonio Suárez Londoño (Medellín, 1955) ci trasportano in un microcosmo arcano di umorismo e fantasia. Nel suo lavoro si incrociano fonti diverse che spaziano dagli studi giovanili in biologia, ai testi di letteratura, ai proverbi popolari, alle canzoni, alle notizie. I suoi racconti, occasionalmente accompagnati da testi in forma di diario, sono popolati d’immagini di animali, architetture, veicoli e navi, punti e numeri organizzati in un sistema di classificazione enigmatico. Per Londoño il disegno è una pratica intima, quotidiana che porta avanti con rigore e dedizione monacale.

Carlos Garaicoa (La Habana, 1967) vive e lavora fra L’Avana e Madrid. Laureato in termodinamica ha frequentato l’Istituto di Belle Arti di La Habana fra il 1989 e il 1994. Il suo lavoro è stato rappresentato in numerose mostre personali e collettive, a Art in General e al M.O.M.A a New York, alla Biblioteca Luis Angel Arango a Bogotá, al Museo de Arte Reina Sofía a Madrid e alla Tate di Liverpool. Ha partecipato alle V, VI e VII Biennale di La Habana, alla I Biennale di Johannesburg, alla XVII Biennale d’Arte de Paiz in Guatemala, alla VIII Biennale di Shanghai in Cina, alla XXIV, XXVI, XXVIIII Biennale di São Paulo in Brasile, alla Documenta XI in Germania, alla I Triennale di Yokohama in Giappone e alla Biennale di Venezia nel 2005 e nel 2009. I suoi lavori sono presenti in numerose collezioni private e pubbliche, inclusi il Museum of Modern Art e il Guggenheim Museum di New York, la Maison Européenne de la Photographie a Parigi, l’Art Gallery di Ontario di Toronto, il Museo Nacional de Bellas Artes di La Habana e la Tate Modern di Londra. E' stato vincitore del XXXIX International Contemporary Art Price di Montecarlo e del Katherine S. Marmor Award, Los Angeles M.O.C.A, entrambi nel 2005.

WHO IS JOHN CAGE? - TACET N. 1, 2012

2012-02-10T23:33:00.000-08:00

WHO IS JOHN CAGE?
Tacet n. 1, 2012

« Who is John Cage? » À l'occasion du centenaire célébrant la naissance du compositeur, ce numéro de Tacet ouvre l'enquête à travers un ensemble de textes de chercheurs et de musiciens. Ce numéro souhaite remettre sur le chantier des problématiques essentielles qui sous-tendent l'œuvre de Cage, mais qui travaillent aussi en profondeur les musiques expérimentales aujourd'hui.

Tacet est une nouvelle revue de recherche dédiée aux musiques expérimentales. À parution annuelle et bilingue (français, anglais), elle a pour ambition de créer un espace de ré exion interdisciplinaire et international sur ces musiques, comprises dans leur diversité esthétique.

Tacet, comme l'a si bien exposé John Cage dans 4'33'', désigne un moment de silence observé par un instrumentiste pendant toute la durée d'un mouvement. Par extension, il devient, en tant que titre de la revue, un moment d'introspection, de ré exivité et de ré exion, où la musique s'interrompt pour laisser place à la recherche et au questionnement théorique.

Tacet compte ainsi, à l'endroit des musiques expérimentales, contribuer au renouvellement de la recherche théorique en confrontant et croisant des discours de musiciens, des études issues de l'esthétique et de la philosophie de l'art, du renouveau critique en musicologie, des cultural studies et des gender studies, de la pensée politique, des sciences sociales, ou encore de la géographie.

CARLFRIEDRICH CLAUS & HARTMUT GEERKEN: EINEM LUFTIGEN AKUSTISCHEN KOSMOS ENTGEGEN - TOCHNIT ALEPH 2011

2012-02-10T23:31:00.000-08:00

CARLFRIEDRICH CLAUS & HARTMUT GEERKEN
EINEM LUFTIGEN AKUSTISCHEN KOSMOS ENTGEGEN
(CD)
Tochnit Aleph, 2011

Une performance commune de deux figures des arts sonores et de la poésie expérimentale, influencés par Marx autant que par le free jazz, enregistrée au Lyrik-Kabinett de Munich en juin 1991.

Chaque artiste avait préparé une bande de 60 minutes qui défile en simultané, et une partition détaillée sur laquelle sont basées les peformances vocales tout en laissant place à l'improvisation, avec l'utilisation de petites cymbales (« tschinkas »). Un document sérieux, brut et inclassable.

Avec un texte (en allemand) d'Hartmut Geerken.

Entre le début des années 1950 et sa mort en 1998, Carlfriedrich Claus (né en 1930 à Annaberg-Buchholz) a produit un corpus à mi-chemin entre la philosophie, l'art, la linguistique et la « littérature acoustique ». A l'aide de procédés visuels aussi bien que sonores, il a sondé les profondeurs de la conscience humaine en explorant les propriétés du son et du langage, apportant une contribution singulière et radicale à l'art du XXe siècle.

Hartmut Geerken (né en 1939 à Stuttgart) est auteur, compositeur, musicien, réalisateur, performeur, acteur, mycologue, archiviste, commissaire d'exposition, éditeur de littérature expressionniste et dadaïste, bûcheron et apiculteur. Comme percussioniste, il a collaboré avec de nombreux musiciens de free jazz (Sun Ra, John Tchicai, Sainkho Namtchylak...). Comme poète, il pratique la poésie concrète et organise divers événements tels que le Bielefeld New Poetry Colloquium annuel. Il est apparu, comme acteur, dans six films et deux pièces d'Herbert Achternbusch.

ALBERTO VALGIMIGLI - PLAASTIC PASSION, GENOVA

2012-02-10T23:29:00.000-08:00

ALBERTO VALGIMIGLI
Plastic Passion
Via Luccoli 26R - Genova
dall'11/2/2012 al 29/2/2012

L'artista espone una serie di carte, realizzate con tecnica mista, che raffigurano immagini oniriche e surreali, attraverso la lente della sperimentazione. Valgimigli e' creatore delle t-shirt Mikoto ed e' attivo come bassista nel gruppo La Decima Vittima feat. Bobby Soul. Durante l'inaugurazione l'aspetto sonoro viene curato da Valgimigli in collaborazione con il musicista contemporaneo Valerio Pizzorno. Inaugurazione sabato 11 febbraio ore 17.30

PITTURA ITALIANA DELL'OTTOCENTO - CASTELLO VISCONTEO, PAVIA

2012-02-09T22:46:00.000-08:00

PITTURA ITALIANA DELL'OTTOCENTO
a cura di Susanna Zatti e Fernando Mazzocca
Castello Visconteo
Viale XI Febbraio 35 - Pavia
dal 10/2/2012 al 9/4/2012

Dopo l'esordio all’Ermitage, la mostra dedicata alla pittura italiana dell’Ottocento, promossa da Pavia, giunge al Castello Visconteo nella città lombarda, fino al 9 aprile. Le diverse anime dell’arte figurativa del XIX secolo, attraverso opere d’eccezione. Per il pubblico russo è stata un’autentica scoperta e, nel contempo, una straordinaria conferma delle solide relazioni scientifiche e culturali tra l’Italia e la Russia e tra Pavia e l’Ermitage. Ora sarà il pubblico italiano a lasciarsi affascinare.

La mostra, a Pavia presso il Castello Visconteo dall’11 febbraio al 9 aprile 2012 (già concessa la proroga), giunge infatti, direttamente, dal Museo Ermitage di San Pietroburgo ove, nei mesi scorsi – allestita nella splendida Sala degli Stemmi - il pubblico russo ha potuto ammirare, per la prima volta, un’ampia rassegna della pittura italiana del XIX secolo, con un nucleo notevole di opere della Quadreria dell’Ottocento e della Collezione Morone dei Musei Civici di Pavia e prestiti importanti da tante altre istituzioni e collezioni italiane, coordinati dagli stessi Musei Civici e da Villaggio Globale International.

Un’iniziativa - posta a chiusura dell’anno dedicato ai rapporti culturali tra Italia e Russia, nell’ambito del protocollo siglato nel 2009 tra il Museo Statale Ermitage, il Comune di Pavia, i Musei Civici di Pavia e la Fondazione Banca del Monte di Lombardia - che ha porta- to in due anni la città lombarda a realizzare progetti condivisi come le mostre sulla pittura spagnola del Seicento dall’Ermitage e quella dedicata ai Leonardeschi. La grande rivalutazione e valorizzazione della pittura italiana dell’Ottocento, condotta in questi ultimi anni nelle sue diverse declinazioni tematiche e stilistiche e nelle sue differenti scuole re- gionali – di cui Pavia vanta importanti testimonianze - ha determinato dunque la volontà di mostrare prima al pubblico pietroburghese e poi a quello italiano una selezione di circa ottanta opere che, per esempi eccellenti, testimoniasse la ricchezza e la varietà sia delle formule artistiche, sia dei generi, sia delle iconografie dell’arte figurativa italiana del XIX secolo.

Attraverso la pittura del primo Neoclassicismo, passando per le varie sfaccettature del Romanticismo storico e del Realismo, sino ad arrivare al Simbolismo di fine secolo, è possibile raccontare la storia civile, la società, la cultura, le idee e i luoghi di una nazione che si è via via aggregata, mantenendo tuttavia peculiarità formali e contenutistiche: un’occasione importante dunque di confronto con un’Italia in formazione proprio nella concomitanza dei 150 dell’Unità.

La mostra, promossa da Comune di Pavia-Musei Civici di Pavia, Associazione Pavia Città Internazionale dei Saperi, Fondazione Banca del Monte di Lombardia, Museo Statale Ermitage in collaborazione con la Fondazione Ermitage Italia, curata da Susanna Zatti e Fernando Mazzocca, consente dunque di illustrare gli stili di un secolo - il nitore neoclassico, il pathos romantico, la forza del colore dei macchiaioli, il sensualismo dei decadenti - e le tematiche predilette dal collezionismo e dal vivace mercato: dalle vedute e paesaggi che descrivono le meraviglie del Bel Paese, ai ritratti ambientati o scapigliati; dalle aneddotiche e sapide scene di genere, alle grandi rievocazioni allegoriche o di storia risorgimentale. Infine dà modo di evidenziare la personalità straordinaria di alcuni protagonisti della pittura italiana, degni di stare alla pari con i più celebrati rappresentanti europei: da Appiani ad Hayez, da Piccio a Faruffini, da Morbelli a Fattori, da De Nittis a Segantini, da Pellizza a Zandomeneghi.

A Pavia giungeranno dunque opere chiave del XIX secolo da Firenze, Torino, Milano, Genova, Bergamo, Brescia, Carpi, Vercelli, Rovereto, per proporre un panorama quanto più rappresentativo e di grandissima qualità dell’arte nazionale. A documentare l’importante evento espositivo - che a San Pietroburgo ha riscosso un grandissimo interesse – è stato realizzato dall’Editore Skira un catalogo bilingue italiano/russo, mentre altri importanti eventi collaterali promossi dalla Fondazione Banca del Monte di Lombardia hanno accompagnato in Russia l’evento, promuovendo le eccellenze e la cultura non solo figurativa italiana e pavese, ma anche musicale ed enogastronomica.

GERHARD RICHTER: PANORAMA - NEUE NATIONALGALERIE, BERLIN

2012-02-09T22:43:00.001-08:00

GERHARD RICHTER
PANORAMA
Neue Nationalgalerie
Potsdamer Straße 58 - Berlin
10/2/2012 - 13/5/2012

Gerhard Richter, beyond a doubt the most famous German artist of his generation, will be celebrating his eightieth birthday on 9 February 2012. To mark the occasion, the New National Gallery in Berlin is holding a sweeping retrospective of his work, in conjunction with Tate Modern in London and the Centre Pompidou in Paris.

Around 150 paintings from all periods of the artist's extensive oeuvre, carefully selected together with the artist himself, offer visitors a profound insight into his stylistically and thematically diverse body of work. Several canvases that have long been accepted into the modern canon, such as Ema (1966), the nude descending the stairs, and Betty (1988), whose head is turned away from the viewer, are combined here with rarely seen works and a few that have never been on display before. Key works from a particular period, group or series are placed alongside works that either stand out on their own or pre-echo later developments. Structured for the most part chronologically, the exhibition's dramaturgical flow centres around a dialogue, running over decades, held between abstraction and figuration; a dialogue that can be traced all the way back to the very first painting in Richter's catalogue raisonné, Table from 1962.

The exhibition demonstrates how the artist's rigorous and unrelentingly versatile inquiry into the medium of painting has led to consistent transgressions of its traditions and definitions. The idea of the picture as a surface, as a window, as a view onto a scene leads to Richter's exploration of mirrors and panes of glass, marking the culmination of his probing of the possibilities of depiction. At this point in the show, the works form a unique interplay with the building itself. Richter's panes of glass, glass screens and his astoundingly mimetic cloud and window paintings strike up a playful and charming dialogue with Mies van der Rohe's architecture of glass and steel. The Berlin show will also feature a unique highlight: for the express purpose of the exhibition, Gerhard Richter has completed Version I of his abstract, aleatoric work 4900 Colours which, at a length of over 200 metres, will encompass the entire exhibition.

PAUL ELUARD: SOUVENIRS DE LA MAISON DES FOUS - SEGHERS, 2012

2012-02-09T22:42:00.000-08:00

PAUL ELUARD
SOUVENIRS DE LA MAISON DES FOUS
illustré par Gérard Vulliamy
Seghers, 9/2/2012

Novembre 1943.

Menacé pour ses activités clandestines, Paul Eluard doit quitter Paris. Il trouve refuge chez Lucien Bonnafé, médecin directeur de l'asile public de Saint-Alban. Malgré l'Occupation, il souffle alors un vent de liberté et d'humanisme en ce lieu perché sur la Margeride, à neuf cents mètres d'altitude. Eluard passera des mois caché parmi les aliénés. Profondément bouleversé par son séjour à Saint-Alban, Eluard écrit ce long poème composé d'un prologue, de six portraits et d'un épilogue, qui restitue la mémoire encore vive de ses rencontres avec les fous.

Empreint d'une sincère empathie, ce texte fait résonner l'écho de voix distinctes : celle du poète face au mystère impénétrable de l'esprit perdu, " chantant la mort sur les airs de la vie ", ou celle des fous en proie à des hallucinations, à des absences ou de rares éclairs de lucidité. Dorant l'été 1945, Cécile, la fille d'Eluard, se rend à son tour à Saint-Alban accompagnée de son futur mari, le peintre Gérard Vulliamy.

Vivant au milieu des aliénés - une expérience qui, disait-il, avait pour toujours changé son regard sur les autres -, Vulliamy fait leur portrait. Ce livre donne à voir, face au poème d'Eluard, ses dessins au trait, offrant ainsi un dialogue des plus poignants et des plus réalistes. Ce très beau poème-objet a été imprimé en 1946 à 786 exemplaires dans la collection " De Vrille ", aux Editions Pro Francia.

Epuisé depuis des décennies et aujourd'hui réédité dans un esprit fidèle, il est ici enrichi d'une postface et de dessins inédits.

MICHEL DANSEL: LEX EXCENTRIQUES - ROBERT LAFFONT, 2012

2012-02-09T22:40:00.000-08:00

MICHEL DANSEL
LES EXCENTRIQUES
Robert Laffont, 9/2/2012
collection "Bouquins"

Fous ? Marginaux ? Exhibitionnistes ? Mais qui sont donc les excentriques ? Cet ouvrage, original en diable, tente de répondre à cette question en apportant au lecteur de quoi nourrir son imaginaire et se faire sa propre opinion.

Il fourmille d'histoires et d'anecdotes baroques, inattendues, invraisemblables, croustillantes sur la face cachée et le jardin secret des grands excentriques, anonymes ou célèbres, d'hier, d'aujourd'hui ou de demain. Il ne prend en compte, le plus souvent, que les excentriques positifs : les créateurs, les inventeurs, les novateurs, les artistes à la démarche émancipatoire, ceux que l'on considère comme des " fous littéraires ", les personnes de progrès à l'esprit bizarroïde, les hallucinés magistraux, qui font connaître à leurs rêves insensés un prolongement dans la réalité, les grands déboîtés de la vie quotidienne qui préfèrent caracoler sur les talus de l'insolite plutôt que d'évoluer sur les chemins de la norme.

Écartant généralement les cas relevant de la justice ou de la psychiatrie lourde, Michel Dansel fait la part belle aux intermittents de l'excentricité, ceux qui par un acte, une parole, une posture ont franchi les portes de la bienséance et du convenu pour se poser, l'espace d'un instant, sur un monde autre, différent, incompréhensible, inaccessible au plus grand nombre. Il montre le rôle libérateur et bienfaisant qu'ont pu jouer les excentriques dans l'évolution des choses et la marche en avant de la société.

Il nous permet de mieux comprendre qu'un monde privé de ses marginaux bâtisseurs et novateurs serait un monde gravement sinistré. L'insondable complexité psychologique des personnages qui figurent dans ce livre intéressera au premier chef tous ceux qui ont la sagesse et l'humilité de considérer que la différence est un enrichissement plutôt qu'un obstacle.

EMILIO BOCCIARDO - ACCADEMIA LIGUSTICA DI BELLE ARTI, GENOVA

2012-02-09T22:38:00.000-08:00

EMILIO BOCCIARDO
a cura di Luciano Caprile
Accademia Ligustica di Belle Arti
Largo Pertini 4 - Genova
dal 10/2 al 16/3/2012

Dal 10 febbraio al 16 marzo all’Accademia Ligustica di Belle Arti antologica del pittore genovese Emilio Bocciardo.

50 gli oli in mostra, tra panorami di Genova e vedute della riviera di levante, per riscoprire un artista genovese che tra l’800 e il ‘900 ci ha lasciato splendidi paesaggi della Liguria.

Dal 10 febbraio al 16 marzo presso l’Accademia Ligustica di Belle Arti, la Fondazione Edoardo Garrone promuove una mostra antologica del pittore genovese Emilio Bocciardo (1869 – 1939).

I cinquanta oli, selezionati per l’esposizione curata da Luciano Caprile, fissano sulla tela con grande padronanza tecnica la Genova colta nelle diverse stagioni e nei vari momenti del giorno dall’abitazione dell’artista, la campagna di Torre Pellice, ma soprattutto i paesaggi della riviera di levante ammirati da Niasca nella Baia di Paraggi, in cui si ritrova l’influsso di Rubaldo Merello e di Domenico Guerello. Per lo più tele o tavole di piccole dimensioni, su cui l’artista trasferiva in ogni circostanza l’incanto e la suggestione dell’attimo. Tra le opere esposte da segnalare in particolare Pini a Portofino, un omaggio al maestro Domenico Guerello; invece Uscio a Portofino è un’interessante invenzione prospettica come risulta interessante Vista da casa di giorno per via di certi accostamenti compositivi architettati dal balcone della casa genovese.

Se è vero che Emilio Bocciardo non era un professionista del pennello, ma dipingeva solo nel tempo libero che gli lasciava il ruolo di responsabilità nell’ambito delle concerie di famiglia, è riconosciuto a pieno titolo come artista che ha saputo maturare nella sua attività pittorica livelli di pregio, come testimoniano la nomina di Accademico di Merito dell’Accademia Ligustica, ottenuta nel 1936, e la mostra che gli dedicò la Galleria di Palazzo Rosso nel 1938.

La mostra antologica promossa dalla Fondazione Garrone e ospitata dall’Accademia Ligustica di Belle Arti risponde alla volontà di riscoprire un artista ligure di valore, relativamente poco conosciuto.

Emilio Bocciardo nasce a Genova nel 1869. Terzo figlio maschio di Sebastiano, fondatore delle omonime concerie, compie gli studi artistici a Venezia perfezionandosi quindi all’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova allorché, tornato nella città natale, entra nell’industria paterna assumendo col tempo la carica di direttore amministrativo.

Le sue opere pittoriche si ispirano ai luoghi dove trascorre i momenti di riposo evadendo dalla vita e dalle responsabilità dell’industria. Così si spiegano i panorami di Genova osservati dalle finestre del palazzo di piazza Manin e dalle ville di famiglia a Niasca, nella baia di Paraggi, o dalla casa di Torre Pellice, vicino a Pinerolo.

Bocciardo inizia a esporre i propri lavori alle mostre della Promotrice Genovese a partire dal 1897; nel 1929 gli viene organizzata una personale alla Galleria Valle che riscuote un ottimo successo di critica.

Il rifiuto di mettere in commercio le proprie creazioni, se non per farne regalo ai parenti e agli amici più cari, ne ha impedito la conoscenza più ampia e l’apprezzamento che meritano. Il suo valore artistico è testimoniato comunque dalla nomina di Accademico di Merito dell’Accademia Ligustica, nella categoria pittura, ottenuta nel 1936 e dalla mostra che gli dedica la Galleria di Palazzo Rosso nel 1938. Muore nel 1939.

ATSUKO TANAKA: THE ART OF CONNECTING - MUSEUM OF CONTEMPORARY ART MOT, TOKYO

2012-02-08T22:39:00.000-08:00

ATSUKO TANAKA
THE ART OF CONNECTING
Museum of Contemporary Art MOT
4-1-1, Miyoshi, Koto-ku - Tokyo
4/2/2012 - 6/5/2012

The Museum of Contemporary Art, Tokyo, is holding the 'Tanaka Atsuko - Art of Connecting' exhibition as a joint project with the Japan Foundation, the U.K.'s IKON Gallery and Spain's Espai d'Art Contemporani de Castelló.

Tanaka Atsuko (1932-2005) began to pursue abstract expressions on the advice of KANAYAMA Akira and starting with the collage work, 'Calendar', she expressed a unique sensitivity combining delicacy and power. Later, with KANAYAMA she participated in the avant-garde 'Gutai Art Association' that was formed under the leadership of YOSHIHARA Jiro. She received attention for her 'Work (Bell)' (1955) in which twenty electric bells were rigged to ring consecutively, 'Electric Dress' (1957), which consisted of approximately one hundred fluorescent tubes and approximately eighty light bulbs, painted in nine colors of enamel paint and worn like a garment, etc., her installations and performance works standing out for their originality, even among the Gutai. Her work during this period utilized non-physical materials, such as sound, blinking lights or time, abstracting them in a way that highlighted their existence without adhering to traditional artistic expressions. She also ventured to express her experiments through painting, substituting the light bulbs and wires of her 'Electric Dress' with circles and lines, producing a huge number of variations on this theme over the course of her life. It appears that sometimes the path she took led to extremely radical developments and at others, simple repetitions, but in actual fact, all her works were connected and all were new experiments.

There is a growing movement to reevaluate Japanese postwar contemporary art, beginning with the Gutai, and TANAKA Atsuko gained particular recognition after being spotlighted in Documenta12 (2007) that was held after her death. The current exhibition will contain approximately one hundred works, including recreations of her representative works, 'Work (Bell)' and 'Electric Dress', that were reproduced under the artist's guidance, allowing the viewer to retrace her footsteps as she continually sought to explore the innovative.

JOHN LATHAM - LISSON GALLERY, MILANO

2012-02-08T22:36:00.001-08:00

JOHN LATHAM
Lisson Gallery
via Zenale 3 - Milano
dal 9/2 al 233/2012

Lisson Gallery presenta a Milano lavori creati da John Latham nel corso di 40 anni, e che rivelano le profonde riflessioni dell’artista sulla tematica umana. Latham concepiva il proprio lavoro come un articolato e complesso sistema che trova, da una parte, espressione visiva nei book reliefs (dipinti che incorporano libri), negli assemblages, nei film e nelle performance e, dall’altra, forma teorica nelle riflessioni concettuali e negli scritti dell’artista.

Fondata sulla Teoria Quantistica, la ricerca teorica di Latham ha come obiettivo primario il superamento della tradizionale distinzione tra materia e coscienza. Latham sostiene l’esistenza di un sistema onnicomprensivo, che ha la capacità di descrivere ogni cosa nell’Universo – tanto gli oggetti inanimati quanto gli esseri viventi – come eventi dalle precise caratteristiche “time-bases” (intervalli temporali), concetto che l’autore elabora nella “Time-Base Theory”. Un tipo particolare di soggetto umano, definito da Latham come “Observer” (Osservatore), “Reflexive Intuitive Organism” (Organismo Riflessivo Intuitivo) e successivamente come “Incidental Person” (Persona Incidentale), è posto al centro dell’intero sistema.

Latter Day Observer (1963) si riferisce a una serie di opere realizzate da Latham tra il 1959 e il 1960, intitolate Observer Reliefs e ispirate al romanzo di Dostoyevsky I fratelli Karamazov. I tre fratelli – Mitya, Ivan e Alyosha – rappresentano per Latham i differenti stati o livelli dell’esistenza umana. Mentre Mitya e Ivan incarnano rispettivamente lo stato istintivo e quello razionale, Alyosha ricopre un ruolo particolarmente significativo ed è espressione stessa dello stato “Reflective – Intuitive”, di raffinatezza e di abilità nel porre riflessione e intuizione al di sopra della ragione.

Le caratteristiche tipiche di Alyosha – la capacità nel comprendere le relazioni analizzandole dall’esterno e di avere profonde intuizioni - portano Latham a un ulteriore sviluppo del concetto di “Incidental Person” in concomitanza con la nascita del gruppo APG (Artist Placement Group), organizzazione che Latham aiutò a fondare e che aveva lo scopo di inserire gli artisti all’interno del sistema economico, industriale e politico. Il gruppo APG individuava nell’artista un agente di cambiamento all’interno del convenzionale sistema sociale e economico.

Come parte del programma del gruppo APG, Latham intraprese nel 1975 un periodo di ricerca all’interno del Dipartimento di Sviluppo dello Scottish Office. Il progetto al quale si dedicò si concentrava su alcuni giganti cumuli di ardesia, localmente noti come “bings”, residui dell’industria mineraria dell’area di Edinburgo. Nel 1947, da una fotografia aerea che ritraeva un gruppo di questi cumuli, Latham identificò la “Niddrie Woman”, figura antropomorfa somigliante a un corpo femminile con cuore, torso e utero. Latham propose di eleggere il luogo a monumento nazionale erigendo due gigantesche sculture-libro che potessero essere scalate e usate come piattaforme di osservazione del paesaggio circostante.

Latham lavorò inoltre su numerosi modelli per la realizzazione di opere monumentali, rimaste però incompiute. Il “book relief” M.F.I. Bing fu realizzato nel 1967 ma non venne esposto prima del 1976. M.F.I. è l’acronimo di “Mental Furniture Industry”, definizione, probabilmente coniata durante la ricerca in Scozia, per indicare negativamente la formazione accademica specializzata.

The N-U Niddrie Heart (1991) – inizialmente un multiplo di 37 elementi – si riferisce direttamente alla rappresentazione diagrammatica tramite la quale, secondo Latham, è possibile definire differenti livelli di esistenza lungo un’asse lineare “A-Z”. All’interno di questo sistema nel quale “A” rappresenta l’elemento temporale più breve e “Z” quello più lungo, l’area da “N” a “U” è occupata da differenti livelli di consapevolezza umana. Ogni elemento di The N-U Niddrie Heart è costituito da lastre di vetro assemblate a forma di libro e poste sul pavimento, separate una dall’altra tramite cumuli di sabbia. Tra le lastre verticali di vetro, sono presenti due grandi volumi di colore verde e marrone – The Pregnancy Survival Manual (Manuale di Sopravvivenza alla Gravidanza) e Vanished Species (Specie Estinte)– che, in maniera differente per ciascun elemento, vengono affiancati da altri libri, piccoli oggetti, pittura e fili metallici. Il contenuto etico proposto dai due libri diviene metafora dell’intera vita, dalla nascita fino alla morte, attraverso differenti livelli di consapevolezza umana. Latham introdusse il vetro nella sua produzione artistica a partire dal 1980 per la sua trasparenza e la sua natura stabile capace di simboleggiare un’onnipresenza a-temporale.

Il tema della “Niddrie Woman” riapparve in una serie di opere realizzate nella metà degli anni Novanta. Conosciuti con il nome di N-U Niddrie o Cosmic Blood, questi lavori vennero eseguiti dall’artista attraverso la tecnica della pittura spray e vennero realizzati ponendo alcune tele sul pavimento dello studio di Latham e trasferendo il colore, applicato sul vetro, direttamente sulla loro superficie. Alcune delle opere riproducono elementi esplicitamente riferiti all’anatomia della “Niddrie Woman”, mentre altre presentano motivi astratti. In particolare, una delle opere, che raffigura un punto rosso al centro della tela, si riferisce a Full Stop (1961), parte della collezione permanente della Tate. Full Stop presenta un denso punto nero impresso al centro della tela, creato grazie all’azione ripetuta di uno spruzzatore – un singolo punto che nel linguaggio tipografico sta a significare una fine, ma che in uno spazio vuoto può rappresentare un inizio. I punti molteplici generati dall’uso spray dello spruzzatore, creano un’ambiguità di scala, simboleggiando sia sciami di particelle infinitesimali che galassie incommensurabili. Latham spesso presenta tele non incorniciate o parzialmente arrotolate in modo che l’immagine non sia mai visibile nella sua interezza.

Le opere “Niddrie”, che furono inizialmente presentate a Edinburgo come un’unica installazione alla metà degli anni Novanta, contestualizzano il concetto di umanità di Latham sia all’interno della dimensione infinitesimale dell’evento minimo “Least Event”, sia in quella universale e di più ampia riflessione ambientalista legata alla sopravvivenza del nostro pianeta. 01 – 1 – 10 (2005) è l’ultimo lavoro di Latham descritto dall’artista come “un segno per un evento di minima estensione che nasce da un impulso senza estensione”. L’opera è costituita da due pannelli di vetro e da una tavola bianca attraversata da un segno nero verticale che rappresenta lo stato binario 0, o vuoto, e lo stato 1, materia o “Least Event”.

Precursor to Story of the RIO (1982) è uno studio per una serie di 18 pannelli che mostrano il progressivo aumento di complessità a partire da un proto universo, indicato da un vetro trasparente, fino ad arrivare al “Reflective Intuitive Organism” rappresentato invece da cumuli di libri.

Latham ha spesso esposto, insieme alle sue tele, riproduzioni della fotografia aerea originale dei “bings”. Questa prospettiva, negata all’essere umano sulla Terra, è riutilizzata nel film in 16 mm Erth (1971) realizzato da Latham e presentato qui in formato video. Il film propone una rigorosa sequenza di immagini statiche, che accelera la sua velocità attraverso un conto alla rovescia, partendo dallo spazio cosmico fino ad arrivare alla superficie terrestre e alla figura umana. Nella monografia dedicata a John Latham dallo storico dell’arte John A. Walker, Erth viene definito come la metafora che rappresenta “il tipo di distanza che Latham considera necessaria affinché l’umanità abbia una visione obiettiva di se stessa”.

MARTIN RIESER: THE MOBILE AUDIENCE - RODOPI 2011

2012-02-08T22:34:00.001-08:00

MARTIN RIESER (Ed.)
THE MOBILE AUDIENCE
Media Art and Mobile Technologies
Rodopi
november 17, 2011

The convergence of mobile technologies and ubiquitous computing is creating a world where information-rich environments may be mapped directly onto urban topologies. This book tracks the history and genesis of locative and wearable media and the ground-breaking work of pioneer artists in the field. It examines changing concepts of space and place for a wide range of traditional disciplines ranging from Anthropology, Sociology, Fine Art and Architecture to Cultural and Media Studies, Fashion and Graphic design.

Mobile and Pervasive media are beginning to proliferate in the landscape of computer mediated interaction in public space through the emergence of smartphone technologies such as the iPhone, cloud computing extended wifi services and the semantic web in cities. These dispersed forms of interaction raise a whole series of questions on the nature of narrative and communication, particularly in relation to an audience’s new modes of mobile participation and reception.

These issues are explored through a series of focused essays by leading theorists, seminal case studies and practitioner interviews with artists at the cutting edge of these technologies, who are extending the potential of the medium to enhance and critique technological culture.

By emphasizing the role of the audience in this nomadic environment, the collection traces the history and development of ‘ambulant’ artistic practice in this new domain, creating an essential handbook for those wishing to understand the dominant global technology of the 21st Century and its implications for Art, Culture and Audience.

LEAH LIEVROUW: ALTERNATIVE AND ACTIVIST MEDIA - POLITY, 2011

2012-02-08T22:33:00.000-08:00

LEAH LIEVROUW
ALTERNATIVE AND ACTIVIST MEDIA
Digital Media and Society
Polity
march 1, 2011

Alternative and Activist New Media provides a rich and accessible overview of the ways in which activists, artists, and citizen groups around the world use new media and information technologies to gain visibility and voice, present alternative or marginal views, share their own DIY information systems and content, and otherwise resist, talk back to, or confront dominant media culture. Today, a lively and contentious cycle of capture, cooptation, and subversion of information, content, and system design marks the relationship between the mainstream ‘center’ and the interactive, participatory ‘edges’ of media culture.

Five principal forms of alternative and activist new media projects are introduced, including the characteristics that make them different from more conventional media forms and content. The book traces the historical roots of these projects in alternative media, social movements, and activist art, including analyses of key case studies and links to relevant electronic resources. Alternative and Activist New Media will be a useful addition to any course on new media and society, and essential for readers interested in new media activism.

CLAUDIO RUGGIERI: IO, L'ALTRO - MAP PALAZZO IMPERIALE, GENOVA

2012-02-08T22:31:00.001-08:00

PER KIRKEBY - BOZAR, BRUXELLES

2012-02-07T21:48:00.000-08:00

PER KIRKEBY
curated by Siegfried Gohr
Bozar - Palais de Beaux-Arts
rue Ravenstein 23 - Bruxelles
8/2/2012 - 20/5/2012

Le Palais des Beaux-Arts présente une rétrospective de l’œuvre de Per Kirkeby (°1938), peintre majeur de l’avant-garde danoise. Mais que faut-il entendre par avant-garde : rupture, minimalisme, abstraction, emprunts, détournements ? On retrouve tout cela dans une œuvre prolifique qui démarre dans les années ’60 dans le sillage du mouvement Fluxus. Mais il ne s’agit là que d’un versant d’une œuvre très diverse qui puise tout autant dans la figuration des classiques danois ou les expérimentations des maîtres français du XIXe siècle, comme Eugène Delacroix. Kirkeby ne peut ni ne veut être classé, préférant questionner sans relâche la position et les perceptions de l’observateur. Un processus artistique qui se déploie sur différents supports (toiles, tableaux noirs, papiers, bronze, etc.) ; une affirmation de la liberté qu’il retrouve, lui le géologue de formation, dans une nature omniprésente. L’enclave Kurt Schwitters prend alors tout son sens. Kirkeby n’y est pas confronté au dadaïste, mais à un Schwitters méconnu, figuratif, épris de paysages. « Peintures interdites »… au regard du mainstream moderniste. Et le Danois d’y reconnaître son propre credo : l’affirmation viscérale de sa liberté d’artiste.

PROGETTO DIOGENE 2007 - 2011 - LICEO ARTISTICO CARAVAGGIO, MILANO

2012-02-07T21:46:00.001-08:00

PROGETTO DIOGENE 2007-2011
LAC Contemporary Art
Liceo artistico statale Caravaggio
via Prinetti 47 - Milano
dall'8/2/2012 al 28/2/2012

La mostra al liceo Caravaggio presenta Progetto Diogene, un insieme di identità artistiche autonome che lavorano per costruire un luogo di riflessione e di ascolto volto ad indagare i meccanismi del lavoro artistico e ad approfondire le tematiche legate all’arte e al ruolo dell’artista nella società.

Il gruppo si costituisce nel 2007 ed è attualmente formato da dodici artisti torinesi: Franco Ariaudo, Ludovica Carbotta, Andrea Caretto, Manuele Cerutti, Sara Enrico, Davide Gennarino, Luca Luciano, Laura Pugno, Andrea Respino, Raffaella Spagna, Monica Taverniti, Cosimo Veneziano.

In occasione della mostra Progetto Diogene 2007-2011, il gruppo di artisti espone per la prima volta la propria collezione di opere lasciate in eredità dagli artisti che hanno partecipato, negli scorsi anni, al progetto di residenza internazionale Diogene_ bivaccourbano: Giorgio Andreotta Calò e Mario Tomè (Italia, 2007), Pak Sheung Chuen (Hong Kong, 2008), Nico Dockx, Pol Matthè, Helena Sidiropoulos e Jochem Vanden Ecker (Belgio, 2009), Luca Bertolo (Italia, 2010), Graham Hudson (Gran Bretagna, 2011).

Diogene_bivaccourbano si pone all’interno del panorama di residenze internazionali con l’intenzione di abitare e lavorare sfruttando gli spazi pubblici interstiziali della città. Ispirato ai bivacchi montani che, adattandosi alla morfologia dei luoghi, usano le forme preesistenti dei ripari naturali, il bivaccourbano vive insinuandosi nei vuoti residuali della città costruita. Esso diventa una sorta di botte di Diogene nella quale l’abbandono di tutto ciò che è superfluo lascia spazio all’esercizio dell’ascolto, alla pratica del fare e della riflessione partecipata tra artisti. Dopo due anni di attività nomade, che ha implicato l’autocostruzione di moduli abitativi effimeri, a partire dall’estate del 2009 Progetto Diogene si è trasferito nella attuale sede: una carrozza dismessa di un tram posizionata tra Corso Regio Parco e Corso Verona a Torino.

Le opere esposte – che comprendono alcune stampe fotografiche, libri d’artista e opere video – sono affiancate da un’installazione praticabile dal pubblico, predisposta per fruire della mostra e del materiale documentativo, realizzata per l’occasione dai componenti del gruppo Diogene assemblando materiali trovati per le strade di Milano.

Notizia

Diogene nasce nel 2007 come gruppo informale di artisti che lavorano per costruire un luogo di riflessione e di ascolto; nel 2008 nasce ufficialmente l’Associazione Culturale Progetto Diogene. Dall’autunno 2007 il gruppo gestisce il programma internazio- nale di residenza per artisti Diogene_bivaccourbano, giunto oggi alla sua quinta edizione. A partire dall’estate del 2009 Progetto Diogene si trasferisce in nuova sede: una carrozza dismessa di un tram posizionata tra C.so Regio Parco e C.so Verona a Torino. Dal 2010 il gruppo di artisti ha sviluppato una ricca programma- zione annuale di attività: Collecting People - un ciclo di lectures a carattere interdisciplinare, DiogeneLab - programma di attività didattiche con le scuole elementari e medie del quartiere, Solid Void Diogene School of Art - un modulo sperimentale di scuola indipendente di alta formazione per artisti e Entrata Libera – una serie di incontri sulle ragioni dell’arte contemporanea aperti agli abitanti del quartiere.

ADRIANO ARDOVINO : RACCOGLIERE IL MONDO - CAROCCI 2012

2012-02-07T21:45:00.000-08:00

ADRIANO ARDOVINO
RACCOGLIERE IL MONDO
Per una fenomenologia della rete
Carocci, 19/1/2012
collana "Biblioteca di testi e studi"

Dalla nascita di Internet e del Web, storici della tecnologia, antropologi, sociologi e teorici dei mezzi di comunicazione di massa hanno fornito apporti essenziali all'intelligenza del fenomeno e alla ricostruzione dei suoi presupposti culturali. In questo variegato approccio "umanistico" è mancata una sintesi specificamente filosofica. Il pensiero contemporaneo, infatti, ha spesso ricondotto l'innovazione a un generico mutamento epocale, preferendo concentrarsi sulla descrizione di singoli dispositivi e pratiche esemplari, dall'iPad al social networking. Questo volume offre un contributo fenomenologico, mettendo a fuoco alcune categorie centrali - dall'intelligenza collettiva all'ipertesto - e indicando il loro orizzonte unitario - la capacità di raccolta della Rete - come qualcosa di distinto, anche se non separato, dagli aspetti applicativi e infrastrutturali. L'obbiettivo è pensare questo orizzonte come forma di mondo, comunità e linguaggio, aldilà di metafore riduttive che invitano ancora a percepire la Rete come collezione di luoghi virtuali ("posta", "piazza", "mercato", "biblioteca", "archivio" ecc.) o a scorgervi dinamiche puramente mass-mediali. Muovendo dalla "fenomenologia della tecnica" di Heidegger e da alcune sue reinterpretazioni contemporanee, l'analisi coinvolge quegli autori - su tutti Lévy, Castells, Rheingold, Landow, Bolter, de Kerckhove - che con più passione e competenza hanno osservato l'evoluzione della Rete e fornito rilevanti categorie descrittive.

CRISTPH TURCKE - LA SOCIETA' ECCITATA - BOLLATI BORINGHIERI 2012

2012-02-07T21:42:00.001-08:00

CRISTOPH TURCKE
LA SOCIETÀ ECCITATA
Filosofia della sensazione
Bollati Boringhieri, 19/1/2012
collana "Saggi storia, filosofia e scienze sociali"

Alla fine, ecco il sensazionale. Dovrebbe essere raro, oltre che sconvolgente. Ma quell'emozione che fa sobbalzare, quel fremito che magnetizza, quell'eccitamento da clamore non costituiscono l'oltranza che, ogni tanto, viene a sovvertire il nostro pacato assetto percettivo. Sono la dismisura a cui noi, esseri umani senzienti, siamo ormai assuefatti. Se tutto il visibile e tutto l'udibile alimentano il notiziabile, e la logica stessa dell'informazione impone di impressionare per mezzo di stimoli sempre più forti, la soglia di ciò che eccita il nostro sensorio non smetterà di spostarsi in avanti. L'eccitabilità assurge dunque a decisivo imperativo sociale, motore di un'industria sia dell'immateriale sia delle merci. Da tempo il sensazionalismo, con il nuovo regime antropologico che ha configurato, è oggetto di riflessione per studiosi della società e filosofi, nonché terreno di elezione per moralisti in vena di astinenza mediatica e ascetismo emotivo. Soltanto Christoph Turcke però ha saputo ricostruirne il significato, rovesciando il punto di vista da cui finora lo si è preso in esame. Dal suo saggio illuminante apprendiamo che tra l'odierno "far sensazione", ossia destare scalpore, e la sensazione intesa quale atto del percepire - al centro del pensiero moderno - esiste una consustanzialità, e non lo scarto che immagina con sussiego il discorso filosoficamente ben temperato.

LAURA SANTAMARIA: GEODE - SALA DOGANA, GENOVA

2012-02-07T21:41:00.000-08:00

LAURA SANTAMARIA
GEODE
Palazzo Ducale - Sala Dogana
piazza Matteotti 9 - Genova
dal 4/2/2012 al 12/2/2012

“Geode” termine inteso per spazio cavo e sotterraneo come l’architettura di Sala Dogana, ma anche superficie su cui si solidificano cristalli, originati da soluzioni acquose infiltrate nella roccia, processo di metamorfosi che rende visibile le forme potenziali della materia naturale. Così è interpretabile la raccolta delle opere presentate, la “ricerca in Natura”, secondo un percorso dal 1999 ad oggi, che rivela il tessuto di relazioni, e di connessioni che hanno fatto crescere le opere (installazioni, video, disegni, fotografie) una nell’altra, una dopo l’altra. Occasione per osservare la pratica di un processo sperimentale nel registro di gesti e scelte dei materiali, elementi d’azione di un microcosmo poetico e singolare.

“Qualcuno dice che l’Arte è una patologia (Lea Vergine). Qualcuno dice che è la garanzia della sanità mentale (Louise Bourgeois). E’ stato detto che esistono “antenne” con cui gli artisti si collegano con le energie del cosmo, e che, come dei ripetitori, portano dentro a forme concrete energie ed archetipi universali, credo viceversa che anche la nostra opera possa contribuire direttamente a trasformare queste energie, a plasmare e migliorare la realtà che ci circonda, abbiamo un destino insovvertibile in questo compito, seppur oggi i diritti del nostro lavoro restano ignorati. Questo è quello che posso dire, non si tratta della mia ricerca si tratta di una forma di consapevolezza. Creare è il mio esercizio di libertà, lo pratico perché ne ho bisogno.”

-- Laura Santamaria

PIERRE BONNARD - FONDATION BEYELER, RIEHEN BASEL

2012-02-07T00:39:00.000-08:00

PIERRE BONNARD
a cura di Ulf Kuster
Fondation Beyeler
Baselstrasse 101 - Riehen Basel
dal 29/1/2012 al 13/5/2012

Con la mostra dedicata a Pierre Bonnard, la Fondation Beyeler intende celebrare un grande colorista francese e uno dei pittori più affascinanti del modernismo. Comprende oltre 60 dipinti provenienti da musei e collezioni private di tutto il mondo e offre una panoramica nuova sull’opera del celebre colorista francese e sull’evoluzione del suo linguaggio. Vi sono rappresentate tutte le fasi del suo percorso artistico, dagli inizi avvenuti nella cerchia dei Nabis, ai lavori di ispirazione simbolista e impressionista, fino alle opere dell'ultimo periodo, sempre più astratte e cromaticamente vivaci. I dipinti rappresentano celebri scene di bagnanti, vedute del giardino dell’artista, momenti di vita quotidiana e il colorato viavai delle strade parigine.

Nato a Fontenay aux Roses presso Parigi, Bonnard dipinse prevalentemente nelle sue case e negli atelier parigini dove lavorava e viveva. Punto di partenza della sua pittura furono in particolare la casa “Ma Roulotte” a Vernonnet in Normandia (dal 1912 al 1939) e la villa “Le Bosquet” a Le Cannet in Costa Azzurra (dal 1927 al 1947), così come i relativi giardini. Nell'ambiente privato egli trovò lo scenario e l'ispirazione di cui necessitava per le sue composizioni cromatiche, così come i suoi soggetti preferiti, che continuò fedelmente a riprodurre per tutta la vita, seppur in numerose variazioni. Marthe, che fu dapprima la sua amante e poi dal 1925 sua moglie, fu il suo soggetto preferito. Il matrimonio pose fine al ménage à trois tra il pittore, Marthe e Renée Monchaty, che fu modella, musa e amante dell’artista a partire dal 1918, e che in seguito al matrimonio si tolse la vita.

Al di là di tutti gli “-ismi” che caratterizzano l'arte all'inizio del XX secolo, Bonnard coltivò sempre un proprio linguaggio, un'idea “altra” del modernismo, fortemente legata al classicismo francese; in particolare, non mise mai in questione l'oggettività della pittura. Questo lo portò a infrangere i tradizionali confini tra i generi e a rinnovarli. Dipinse nature morte non convenzionali, che comprendevano esseri umani e animali vivi; nei suoi quadri il paesaggio, definito “natura selvaggia”, si contrappone alle animate vedute della vita parigina. Nelle scene di interni si mosse tra le intime rappresentazioni della figura femminile alla toeletta e le raffigurazioni dell'ambiente borghese, come nei quadri dedicati al tema della sala da pranzo.

L’esuberanza dei suoi colori, a volte addirittura ardenti, lo distinse presto dagli impressionisti. Se questi ultimi miravano a cogliere l’attimo, dipingendo nel suo atelier Bonnard cercava di cogliere la persistenza, il ricordo degli oggetti. Le sue composizioni cromatiche riproducevano con straordinaria vivacità l’impressione generale di un ambiente.

Un’impressione che non può essere colta né dall’occhio umano, né da una lente fotografica; il suo obiettivo era in ultima istanza rappresentare con il colore tutte le impressioni dei sensi. Ancora all’indomani della sua morte, a metà del secolo scorso, Bonnard era considerato il rappresentante di un’armonia superficiale, il cronista “ingenuo” della vita quotidiana altoborghese. Oggi (in particolare grazie alla grande mostra itinerante concepita nel 1984 nel Centre Pompidou e ospitata anche nel Kunsthaus di Zurigo) è considerato l'artista che esorcizzò sulla tela le terribili inquietudini di una società destinata a scomparire. Sottili sfumature mettono in crisi l'apparente armonia dell'insieme: sono dissonanze cromatiche, intersezioni spaziali, ambigue dislocazioni e una riproduzione talvolta disarmonica della figura umana.

Nella mostra, presentata in forma di “Maison immaginaire de Bonnard”, i dipinti divisi per gruppi sono associati a determinati ambienti che rappresentano i soggetti preferiti dell’arte di Bonnard: “La rue”, “La salle à manger”, “Intimité”, “Le miroir”, “Le passage entre intérieur et extérieur” e “Le grand jardin”.

La mostra prende avvio dalla sala intitolata “La rue”. Soprattutto all’inizio del suo percorso, Bonnard dipinse spesso scene di vita quotidiana nelle vie di Parigi. Scelse a più riprese un animato snodo di traffico a nordovest di Parigi, non lontano dal suo atelier, come dimostrano due toccanti dipinti, entrambi dal titolo Place Clichy (1906/07 e 1912), provenienti rispettivamente da collezione privata e dal Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou di Parigi.

La seconda sala raccoglie una serie di vedute di interni di grande atmosfera dedicate al soggetto della “salle à manger”. Il tema consentì al pittore di gettare sugli interni borghesi uno sguardo carico di suggestione, come dimostra il notevole Le Café (1915) della Tate di Londra o La Nappe blanche (1925) del Von der Heydt-Museum di Wuppertal. Le nature morte nella sala da pranzo contrastano con le più intime vedute della camera da letto e della stanza da bagno, presentate nella sala “Intimité”.

Il nudo è stato uno dei soggetti preferiti di Bonnard. Tra questi vi è il capolavoro L’Homme et la Femme (1900), dal Musée d’Orsay di Parigi. Questo quadro precoce, che rappresenta il pittore in compagnia della sua amante Marthe, appare assai moderno nella sua naturalezza e rappresenta un primo momento di svolta nell'opera dell'artista, che abbandona le audaci semplificazioni del periodo Nabis. Oltre ad altri ambienti domestici, fu soprattutto la stanza da bagno a ispirare l'artista, che a partire dal 1908 si dedicò intensamente al soggetto della figura femminile alla toeletta. Per la sua serrata struttura spaziale, il quadro Le Cabinet de toilette (1932) del Museum of Modern Art di New York ne costituisce un eccellente esempio. Celebri sono i quadri dedicati al soggetto della vasca da bagno. La mostra raccoglie ben cinque importanti esemplari dedicati a questo tema: La Source (Nu dans la baignoire) del 1917, proveniente da collezione privata; Baignoire (Le Bain) del 1925, dalla Tate di Londra; Nu à la baignoire (Sortie du bain) del 1931, dal Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou di Parigi; Nu dans le bain (Nu dans la baignoire) del 1936–1938, dal Musée d’Art moderne de la Ville de Paris e La Grande Baignoire (Nu), 1937–1939, da collezione privata.

Un settore della mostra è dedicato al tema dello specchio, che amplia lo spazio figurativo del quadro mettendolo contemporaneamente in questione. Qui troviamo, accanto a Le Cabinet de toilette au canapé rose (Nu à contre-jour) del 1908, proveniente dai Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique di Bruxelles, anche due autoritratti che l’artista dipinse davanti allo specchio della sua camera da letto: Autoportrait (Le Boxeur), del 1931, dal Musée d’Orsay e Portrait de l’artiste dans la glace du cabinet de toilette (Autoportrait), del 1939–1945, dal Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou di Parigi.

Un’altra sala è dedicata al tema centrale del rapporto tra interno ed esterno nell'opera di Bonnard. Per tutta la vita, l’artista si confrontò con il tema della finestra. La veduta dalla finestra è sempre ben riconoscibile perché il mondo esterno viene percepito da una forte prospettiva interna. Ciò risulta particolarmente palese nei quadri Fenêtre ouverte sur la Seine (Vernon) del 1911/12, proveniente dal Musée des Beaux-Arts de la Ville de Nice e Grande salle à manger sur le jardin, del 1934/35, dal Solomon R. Guggenheim Museum di New York.

La mostra presenta inoltre un gran numero di vedute di giardini, risalenti a tutte le fasi del percorso dell’artista. A cavallo del nuovo secolo, la natura divenne uno dei temi principali dell’universo figurativo di Bonnard. Per il pittore, il giardino riproduceva un ordinamento in grado di riflettere nella sua interezza il rapporto tra uomo e natura. Nelle prime opere di Bonnard, come La Partie de croquet del 1892 dal Musée d’Orsay, il paesaggio funge ancora da sfondo armonioso e ornamentale del dipinto; nelle rappresentazioni più tarde della natura, paesaggio, giardino e casa appaiono strettamente interconnessi, come nei celebri Le Jardin sauvage (La Grande Terrasse) del 1918, proveniente dalla Phillips Collection di Washington DC, e Décor à Vernon (La Terrasse à Vernon) del 1920/1939, dal Metropolitan Museum of Art di New York.

Con la mostra Pierre Bonnard, la Fondation Beyeler prosegue nella tradizione di dedicare significative esposizioni agli artisti presenti nella propria collezione. Ernst Beyeler commerciò le opere di Pierre Bonnard e nel 1966 gli dedicò una nella sua galleria. La collezione Beyeler è in possesso di una tarda natura morta dell’artista, Le Dessert (1940).

Ben quattro significative opere provengono dal Musée d'Orsay di Parigi: accanto ai già citati La Partie de croquet, Autoportrait (Le Boxeur) e L’Homme et la Femme, proviene dal museo parigino anche La Symphonie pastorale (Campagne) del 1916–1920. Altre straordinarie opere sono state concesse in prestito dalla Tate di Londra, dal Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou di Parigi, dal Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, dal Museum of Modern Art di New York, dal Solomon R. Guggenheim Museum di New York, dal Metropolitan Museum di New York, dalla Phillips Collection di Washington, dal Kunstmuseum di Basilea, dal Kunsthaus di Zurigo e da celebri collezioni private, tra cui non ultima gli eredi Hahnloser.

Il catalogo, in versione tedesca e inglese, è pubblicato dall’editore Hatje Cantz di Ostfildern. Contiene saggi di Evelyn Benesch, Andreas Beyer, Marina Ferretti Bocquillon, Michiko Kono, Ulf Küster, Beate Söntgen e una biografia a cura di Fiona Hesse. 176 pagine, 120 illustrazioni, CHF 68.

LUOGHI COMUNI - PALAZZO BRASCHI, ROMA

2012-02-07T00:37:00.000-08:00

LUOGHI COMUNI
a cura di Simonetta Tozzi
Museo di Roma Palazzo Braschi
piazza San Pantaleo, 10 (Piazza Navona) - Roma
dal 7/2/2012 al 27/5/2012

Una selezione di acquerelli e incisioni realizzati a Roma tra il XVIII e l’inizio del XIX secolo

Apre al pubblico, dal prossimo 8 febbraio al 27 maggio 2012 al Museo di Roma in Palazzo Braschi, Luoghi comuni. Vedutisti francesi a Roma tra il XVIII e il XIX secolo, esposizione dedicata agli artisti francesi che operarono a Roma tra la metà del Settecento e i primi anni dell’Ottocento, promossa dall’Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico - Sovraintendenza ai Beni Culturali di Roma Capitale, curata da Simonetta Tozzi, con l’organizzazione e i servizi museali di Zètema Progetto Cultura.

La mostra presenta una selezione di oltre settanta opere - acquerelli e incisioni selezionati dalla raccolta grafica del Museo di Roma - realizzate durante il soggiorno in città di pittori legati quasi tutti alla cerchia che gravitava intorno all’Accademia di Francia. La prestigiosa istituzione, creata da Luigi XVI per consentire ai giovani artisti francesi di perfezionarsi a Roma, dopo la prima sede in Palazzo Mancini a via del Corso, ancora oggi è ospitata nella Villa Medici dove fu trasferita, nel 1803, per volere di Napoleone.

Gran parte delle opere presentate provengono da due importanti collezioni del Museo di Roma: la raccolta di Basile de Lemmerman (Tiflis 1898-Divonne le Bains 1975) e quella di Anna Laetitia Pecci-Blunt (Roma 1885-Marlia1971). Entrambi raffinati e appassionati collezionisti di opere dedicate a Roma, ne scongiurarono la dispersione prendendo con grande lungimiranza la decisione di donarle a una istituzione pubblica.

Roma, secondo una consuetudine consolidatasi nell’Ottocento, rappresentava una tappa irrinunciabile nella formazione intellettuale di ogni giovane europeo di buona famiglia. Le opere in mostra costituivano una produzione artistica destinata per lo più ad un raffinato pubblico di viaggiatori stranieri con l’intento di soddisfare la crescente richiesta a seguito del viaggio “di istruzione e di piacere” in Italia. Acquerelli e incisioni mostrano visioni insolite della Roma del tempo dove si alternano il Foro Romano e il Colosseo, Villa Borghese e Castel Sant’Angelo, San Pietro e il Pincio, Ponte Milvio e il sepolcro di Cecilia Metella. Non mancano le struggenti, preromantiche, visioni della campagna romana, immagini di un’epoca nella quale non era semplice spostarsi in luoghi ancora selvaggi e poco ospitali.

Capitale internazionale e allo stesso tempo piccola città, sede di accademie, crocevia per artisti e intellettuali di fama, ma piuttosto pericolosa di notte per chi girovagasse per le sue strade, Roma presentava all’epoca molte contraddizioni. Lo stato pontificio era uno dei più arretrati d’Europa e, malgrado le presenze cosmopolite, la città appariva una realtà immobile. Anche i pittori sembravano impegnati in una lotta per rintracciare tra il verde, le rovine, gli alberi e la pietra le tracce di una Roma antica che faticavano ad emergere. Tuttavia, proprio da questo apparente caos, “Hubert delle rovine” – com’era soprannominato il pittore parigino Hubert Robert dai contemporanei - e Abraham Louis Rodolphe Ducros traevano ispirazione per le loro creazioni, mentre François Marius Granet realizzava le sue emozionanti immagini della Roma moderna e Victor Jean Nicolle e Charles Joseph Natoire delineavano in nitide vedute o con sentimento visionario la loro idea della città.

VISIONI ANATOMICHE. LE FORME DEL CORPO NEGLI ANNI DEL BAROCCO - SILVANA 2012

2012-02-07T00:35:00.000-08:00

VISIONI ANATOMICHE
Le forme del corpo negli anni del Barocco
Silvana, 19/1/2012
collana "Arte e archeologia"

La storia della rappresentazione del corpo umano, tracciata per quel che concerne il Quattro e il Cinquecento nei due precedenti volumi "La bella anatomia" e "L'anatomia tra arte e medicina", prosegue in questo nuovo libro dedicato alla stagione del Barocco. Un suggestivo percorso nella pratica del disegno anatomico, che, nato dal fecondo scambio tra artisti e medici avviato in età umanistica, giunge nel Seicento a esiti rappresentativi assolutamente eccezionali, in cui trovano sempre più spazio il gusto dell'eccesso da un lato e lo stupore per il meraviglioso dall'altro. Se infatti stravaganti rappresentazioni che avevano per soggetto la figura umana erano già comparse nel Manierismo, ora, in piena età Barocca, assisitiamo, accanto alla creazione di raffinate tavole di impronta accademica, a illustrazioni dal forte impatto realistico, che indugiano cioè sui dettagli dei corpi smembrati, o, di contro, a immagini fantastiche che hanno per soggetto i corpi meccanici, antesignani dei nostri robot. Il volume accoglie quattro saggi critici e un ricco atlante iconografico, che grazie alle splendide illustrazioni raccolte, accompagna visivamente l'analisi di questo interessante capitolo della storia dell'arte italiana ed europea.

ISABELLA PEDICINI: FRANCESCA WOODMAN, GLI ANNI ROMANI - CONTRASTO DUE 2012

2012-02-07T00:33:00.001-08:00

ISABELLA PEDICINI
FRANCESCA WOODMAN
Gli anni romani fra pelle e pellicola
Contrasto Due, 26/1/2012
collana "Logos"

A diciannove anni Francesca Woodman è a Roma per un soggiorno studio. Figlia d’arte, studentessa presso il Rhode Island School of Design di Providence, Roma è per lei quel luogo e quel momento in cui le suggestioni estetiche e stilistiche già coltivate in America arrivano a definitiva maturazione. Artista precoce, figura di confine tra cultura americana e cultura italiana, Francesca Woodman disegna la propria parabola artistica all’interno dei confini del mezzo fotografico, secondo cifre personali che valicano gli stessi argini della fotografia. Ripercorrendo gli itinerari romani dell’autrice e raccogliendo i racconti dei suoi amici, questo volume ricostruisce gli incontri significativi avvenuti tra la libreria Maldoror di via del Parione e gli atelier della Nuova Scuola Romana. Attraverso scritti e testimonianze il libro analizza, nel lavoro dell’artista, gli echi e le suggestioni surrealiste, il suo uso del corpo come linguaggio, gli influssi dei testi di Breton uniti a quelli della fotografia americana, da Edward Weston a Imogen Cunningham, a Duane Michals. Ristabilisce le dinamiche artistiche di Woodman in relazione all’avanguardia storica, alla tradizione fotografica americana, a quella pittorica occidentale, alla letteratura francese e al contesto storico degli anni Settanta e individua nella sua opera il “topos” della metamorfosi come continuazione della vita, come eccesso di vitalità, ribaltando il pregiudizio che analizza l’opera della Woodman a partire dalla sua storia personale. Questo volume ci racconta un nuovo lato della grande fotografa accompagnando il lettore attraverso un intimo viaggio dove parole e immagini si intersecano a tracciare i contorni del suo originale universo.

ARTE E GLOBALIZZAZIONE - PALAZZO DUCALE, GENOVA 7/2/2012

2012-02-07T00:29:00.000-08:00

ARTE E GLOBALIZZAZIONE
Palazzo Ducale - Sala del Munizioniere
piazza Matteotti 9 - Genova
martedì 7 febbraio 2012, h. 17,45

Nella Sala del Munizioniere l'artista visivo Mansour Ciss 'Kanakassi' offre uno spunto per l'analisi dello sguardo dell'Occidente sull'arte africana. L'artista di Dakar si interroga sul ruolo acquisito dagli artisti africani e dalla loro arte nel resto del mondo. Modera Judith Strohm, responsabile AfricAvenir/Berlino. Nell'ambito di Dialogues Inevitables VII. Scali Atipici - Cotonou - Genova - Napoli - Berlino. L'Africa tra postcolonialismo e globalizzazione, a cura dell'Associazione CQB, che prevede anche l'esposizione di installazioni dedicate alla discriminazione razziale, al difficile processo d'integrazione dei migranti, e all'utopia della libera circolazione dei cittadini nel mondo. L'incontro fa parte del ciclo 'Mediterranea. Voci tra le sponde'. Alle 19, Laboratoire Deberlinisation - apertura dell'esposizione dedicata ai temi della discriminazione razziale e del difficile processo d'integrazione dei migranti, e alla libera circolazione dei cittadini nel mondo.

IL GUGGENHEIM - PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI, ROMA

2012-02-05T23:17:00.000-08:00

IL GUGGENHEIM
a cura di Lauren Hinkson
Palazzo delle Esposizioni
via Nazionale 194 - Roma
dal 6/2/2012 al 6/5/2012

Il Guggenheim. L’avanguardia americana 1945–1980 illustra gli snodi principali dello sviluppo dell’arte americana in un periodo di grandi trasformazioni nella storia degli Stati Uniti: un’epoca segnata da prosperità economica, rivolgimenti politici e conflitti internazionali, oltre che da progressi sostanziali in ambito culturale.

La mostra prende le mosse dagli anni immediatamente successivi alla seconda guerra mondiale, quando gli Stati Uniti si affermarono come centro globale dell’arte moderna e l’ascesa dell’Espressionismo astratto iniziò ad attrarre l’attenzione internazionale su una cerchia di artisti attivi a New York. A partire da quel momento, nell’arte americana si assiste a una straordinaria proliferazione delle pratiche estetiche più diverse: dall’irriverente entusiasmo della Pop art per l’immaginario popolare fino alle meditazioni intellettualistiche sul significato dell’immagine che caratterizzano l’Arte concettuale negli anni sessanta; dall’estetica scarnificata del Minimalismo alle sgargianti iconografie del Fotorealismo negli anni settanta. Pur producendo opere profondamente diverse tra loro, tali movimenti furono accomunati da un impegno sostanziale ad indagare la natura intrinseca, il senso e le finalità dell’arte.

Nel prendere in esame quest’epoca cruciale per la storia dell’arte americana, la mostra rivela anche il ruolo svolto dal Solomon R. Guggenheim Museum nel dar forma a quegli sviluppi grazie al costante sostegno offerto agli artisti emergenti. I dipinti, le sculture, le fotografie e le installazioni in mostra, provenienti in primo luogo dalla collezione permanente del museo di New York, rappresentano gli interessi specifici dei singoli curatori, collezionisti e studiosi che hanno promosso l’arte contemporanea del loro tempo, lasciando la loro impronta sull’istituzione. Il percorso espositivo riflette inoltre l’evoluzione del Guggenheim, da vetrina dedicata alla pittura astratta europea a centro internazionale di riferimento per l’arte moderna e contemporanea. Uno sviluppo messo in particolare evidenza dalla presenza di opere decisive di Jackson Pollock e Arshile Gorky appartenenti alla Peggy Guggenheim Collection di Venezia, e dello spettacolare Barge [Chiatta] (1962–63) di Robert Rauschenberg, dal Guggenheim Museum Bilbao.

REALITY MANIFESTOS, OR CAN DIALECTICS BREAK BRICKS? - KUNSTHALLE EXNERGASSE, VIENNA

2012-02-05T23:14:00.001-08:00

REALITY MANIFESTOS, OR CAN DIALECTICS BREAK BRICKS?
A study of "détournement" as Art Forms
Kunsthalle Exnergasse
Währinger Straße 59 - Vienna
19 January - 3 March, 2012

Participants in the Exhibition

Marc Bauer, Sabina Baumann, Mareike Bernien & Kerstin Schroedinger, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Bogna Burska, Brice Dellsperger, Konstantinos Manolakis, Michele O’Marah, Cora Piantoni, Elodie Pong, “Schmale, Scheirl, Knebl Werke” (Toni Schmale, Hans Scheirl & Jakob Lena Knebl), Rebecca Ann Tess

Ideology can only shatter to pieces on contact with radical subjectivity.

From: René Viénet, Can Dialectics Break Bricks?

The project takes as its point of departure the “first entirely detourned film in the history of cinema”: Can Dialectics Break Bricks? (1973) by René Viénet, which adapts a spectacular film to a radical critique of cultural hegemony. The French word détournement is employed here for stealing, derailing, appropriating, misusing, re-enacting, rather than the specific term of appropriation that has acquired a special aura in an art-historical context, following John Stezaker’s recognition that “appropriation is actually a misleading term, because it suggests mastery.”

Comprised of an international group exhibition and a two-day symposium, the project develops in the field of inquiry and investigation of hijacking and ready-made in contemporary art in relation to the cinema industry, and the possible transmission of properties between them. It investigates the space and the confusion of the border between image and representation, and specially focuses on the ruins of representation, what are the possibilities for translation, and where the idea of original and copy is lost. It follows the social, political and aesthetic content created as a dialectic clash between invisible and visible, or shifts between the notions of production and consumption, reality and fiction, creating temporalities in-between, bringing together a diversity of art practices that offer singular tactics of speculative misuse, repetition, faithful mimicry and détournement of existing images, visual icons, narrative patterns – re-enacting, rewriting and translating them.

The project serves as a platform for investigating the structure and institutions of commercial cinema in relation to the institutions of art and images and the process of projection both in the most mechanical sense as a cinema camera and projector and their similarity to the function of human perception, as well as how psychoanalysis looks at the same principles of projection in the subjective and social field, as in how we project our fears and desires onto others, and how the norms of the psycho-symbolic formation of race, class and sexuality are repetitively performed. The works on display investigate the machine of cinema with its narrative structures, mythologies, representations, reproducibility, looking more generally at how these structures, institutions and borders are created, how value is created, how truth is imposed by the symbolic and economic conditions of a speculative industry. If the artist disrupts the surface of cinema, is there a possibility for upholding the claim for the autonomy of art as an institution? Ultimately, the project is about the spectacle, and what possibilities we have for subverting it, waking the viewer’s gaze from its torpid contemplation while still getting jouissance from the images’ seductive power.

ALAIN VIRMAUX, ODETTE VIRMAUX: DICTIONNAIRE DES MOUVEMENTS ARTISTIQUES ET LITTERAIRES 1870-2010 - EDITIONS DU FELIN 2012

2012-02-05T23:12:00.000-08:00

ALAIN VIRMAUX, ODETTE VIRMAUX
DICTIONNAIRE DES MOUVEMENTS ARTISTIQUES ET LITTERAIRES 1870-2010
Groupes, courants, pôles, foyers
Editions du Felin, 19/1/2012
collection "Les marches du temps"

Mouvement : à entendre au sens large (courants, pôles, foyers...).

Mouvements artistiques et littéraires : oui mais pas seulement, l'expressionisme pictural a influencé la musique, la sculpture, la littérature, le théâtre, le cinéma. De même pour le cubisme ou le surréalisme. Le projet est donc de rendre compte de ce chassé-croisé permanent des disciplines. Or il n'existait pas de dictionnaire des mouvements embrassant toutes les disciplines à la fois, y compris l'architecture, la photo, la bande dessinée.

Ce livre propose un panorama complet des mouvements de 1870 à nos jours, sans oublier de petits groupes qui eurent pourtant leur heure de gloire, même s'ils ne durèrent parfois que quelques mois : Hydropathes, Zutistes, Jemenfoutistes, Effrénéistes, Jarisvistes et, plus près de nous : Front noir, RUpTure (sic), Cannibali, Contrelittérature, Perpendiculaire, Vacarme... Savait-on que le musicalisme, fut avant-guerre, un mouvement réputé de peintres qui ambitionnait de transporter sur la toile les effets du rythme musical ? Et que vers 1910, le bovarysme ne désignait pas du tout ce qu'on imagine aujourd'hui ? On découvrira (où redécouvrira) en même temps les collectifs naguère notoires puis un peu oubliés, tel que la Décadence, les Incohérents, le groupe de Bloomsbury, les Ronchons (club des) ou encore, renaissant de ses cendres la bordelaise et provocante Présence Panchounette.